Los distintos colectivos gallegos votan a 30 personajes por sus méritos y virtudes con el fin de reconocer sus esfuerzos personales.
MARÍA JOSÉ CARIDE, ELENA ESPINOSA, NELLY MARÍA PÉREZ GIRÁLDEZ, PATRICIA PÉREZ, LOLA VILLARINO, TERESA TÁBOAS, CARMELA SILVA, ENCARNA ÁLVAREZ GARCÍA, CORINA PORRO, ELENA GONZÁLEZ SÁNCHEZ. MICHEL SALGADO, CARLOS NUÑEZ, BORJA OUBIÑA, BREOGÁN GÓMEZ-GIRÁLDEZ PÉREZ, MARÍA CASTRO, JONATHAN PEREIRA, FRANCISCO ARAÚJO CASTRO, MARÍA VILLARAVIZ GOBERNA, MARÍA JESÚS SARABIA GARCÍA, HERNRIQUE MACÍAS CAMBRA, DIEGO DE GIRÁLDEZ, LAXEIRO, MANUEL COLMEIRO GUIMARÁS, JOSÉ CASTILLO CASALDERREY, ÁNGEL SEVILLANO ESTREMERA, FRANCISCO LEIRO LOIS, ARTURO SOUTO FEIJOO, ANTONIO DURÁN “MORRIS”, ALBERTO COMESAÑA Y ANTÓN REIXA, son los 30 personajes gallegos más votados por la ciudadanía.
Esta fue una iniciativa de El Grupo de Ecología Científica de Galicia con el fin de que sea la propia ciudadanía, a través de sus organizaciones cívicas, las que propongan a las personas que crean que merecen un reconocimiento a su esfuerzo y servicio, han pedido la participación de todas ellas y recopilado los datos y propuestas que le han enviado desde las distintas asociaciones los agentes sociales, de igualdad, culturares, deportivos, de juventud, sindicales, ecologistas … y económicos de Vigo y Galicia, que han colaboran enviando CIENTOS DE CORREOS-E con los datos para realizar una selección de los más votados y exponer una semblanza de cada uno de ellos.
De esta forma muestran un escaparate de jóvenes vigueses de nacimiento hechos a sí mismos, mujeres que habitan en Vigo y que a base de mucho esfuerzo han conseguido una especial relevancia y artistas e intelectuales gallegos que cuentan con méritos suficientes para figurar en el blog creado al efecto y que trata de dar a conocer estos importantes personajes, del "sondeo" efectuado se han recopilado los currículos de los personajes más votados por los distintos colectivos para realizar las semblanzas que publican, basadas en sus méritos y virtudes con el fin de que sea, y lo es sin duda, un homenaje a sus esfuerzos personales.
Piden que en caso de que algún colectivo aún no haya enviado sus candidatos puede hacerlo enviando un breve currículum y los méritos así como una foto a: gecma@elgranvigo.net
Para ver las semblanzas de los más votados hasta el momento pinchar en: PERSONAJES GALLEGOS
viernes 23 de enero de 2009
miércoles 9 de julio de 2008
SE HA INAUGURADO EN DUBROVNIK UNA EXPOSICIÓN CON DIBUJOS DE PICASSO
El 8 de julio se ha inaugurado una exposición en el Museo de Arte Moderno de
Dubrovnik dedicada a dibujos de Pablo Picasso y que se podrá visitar hasta
el 28 de septiembre de 2008. Un aliciente más para acercarse a esta bella
ciudad croata que ofrece una animada vida cultural durante el verano.
Ya puede visitarse la exposición dedicada a Pablo Picasso del Museo de Arte
Moderno de Dubrovnik, que permanecerá en la ciudad hasta el próximo 28 de
septiembre. Esta muestra, formada por obras que proceden de colecciones
privadas de Suiza y del Museo de Arte de la ciudad renana de Mülheim an der
Ruhr, está compuesta por tres series muy representativas del autor: Suite
Vollard, La Tauromaquia y Suite 156.
La serie Suite Vollard ha sido muy valorada por los críticos de arte y se
encuentra entre una de las series de dibujos más importantes del siglo XX;
fue creada entre 1930 y 1937 y está formada por 100 dibujos, 89 de los
cuales se pueden ver en el Museo de Arte Moderno de Dubrovnik. El nombre
deriva de Ambroise Vollard, galerista que colaboró muy estrechamente con
Pablo Picasso, y sus temas son la batalla del amor, el Minotauro, el Taller
de Escultor... e incluye tres retratos de Ambroise Vollard.
La Tauromaquia (1957) cuenta con 26 aguatintas y muestra escenas del toreo.
Su excelente ejecución hace que sea comparada habitualmente con las pinturas
que Francisco de Goya dedicó a este tema.
La serie Suite 156 está formada por 20 aguatintas y aguafuertes que fueron
realizadas por el artista en sus últimos años (1970-1972) y se consideran un
auténtico "testamento gráfico". Destaca ver como Picasso, con 90 años,
mantenía un frenético ritmo de trabajo, creando gran cantidad de piezas de
alta calidad dedicadas a diversos temas y experimentos visuales, con un
marcado componente erótico.
Dubrovnik dedicada a dibujos de Pablo Picasso y que se podrá visitar hasta
el 28 de septiembre de 2008. Un aliciente más para acercarse a esta bella
ciudad croata que ofrece una animada vida cultural durante el verano.
Ya puede visitarse la exposición dedicada a Pablo Picasso del Museo de Arte
Moderno de Dubrovnik, que permanecerá en la ciudad hasta el próximo 28 de
septiembre. Esta muestra, formada por obras que proceden de colecciones
privadas de Suiza y del Museo de Arte de la ciudad renana de Mülheim an der
Ruhr, está compuesta por tres series muy representativas del autor: Suite
Vollard, La Tauromaquia y Suite 156.
La serie Suite Vollard ha sido muy valorada por los críticos de arte y se
encuentra entre una de las series de dibujos más importantes del siglo XX;
fue creada entre 1930 y 1937 y está formada por 100 dibujos, 89 de los
cuales se pueden ver en el Museo de Arte Moderno de Dubrovnik. El nombre
deriva de Ambroise Vollard, galerista que colaboró muy estrechamente con
Pablo Picasso, y sus temas son la batalla del amor, el Minotauro, el Taller
de Escultor... e incluye tres retratos de Ambroise Vollard.
La Tauromaquia (1957) cuenta con 26 aguatintas y muestra escenas del toreo.
Su excelente ejecución hace que sea comparada habitualmente con las pinturas
que Francisco de Goya dedicó a este tema.
La serie Suite 156 está formada por 20 aguatintas y aguafuertes que fueron
realizadas por el artista en sus últimos años (1970-1972) y se consideran un
auténtico "testamento gráfico". Destaca ver como Picasso, con 90 años,
mantenía un frenético ritmo de trabajo, creando gran cantidad de piezas de
alta calidad dedicadas a diversos temas y experimentos visuales, con un
marcado componente erótico.
viernes 2 de mayo de 2008
BREVE HISTORIA DEL PERIÓDICO DECANO EUROPEO DE LA PRENSA DE DISTRIBUCIÓN GRATUITA: EL FORO METROPOLITANO DE VIGO
EL FORO METROPOLITANO es un periódico gratuito y bilingüe que cuenta con importantes colaboradores del mundo de la cultura y críticos de arte de alto prestigio. Nace en Vigo en 1990 con el nombre de O Foro da Portela. Es decano europeo de la prensa de distribución gratuita, siendo la segunda la revista Coia Información (en la actualidad revista El Gran Vigo) nacida en esta misma ciudad en 1991. El honor de ser la tercera publicación lo ostenta el Minidiario que apareció por primera vez en Valencia en 1992. En estos últimos años aparecieron distintas publicaciones de distribución gratuita en todos los países europeos.
EL FORO METROPOLITANO, periódico de alta calidad, se imprime en 32 páginas a todo color, en papel alta blancura de 55 grs. Las medidas de sus páginas son 290 x 420, módulos 50 (alto módulo 35, ancho columna 45), número de columnas 5 y la medida de mancha es de 247 x 370.
EL FORO METROPOLITANO desarrolla en sus páginas las secciones de: Foro especial, Vigo, Pontevedra, Galicia, España, Participación Ciudadana y además se tratan, aparte de la información general, asuntos de interés de los distintos sectores: economía, desarrollo sostenible, I + D, sociedad, educación, cultura, deporte, medioambiente, política, etc..
El grado de importancia de este periódico, EL FORO METROPOLITANO, o de cualquier otro del mundo, en Internet, se puede comprobar en el medidor de medios Mediatico.Com que es un directorio de medios de comunicación de todo el mundo.
Mediatico.com
EL FORO METROPOLITANO es una publicación INDEPENDIENTE, tanto de las instituciones como de los poderes financieros, que tiene como finalidad la información directa, veraz, fiable y responsable. Por ello se reserva el derecho de no publicar escritos, artículos y anuncios cuyos contenidos puedan considerarse contrarios a la legislación vigente, u ofensivos para las personas físicas o jurídicas afectando a su intimidad y honor. Así mismo no publica los anuncios o información que puedan implicar perjuicio para los menores, hagan apología del uso de la violencia, estén relacionados con el juego ilegal, petición de dinero, sectas, discriminación racial, que solicite envío de sellos como respuesta, que implique contactos, intercambios sexuales, ni aquellos cuyo teléfono de contestación, contacto o información empiecen por 906 y otros de iguales características.
SUPLEMENTOS
EL FORO METROPOLITANO cuenta con los suplementos El Foro Metropolitano de Vigo – Pontevedra, El Foro del Val Miñor y la Revista El Gran Vigo, como ediciones escritas. Además cuenta con varios periódicos digitales, Web, blogs y próximamente con la televisión Vigo TV.
DISTRIBUCIÓN
EL FORO METROPOLITANO es un periódico gratuito que se edita en Vigo, de capital gallego. Se distribuye en Vigo, Redondela, Pazos de Borbén, Fornelos de Montes, Mos, Porriño, Ponteareas, Mondariz, Mondariz Balneario, Covelo, A Cañiza, Crecente, Arbo, As Neves, Salvaterra do Miño, Salceda de Caselas, Tuy, O Rosal, A Guarda, Tomiño, Gondomar, Nigrán, Bayona, Santa Mª de Oia, , Cangas, Moaña, Marín, Bueu, Sotomaior, Vilaboa, Pontevedra, Santiago de Compostela, Coruña, Lugo, Orense, algunas partes de España y Portugal. Además también se envía a distintos lugares fuera de España: ONU, Vaticano, Patronato de los Premios Nobel, Casa Real Sueca, Argentina, Brasil, Venezuela.
El periódico EL FORO METROPOLITANO, a todo color tienen la mejor distribución para un medio de comunicación de esta categoría: Suscritores, Comunidades de empresarios de polígonos industriales, asociaciones culturales, vecinales, juveniles, etc., asociaciones y confederaciones de empresarios, confederaciones y asociaciones sindicales, empresas puerto, Estación Marítima, aeropuerto, estación de ferrocarril, estación de autobuses, polígonos industriales, gasolineras, ayuntamientos de la provincia de Pontevedra, Coruña, Lugo y Orense, alcaldes, bibliotecas, colegios e institutos, universidades, Diputación Provincial de Pontevedra, A Coruña, Lugo y Orense, Delegaciones Provinciales de la Xunta y del Estado, colegios de árbitros, colegios profesionales, delegaciones de federaciones deportivas, concejales y otros cargos de Ayuntamientos, conselleiros, dependencias, presidencia de la Xunta, bibliotecas de toda Galicia y bibliotecas municipales y de colegios e institutos de la provincia de Pontevedra, Bancos y Cajas de Ahorros, Federación de Vecinos, Asociaciones, clubes deportivos, Obispado de Tuy – Vigo, buzoneo, bares, cafeterías, restaurantes, hoteles, hostales, clínicas privadas, ambulatorios, casas de salud, hospitales, peluquerías, comunidades de vecinos, Gobierno Central, Ministerios, Bibliotecas Nacionales, Fundaciones y otros organismos a nivel estatal, Xunta de Galicia, Arzobispado de Santiago de Compostela, algunas importantes empresas, centros culturales y universidades de Portugal, etc.
COLABORADORES EN LOS REPORTAJES Y FOROS ESPECIALES
Entre otros muchos, colaboran o han colaborado con nosotros en nuestros foros especiales:
Políticos (Presidentes, Ministros, Consellerios, Alcaldes, Concejales, Diputados, Senadores, etc): José Luis Rodríguez Zapatero, Mariano Rajoy Brey, Emilio Pérez Touriño, Anxo Quintana, Manuel Fraga Irribarne, Rafael Lourzan Abal, Xosé Manuel Beiras, Francisco Cacharro Pardo, Pilar del Castillo, Francisco Cerviño González, Hixinio Beiras Cal, Guillermo Hernández Cerviño, Celso Currás Fernández, Jesús Pérez Varela, Ángel Latas, Pablo Ferreira, Delfín Fernández, Enrique López Veija, Aurelio Miras Portugal, Alberto Núñez Feijoo, Xosé Manuel Barreiro Fernández, José María Hernández Cochón, Carlos Mantilla, Antón Louro Goyanes, María Xosé Porteiro, Enrique López Veija, María José Cimadevila Cea, Juan Rodríguez Yuste, José Blanco López, Manel Gallego Lomba, Rosa Miguélez Ramos, Antolín Sánchez Presedo, Pedro Zerolo, César Pascual Fernández, Xosé Francisco Ferreiro Abelleira, Jesús Caldera, Gaspaz Llamazares, Manuel Luis Rodríguez González, Modesto Pose Mesura, Carlos Aymerich, Cristina Carbona, Francisco Araújo Castro, Alejandro Tiana (Secretario General de Educación), Laura Elena Sánchez Piñón, Luis Gómez Piña, Nicolás Iván Vaqueiro, Xosé Paz Antón, Ánxela Bugallo Rodríguez, Javier Arellano, Ricardo Varela, Alfonso De Lis, Arantza Ruiz (Pais Vasco), Javier Bernabé Martín (Gijón), María Luisa Graña, Loles Dolz, Carmela Silva, Elena Espinosa, Juan Frojan, José Manuel Figueroa, María Méndez (BNG), María Dolores Cabaleiro, Xosé Carlos Arias, Isarua Abelairas, Miguel Barros Puente, Silvia Bermúdez Pérez (Responsable Comarcal de Galiza Nova), Gonzalo Caballero, Pilar Rojo, Lucia Molares Pérez, Olaia Fernández, Mauricio Ruiz Ceniceros, Enrique Viéitez Alonso, Xavier Toba, Ignacio López – Chaves Castro, Amador Fernández Fernández, Santiago Domínguez Olveira, Marta Iglesias Bueno, Belén Sío, Margarida Martíns, Ángeles Silva Gónzalez (Baiona), María Luisa López Castro (Gondomar), Ana Maria Ríal Fernández (Nigrán), Juan Hermida (Nigrán), María Jesús Martins (Baiona), Laura López Atrio, Manuel Núñez Sestelo (Gondomar), Enrique Cabaleiro González (Salceda de Caselas), Xulio Calviño, Corina Porro, José López Orozco (Alcalde de Lugo), Xosé Sánchez Bugallo (Alcalde de Santiago de Compostelea), Raúl Francés Rodríguez (Alcalde de Porriño), María Jesús Escudero (Alcaldesa de Mos), Xaime Rei Barreiro (Alcalde de Redondela), Luis Carlos de la Peña (Baiona), Xosé M. Millán Otero (Moaña), , Lois Pérez Castrillo, Manoel Soto Ferreiro, Manuel Pérez, Cesar Mera (A Cañiza), Ventura Pérez Mariño, Carlos Príncipe, Abel Caballero, Benito Pérez (Alcalde Pedáneo de Bembrive), Efrén Juanes (Nigrán), Antonio Araújo Quintas (Gondomar), etc.
Directores Generales: Rosa María Peris Cervera (Directora General del Instituto de la Mujer), Margarita Rodríguez Rama (Directora Xeral do IGAPE, Carlos Gómez Arruche (Director General de la Guardia Civil), Loreto San Martín Gómez (Directora General de Juventud), Javier Valenzuela Gimeno (Director General de Información Internacional), Ignacio Calderón (Director General de la FAD), Rafael Blanco Perea (Director General del Consejo superior de Deportes), Carlos Muñoz Repiso (Director General de Tráfico), Mª José Thomas Berbén (Coordinadora oficina de Emigración), etc.
Cuerpos de Seguridad del Estado: Manuel Ignacio Oliver Buhigas (Teniente General Jefe del Mando Regional Noroeste), Manuel Mariño Castro (Comisario Jefe de la Policia de Vigo - Redondela), José Sotelo Rodríguez (Jefe de la Policía Local de Vigo), Manuel Lamas Estévez (Comisario de Policía), etc.
Poder Judicial: Candido conde Pumpido Touron (Fiscal General del Estado, Xesús Souto Prieto (Presidente del Tribunal Superior de Justicia de Galicia), Emilio Calatayud Pérez (Magistrado del Juzgado de Menores de Granada), Vicente Magro Server (Presidente de la Audiencia Provincial de Alicante), Joaquín López Valeiras (Secretario del Juzgado de los Social nº 5 de Vigo), Adolfo Pérez de Oliver y Toliva (Consejo General del Poder Jurdicial), etc.
Rectores, catedráticos, profesores universitarios: Carlos Berzosa Alonso (Rector Universidad Complutense de Madrid), Araceli Macia (Rectora de la UNED), Manuel González Mouriño (Director del CPI Sárdoma), Manuel Mella (Catedrático Universidad Complutense), Enrique Varela Álvarez (Profesor Universidad de Vigo), Alberto Vaquero García (Universidad de Vigo), Argimiro Rojo Salgado (Catedrático Universidad de Vigo), Oscar García (Profesor Universidad de Vigo), José Luis Legido (Universidad de Vigo), Luis Barrio Murga (Universidad de Vigo), Miguel Ángel Miras Calvo (Doctor en Matemáticas), Manuel Burgos Tomil (Profesor Universidad de Vigo), Jacobo Izquierdo (Profesor Universidad de Vigo), Jaime Aneiros Pereira (Universidad de Vigo), Emilio Rey (Universidad de Vigo), Serafín Villanueva Bembibre (Profesor Filosofía), Enrique Vila Abad (Director UNED A Coruña),
Empresarios e Instituciones empresariales: José Costas García (Presidente de la Cámara de Comercio de Vigo), José Manuel Fernández Alvariño (Presidente de la Confederación de Empresarios de Pontevedra), Juan Ramón Güel (Presidente del Club Financiero de Vigo), Javier Centeno (Gerente de AJE), Pilar Blanco Tuimil (Presidenta AJE Vigo), José Ángel Blanco Núñez (Gerente de Compostela Monumental), Encarna Álvarez García (Presidenta de la Federación de Comerciantes de Vigo), Antonio Reguera Repiso (Presidente de la Federación Provincial de Comercio), José Martínez Torea (Ex Presidente Autoridad Portuaria), José Antonio Lama Moure (Director Academia Postal), Antón Piñeiro (Presidente de la AD Seis do Nadal, Julio Fernández Gayoso (Presidente Caixanova), Pablo Comesaña Vázquez (Director Adjunto de Astilleros M. Cies), Daniel Fernández – Alvariño Ferro (Director Gerente Salfer), Carmen Caffael (Directora de RTVE), Juan Antonio González (Autoescuelas San Benito), Asociación de Empresarios da Pasaxe (Gondomar), ACHEGO – Asociación de Comerciantes y Empresarios de Gondomar, José María Delgado (Director Gerente de PROSOLIA), Candido Cabaleiro Lorenzo (Alquipos), Rosa Rodríguez Fundin (Comunidad de Empresarios del Polígono de Miraflores Sárdoma), etc.
Cultura: Alfonso Zulueta de Haz (Presidente del Consello da Cultura Gallera), Antonio Montero Carro (Gerente del Consello da Cultura Galega), Lalo Vázque Gil (Cronista Oficial de Vigo), José Mª Seijas López (Presidente de la Federación Gallega de Comercio), Alberto Zambade (Escrito Arganda del Rey), Xavier Illa Couto (Presidente del Instituto Galego de Estudio comunitarios), Jesús Calabuig (Pintor), Damian Villalaín (Director de la Fundación Carlos Casares), Victor Freixanes (Escritor),
Iglesia y otras Istituciones: Julian Barrio Barrio (Arzobispo de Santiago de Compostela), Enrique Múgica Herzog (Defensor del Pueblo de España), José Ramón Vázquez Sánchez (Valedor do Pobo), Luis Espada Recarey (Valedor do Ciudadán),
Periodistas: Julia Donis Cerezo (TVE), Carmen Domínguez Simona, Alfredo Goberna, Diego Vázquez, Jorge Lamas, Juan Villar, Benigno de la Torre, Lino Blanco, Antonio Estévez, Eugenio Eiroa, Alejandro López Casal, Miguel Ángel Rodríguez, Alberto Ovenza, Antonio Saborido, Miguel Esqueira,
Sindicatos: Olga Alonso Suárez (UGT), Cristina Fojo Campos (Secretaria Mujer CIG), Elena Rodríguez (Secretaria Mujer CCOO), Santos Héctor Rodríguez (UGT), Xerardo Abraldes (CIG), Joel Vázquez Alcántara (CCOO), Suso Seixo (Secretario General CIG), Xan María Castro (Secretario General de CCOO Galicia), Xesús Mosquera (Secretario General UGT Galicia), Julio Ruiz Ruiz (Secretario Confederal de Migraciones CCOO), Carmen Nodar Sanmartin (Responsable del Área de Migraciones de UGT), Manuel Mera (Secretario Confederal de Formación Sindical y Migración de CIG), Teresa Vázquez Arias (Secretaria General de CGT Galicia), Xaime López Golpe (Secretario de Acción Sindical CCOO), José Antonio Gómez Goméz (Secretario General UGT Galicia), Joaquin Rodríguez García (Secretario Acción sindical UGT), Xosé Cameselle Romero (Secretario General Unión Comarcal CCOO Vigo), Emilio Bahmondo López (Secretario General Transportes UGT), Xavier Aboi Pérez (Secretario Sectorial do Mar CIG), José Manuel Fernández Pérez (Secretario General CCOO Vigo)
Asociacionismos: Elena González (Presidenta de la Federación Eduardo Chao, Antonio García (Presidente de AHIGE – Canarias), Mar Asunción (WWF/ADENA), Xosé Veiras García (ADEGA), José Luis García Lorenzo (Greenpeace España), Liliana Spendeler (Amigos de la Tierra España), Eleuterio García (Delegado Atletismo), Antonio Iglesias (Presidente del a Federación Gallega de Motonáutica), Asociación Vecinal O Carballo Sárdoma, Asociación de Propietarios de la Carballa, Asociación de Vecinos de Teis, Asociación de Vecinos Camiño Vello de Coia, Asociación de Vecinos de Lavadores, Asociación de Vecinos del Calvario, Sociedad Cultural Helios de Bembrive, Asociación Fonte do Galo, Asociación Veciñal Casco Vello, Asociación de Vecinos de Beade, Asociación de Vecinos Val do Fragoso, Pedro Mezquida (Secretario General de ASNEPA), Asociación de Vecinos Santa Lucia de la Salgueria, Asociación de Afectados de Matamá, Colectivos de Afectados de Lavadores, Asociación Liñeiriños Cabral, Asociación de Afectados de Ameixeira Alcabre, Asociación Alternativa Veciñal, Colectivos de Afectados de Samil – Navia, Colectivos de Afectados de Teis, Asociación de Afectados de Sárdoma, Pedro Gómez Valadés (Presidente de la Asociación Galega de Amizade con Israel), Adenco, Ecologistas en Acción, Raúl Vila Caride (Presidente de Xestas), Elva Riveiro (Presidente de Lúa), Carmen Avendaño Otero (Presidenta de la Fundación Írguete),
Arquitectos: Miguel Font Rosell, Carlos Ardid
Deporte: Manuel Parcero (Delegado Federación de Fútbol), Fernando Iglesias (Delegado Colegio de Árbitros), Daniel Costas Fernández (ASDEBAV), Francisco José González (Delegado Provincial Deportes), Felipe Buceta Fernández (Coordinador Deportes en Edad Escolar), José Ángel Otero Lamas (Dto.. Técnico IMD), Chano Rodríguez (Deportista),
Salud: Carlos Ponte Mittelbrunn (Médico y Presidente de la Federación de Asociaciones de defensa de la sanidad pública), Víctor Aznar Marcén (Presidente de Satse), Miguel Mosquera Claro (Médico), Ignacio Sáenz Consculluela (Presidente de PEACRAM),
Colegios: Concepción Martínez (Directora del CEE Saladino Cortizo), Arcadio Rodríguez (CEIP Escultor Acuña), José Manuel Piñeiro (Profesor), Manuel Ovidio González (CEIP Sárdoma Moledo), Cesar Blanco (Academia Postal), Juan Francisco Centrón (Director del CEIP Mosteiro Bembrive), Luis Barbosa Fernández (Director CEIP Chans Bembrive),
Otros: Miguel Anxo Rodríguez (Abogado), Francisco Crusat (Abogado), Antón Carreira (Abogado), Oscar Martínez (Abogado), Francisco Ferreira, Alberto Monedero, Manolo Porto, Santiago Rial (Corujo), Fernando Aira Enríquez (Veterinario), Juan Carlos Paz (Abogado), Xaviero Pérez Tizón (Ingeniero), etc.
¿CÓMO ESTÁ LA DIFUSIÓN EN GALICIA?
Los medios de comunicación que más han crecido en Galicia, en el período 2006/2007, han sido: La Voz de Galicia en prensa diaria y El Foro Metropolitano de Vigo en periódicos mensuales.
La Voz de Galicia. La difusión del pasado mes de mayo fue de 104.933 periódicos diarios, lo que supone un incremento del 4,04%.
El Foro Metropolitano. La difusión mensual es de 50.000 ejemplares. Tiene varios suplementos: El Foro del Val Miñor, Revista El Gran Vigo, El Foro Metropolitano de Vigo-Pontevedra,...Y los periódico digitales: elforodigital,com, elgranvigo.net, vicusmetropolis.com, infojoven.net, .... Los buenos resultados de difusión de La Voz de Galicia y El Foro Metropolitano de Vigo contrastan con la tendencia negativa de la mayor parte de la prensa impresa.
La Voz, junto con La Nueva España y El Foro Metropolitano, encabeza el crecimiento de la difusión en el grupo de los diarios que no se editan ni en Madrid ni en Barcelona. En el ámbito gallego, refiriéndose a datos acumulados de enero a mayo del 2007 en comparación al mismo período del 2006,Faro de Vigo, segundo diario en difusión en Galicia, cae un 3,5% y se queda en 40.021 ejemplares. El Atlántico Diario no aparece ni en el grupo de los de 2.000. La Opinión baja un 2,6%, y vende 6.144 periódicos. También es negativo el resultado de El Progreso, con un 1,5% menos. Las cabeceras gallegas de los periódicos de venta difunden en conjunto 83.973 ejemplares, 19.306 menos que La Voz.
RÉCORD EN INTERNET
También la edición digital de La Voz de Galicia marcó un nuevo récord de audiencia en el mes de mayo, junto con http://www.elforodigital.com/, segundo periódico digital más visitado de Galicia según Mediatico.com
ENCUESTA OCTUBRE 2005
Perfil del lector habitual de prensa: El Foro Metropolitano
Muestra: 1500 personas | 500 Vigo y Zona de influencia | 500 resto provincia de Pontevedra | 500 resto Galicia
Nivel de estudios
21% (sin estudios); 49% (básicos); 84% (secundarios); 83%(universitarios)
Nivel económico
31% (medio bajo); 84% (medio); 67% (medio alto); 8% (alto)
Por sexo
49% mujeres; 51% hombres
Tiempo dedicado a la lectura de la prensa
29% (10 min.); 36% (15/30 min.); 21% (30/45 min.); 16% (60 min.); 5% (más de 60 min.).
¿Cómo considera a El Foro Metropolitano?
Buena información: 90%
Independiente: 87%
Veraz: 93%
Objetivo: 92%
¿Qué destaca de El Foro Metropolitano? (Valoración de 0 a 9)
Información veraz e independiente 9
Información de Vigo 8
Información de Pontevedra 8
Información de Galicia 7
Información de España 6
Foros y opinión 9
Diseño 6
Fotografía 6
Calidad de impresión 9
Publicidad 7
Suplementos 7
ENCUESTA ENERO 2007 DE MEDIATICO (directorio de periódicos de todo el mundo) sobre www.elforodigital.com
www.elforodigital.com
Incremento mensual de visitas: 42,58%
24 de Enero: 20.710 visitas (según la medición de MEDIATICO.COM)
En el pasado mes de Enero el periódico digital www.elforodigital.com registró un incremento de visitas del 42,58 % sobre el mes de diciembre, y del 81,11% en relación con el mismo mes del año anterior.
En Enero de 2007 se superaron por primera vez las 20.000 visitas/día, siendo el 25 de Enero el día en que se registraron más visitas, 20.711.
ALGUNOS NÚMEROS DEL PERIÓDICO EL FORO METROPOLITANO EN PDF.
Abril 2008
Marzo 2008
Julio 2004
Agosto 2004
Diciembre 2004
INFORMACIÓN RECOGIDA EN PRENSA DE DISTRIBUCIÓN GARTUITA Y EN WIKIPEDIA
El Foro Metropolitano de Vigo, periódico gratuito y bilingüe, nace en Vigo en 1990 con el nombre de O Foro da Portela. Decano europeo de la prensa de distribución gratuita tiene como segunda a la revista Coia Información (en la actualidad revista El Gran Vigo) nacida en esta misma ciudad en 1991. El honor de ser la tercera publicación lo ostenta el Minidiario que apareció por primera vez en Valencia en 1992. Tres años después(1995) salió a la luz Metro, un periódico sueco, y la siguiente empresa en lanzar al mercado un periódico gratuito fue la noruega Schibested, que en 1999 publicó desde Zúrich el periódico 20 Minutos.
Fue Estados Unidos el país pionero en prensa gratuita, con la publicación, en la década de 1940, del primero de estos periódicos, que actualmente se denomina Contra Costa Times. En los años 70 surgieron algunas publicaciones gratuitas más, aunque este tipo de prensa no empezó a ser popular en Norteamérica hasta la década siguiente.
Como hemos dicho antes Europa se incorporó a esta corriente con mucho retraso y fue España el país que dio el primer paso, en 1990.
EL FORO METROPOLITANO, periódico de alta calidad, se imprime en 32 páginas a todo color, en papel alta blancura de 55 grs. Las medidas de sus páginas son 290 x 420, módulos 50 (alto módulo 35, ancho columna 45), número de columnas 5 y la medida de mancha es de 247 x 370.
EL FORO METROPOLITANO desarrolla en sus páginas las secciones de: Foro especial, Vigo, Pontevedra, Galicia, España, Participación Ciudadana y además se tratan, aparte de la información general, asuntos de interés de los distintos sectores: economía, desarrollo sostenible, I + D, sociedad, educación, cultura, deporte, medioambiente, política, etc..
El grado de importancia de este periódico, EL FORO METROPOLITANO, o de cualquier otro del mundo, en Internet, se puede comprobar en el medidor de medios Mediatico.Com que es un directorio de medios de comunicación de todo el mundo.
Mediatico.com
EL FORO METROPOLITANO es una publicación INDEPENDIENTE, tanto de las instituciones como de los poderes financieros, que tiene como finalidad la información directa, veraz, fiable y responsable. Por ello se reserva el derecho de no publicar escritos, artículos y anuncios cuyos contenidos puedan considerarse contrarios a la legislación vigente, u ofensivos para las personas físicas o jurídicas afectando a su intimidad y honor. Así mismo no publica los anuncios o información que puedan implicar perjuicio para los menores, hagan apología del uso de la violencia, estén relacionados con el juego ilegal, petición de dinero, sectas, discriminación racial, que solicite envío de sellos como respuesta, que implique contactos, intercambios sexuales, ni aquellos cuyo teléfono de contestación, contacto o información empiecen por 906 y otros de iguales características.
SUPLEMENTOS
EL FORO METROPOLITANO cuenta con los suplementos El Foro Metropolitano de Vigo – Pontevedra, El Foro del Val Miñor y la Revista El Gran Vigo, como ediciones escritas. Además cuenta con varios periódicos digitales, Web, blogs y próximamente con la televisión Vigo TV.
DISTRIBUCIÓN
EL FORO METROPOLITANO es un periódico gratuito que se edita en Vigo, de capital gallego. Se distribuye en Vigo, Redondela, Pazos de Borbén, Fornelos de Montes, Mos, Porriño, Ponteareas, Mondariz, Mondariz Balneario, Covelo, A Cañiza, Crecente, Arbo, As Neves, Salvaterra do Miño, Salceda de Caselas, Tuy, O Rosal, A Guarda, Tomiño, Gondomar, Nigrán, Bayona, Santa Mª de Oia, , Cangas, Moaña, Marín, Bueu, Sotomaior, Vilaboa, Pontevedra, Santiago de Compostela, Coruña, Lugo, Orense, algunas partes de España y Portugal. Además también se envía a distintos lugares fuera de España: ONU, Vaticano, Patronato de los Premios Nobel, Casa Real Sueca, Argentina, Brasil, Venezuela.
El periódico EL FORO METROPOLITANO, a todo color tienen la mejor distribución para un medio de comunicación de esta categoría: Suscritores, Comunidades de empresarios de polígonos industriales, asociaciones culturales, vecinales, juveniles, etc., asociaciones y confederaciones de empresarios, confederaciones y asociaciones sindicales, empresas puerto, Estación Marítima, aeropuerto, estación de ferrocarril, estación de autobuses, polígonos industriales, gasolineras, ayuntamientos de la provincia de Pontevedra, Coruña, Lugo y Orense, alcaldes, bibliotecas, colegios e institutos, universidades, Diputación Provincial de Pontevedra, A Coruña, Lugo y Orense, Delegaciones Provinciales de la Xunta y del Estado, colegios de árbitros, colegios profesionales, delegaciones de federaciones deportivas, concejales y otros cargos de Ayuntamientos, conselleiros, dependencias, presidencia de la Xunta, bibliotecas de toda Galicia y bibliotecas municipales y de colegios e institutos de la provincia de Pontevedra, Bancos y Cajas de Ahorros, Federación de Vecinos, Asociaciones, clubes deportivos, Obispado de Tuy – Vigo, buzoneo, bares, cafeterías, restaurantes, hoteles, hostales, clínicas privadas, ambulatorios, casas de salud, hospitales, peluquerías, comunidades de vecinos, Gobierno Central, Ministerios, Bibliotecas Nacionales, Fundaciones y otros organismos a nivel estatal, Xunta de Galicia, Arzobispado de Santiago de Compostela, algunas importantes empresas, centros culturales y universidades de Portugal, etc.
COLABORADORES EN LOS REPORTAJES Y FOROS ESPECIALES
Entre otros muchos, colaboran o han colaborado con nosotros en nuestros foros especiales:
Políticos (Presidentes, Ministros, Consellerios, Alcaldes, Concejales, Diputados, Senadores, etc): José Luis Rodríguez Zapatero, Mariano Rajoy Brey, Emilio Pérez Touriño, Anxo Quintana, Manuel Fraga Irribarne, Rafael Lourzan Abal, Xosé Manuel Beiras, Francisco Cacharro Pardo, Pilar del Castillo, Francisco Cerviño González, Hixinio Beiras Cal, Guillermo Hernández Cerviño, Celso Currás Fernández, Jesús Pérez Varela, Ángel Latas, Pablo Ferreira, Delfín Fernández, Enrique López Veija, Aurelio Miras Portugal, Alberto Núñez Feijoo, Xosé Manuel Barreiro Fernández, José María Hernández Cochón, Carlos Mantilla, Antón Louro Goyanes, María Xosé Porteiro, Enrique López Veija, María José Cimadevila Cea, Juan Rodríguez Yuste, José Blanco López, Manel Gallego Lomba, Rosa Miguélez Ramos, Antolín Sánchez Presedo, Pedro Zerolo, César Pascual Fernández, Xosé Francisco Ferreiro Abelleira, Jesús Caldera, Gaspaz Llamazares, Manuel Luis Rodríguez González, Modesto Pose Mesura, Carlos Aymerich, Cristina Carbona, Francisco Araújo Castro, Alejandro Tiana (Secretario General de Educación), Laura Elena Sánchez Piñón, Luis Gómez Piña, Nicolás Iván Vaqueiro, Xosé Paz Antón, Ánxela Bugallo Rodríguez, Javier Arellano, Ricardo Varela, Alfonso De Lis, Arantza Ruiz (Pais Vasco), Javier Bernabé Martín (Gijón), María Luisa Graña, Loles Dolz, Carmela Silva, Elena Espinosa, Juan Frojan, José Manuel Figueroa, María Méndez (BNG), María Dolores Cabaleiro, Xosé Carlos Arias, Isarua Abelairas, Miguel Barros Puente, Silvia Bermúdez Pérez (Responsable Comarcal de Galiza Nova), Gonzalo Caballero, Pilar Rojo, Lucia Molares Pérez, Olaia Fernández, Mauricio Ruiz Ceniceros, Enrique Viéitez Alonso, Xavier Toba, Ignacio López – Chaves Castro, Amador Fernández Fernández, Santiago Domínguez Olveira, Marta Iglesias Bueno, Belén Sío, Margarida Martíns, Ángeles Silva Gónzalez (Baiona), María Luisa López Castro (Gondomar), Ana Maria Ríal Fernández (Nigrán), Juan Hermida (Nigrán), María Jesús Martins (Baiona), Laura López Atrio, Manuel Núñez Sestelo (Gondomar), Enrique Cabaleiro González (Salceda de Caselas), Xulio Calviño, Corina Porro, José López Orozco (Alcalde de Lugo), Xosé Sánchez Bugallo (Alcalde de Santiago de Compostelea), Raúl Francés Rodríguez (Alcalde de Porriño), María Jesús Escudero (Alcaldesa de Mos), Xaime Rei Barreiro (Alcalde de Redondela), Luis Carlos de la Peña (Baiona), Xosé M. Millán Otero (Moaña), , Lois Pérez Castrillo, Manoel Soto Ferreiro, Manuel Pérez, Cesar Mera (A Cañiza), Ventura Pérez Mariño, Carlos Príncipe, Abel Caballero, Benito Pérez (Alcalde Pedáneo de Bembrive), Efrén Juanes (Nigrán), Antonio Araújo Quintas (Gondomar), etc.
Directores Generales: Rosa María Peris Cervera (Directora General del Instituto de la Mujer), Margarita Rodríguez Rama (Directora Xeral do IGAPE, Carlos Gómez Arruche (Director General de la Guardia Civil), Loreto San Martín Gómez (Directora General de Juventud), Javier Valenzuela Gimeno (Director General de Información Internacional), Ignacio Calderón (Director General de la FAD), Rafael Blanco Perea (Director General del Consejo superior de Deportes), Carlos Muñoz Repiso (Director General de Tráfico), Mª José Thomas Berbén (Coordinadora oficina de Emigración), etc.
Cuerpos de Seguridad del Estado: Manuel Ignacio Oliver Buhigas (Teniente General Jefe del Mando Regional Noroeste), Manuel Mariño Castro (Comisario Jefe de la Policia de Vigo - Redondela), José Sotelo Rodríguez (Jefe de la Policía Local de Vigo), Manuel Lamas Estévez (Comisario de Policía), etc.
Poder Judicial: Candido conde Pumpido Touron (Fiscal General del Estado, Xesús Souto Prieto (Presidente del Tribunal Superior de Justicia de Galicia), Emilio Calatayud Pérez (Magistrado del Juzgado de Menores de Granada), Vicente Magro Server (Presidente de la Audiencia Provincial de Alicante), Joaquín López Valeiras (Secretario del Juzgado de los Social nº 5 de Vigo), Adolfo Pérez de Oliver y Toliva (Consejo General del Poder Jurdicial), etc.
Rectores, catedráticos, profesores universitarios: Carlos Berzosa Alonso (Rector Universidad Complutense de Madrid), Araceli Macia (Rectora de la UNED), Manuel González Mouriño (Director del CPI Sárdoma), Manuel Mella (Catedrático Universidad Complutense), Enrique Varela Álvarez (Profesor Universidad de Vigo), Alberto Vaquero García (Universidad de Vigo), Argimiro Rojo Salgado (Catedrático Universidad de Vigo), Oscar García (Profesor Universidad de Vigo), José Luis Legido (Universidad de Vigo), Luis Barrio Murga (Universidad de Vigo), Miguel Ángel Miras Calvo (Doctor en Matemáticas), Manuel Burgos Tomil (Profesor Universidad de Vigo), Jacobo Izquierdo (Profesor Universidad de Vigo), Jaime Aneiros Pereira (Universidad de Vigo), Emilio Rey (Universidad de Vigo), Serafín Villanueva Bembibre (Profesor Filosofía), Enrique Vila Abad (Director UNED A Coruña),
Empresarios e Instituciones empresariales: José Costas García (Presidente de la Cámara de Comercio de Vigo), José Manuel Fernández Alvariño (Presidente de la Confederación de Empresarios de Pontevedra), Juan Ramón Güel (Presidente del Club Financiero de Vigo), Javier Centeno (Gerente de AJE), Pilar Blanco Tuimil (Presidenta AJE Vigo), José Ángel Blanco Núñez (Gerente de Compostela Monumental), Encarna Álvarez García (Presidenta de la Federación de Comerciantes de Vigo), Antonio Reguera Repiso (Presidente de la Federación Provincial de Comercio), José Martínez Torea (Ex Presidente Autoridad Portuaria), José Antonio Lama Moure (Director Academia Postal), Antón Piñeiro (Presidente de la AD Seis do Nadal, Julio Fernández Gayoso (Presidente Caixanova), Pablo Comesaña Vázquez (Director Adjunto de Astilleros M. Cies), Daniel Fernández – Alvariño Ferro (Director Gerente Salfer), Carmen Caffael (Directora de RTVE), Juan Antonio González (Autoescuelas San Benito), Asociación de Empresarios da Pasaxe (Gondomar), ACHEGO – Asociación de Comerciantes y Empresarios de Gondomar, José María Delgado (Director Gerente de PROSOLIA), Candido Cabaleiro Lorenzo (Alquipos), Rosa Rodríguez Fundin (Comunidad de Empresarios del Polígono de Miraflores Sárdoma), etc.
Cultura: Alfonso Zulueta de Haz (Presidente del Consello da Cultura Gallera), Antonio Montero Carro (Gerente del Consello da Cultura Galega), Lalo Vázque Gil (Cronista Oficial de Vigo), José Mª Seijas López (Presidente de la Federación Gallega de Comercio), Alberto Zambade (Escrito Arganda del Rey), Xavier Illa Couto (Presidente del Instituto Galego de Estudio comunitarios), Jesús Calabuig (Pintor), Damian Villalaín (Director de la Fundación Carlos Casares), Victor Freixanes (Escritor),
Iglesia y otras Istituciones: Julian Barrio Barrio (Arzobispo de Santiago de Compostela), Enrique Múgica Herzog (Defensor del Pueblo de España), José Ramón Vázquez Sánchez (Valedor do Pobo), Luis Espada Recarey (Valedor do Ciudadán),
Periodistas: Julia Donis Cerezo (TVE), Carmen Domínguez Simona, Alfredo Goberna, Diego Vázquez, Jorge Lamas, Juan Villar, Benigno de la Torre, Lino Blanco, Antonio Estévez, Eugenio Eiroa, Alejandro López Casal, Miguel Ángel Rodríguez, Alberto Ovenza, Antonio Saborido, Miguel Esqueira,
Sindicatos: Olga Alonso Suárez (UGT), Cristina Fojo Campos (Secretaria Mujer CIG), Elena Rodríguez (Secretaria Mujer CCOO), Santos Héctor Rodríguez (UGT), Xerardo Abraldes (CIG), Joel Vázquez Alcántara (CCOO), Suso Seixo (Secretario General CIG), Xan María Castro (Secretario General de CCOO Galicia), Xesús Mosquera (Secretario General UGT Galicia), Julio Ruiz Ruiz (Secretario Confederal de Migraciones CCOO), Carmen Nodar Sanmartin (Responsable del Área de Migraciones de UGT), Manuel Mera (Secretario Confederal de Formación Sindical y Migración de CIG), Teresa Vázquez Arias (Secretaria General de CGT Galicia), Xaime López Golpe (Secretario de Acción Sindical CCOO), José Antonio Gómez Goméz (Secretario General UGT Galicia), Joaquin Rodríguez García (Secretario Acción sindical UGT), Xosé Cameselle Romero (Secretario General Unión Comarcal CCOO Vigo), Emilio Bahmondo López (Secretario General Transportes UGT), Xavier Aboi Pérez (Secretario Sectorial do Mar CIG), José Manuel Fernández Pérez (Secretario General CCOO Vigo)
Asociacionismos: Elena González (Presidenta de la Federación Eduardo Chao, Antonio García (Presidente de AHIGE – Canarias), Mar Asunción (WWF/ADENA), Xosé Veiras García (ADEGA), José Luis García Lorenzo (Greenpeace España), Liliana Spendeler (Amigos de la Tierra España), Eleuterio García (Delegado Atletismo), Antonio Iglesias (Presidente del a Federación Gallega de Motonáutica), Asociación Vecinal O Carballo Sárdoma, Asociación de Propietarios de la Carballa, Asociación de Vecinos de Teis, Asociación de Vecinos Camiño Vello de Coia, Asociación de Vecinos de Lavadores, Asociación de Vecinos del Calvario, Sociedad Cultural Helios de Bembrive, Asociación Fonte do Galo, Asociación Veciñal Casco Vello, Asociación de Vecinos de Beade, Asociación de Vecinos Val do Fragoso, Pedro Mezquida (Secretario General de ASNEPA), Asociación de Vecinos Santa Lucia de la Salgueria, Asociación de Afectados de Matamá, Colectivos de Afectados de Lavadores, Asociación Liñeiriños Cabral, Asociación de Afectados de Ameixeira Alcabre, Asociación Alternativa Veciñal, Colectivos de Afectados de Samil – Navia, Colectivos de Afectados de Teis, Asociación de Afectados de Sárdoma, Pedro Gómez Valadés (Presidente de la Asociación Galega de Amizade con Israel), Adenco, Ecologistas en Acción, Raúl Vila Caride (Presidente de Xestas), Elva Riveiro (Presidente de Lúa), Carmen Avendaño Otero (Presidenta de la Fundación Írguete),
Arquitectos: Miguel Font Rosell, Carlos Ardid
Deporte: Manuel Parcero (Delegado Federación de Fútbol), Fernando Iglesias (Delegado Colegio de Árbitros), Daniel Costas Fernández (ASDEBAV), Francisco José González (Delegado Provincial Deportes), Felipe Buceta Fernández (Coordinador Deportes en Edad Escolar), José Ángel Otero Lamas (Dto.. Técnico IMD), Chano Rodríguez (Deportista),
Salud: Carlos Ponte Mittelbrunn (Médico y Presidente de la Federación de Asociaciones de defensa de la sanidad pública), Víctor Aznar Marcén (Presidente de Satse), Miguel Mosquera Claro (Médico), Ignacio Sáenz Consculluela (Presidente de PEACRAM),
Colegios: Concepción Martínez (Directora del CEE Saladino Cortizo), Arcadio Rodríguez (CEIP Escultor Acuña), José Manuel Piñeiro (Profesor), Manuel Ovidio González (CEIP Sárdoma Moledo), Cesar Blanco (Academia Postal), Juan Francisco Centrón (Director del CEIP Mosteiro Bembrive), Luis Barbosa Fernández (Director CEIP Chans Bembrive),
Otros: Miguel Anxo Rodríguez (Abogado), Francisco Crusat (Abogado), Antón Carreira (Abogado), Oscar Martínez (Abogado), Francisco Ferreira, Alberto Monedero, Manolo Porto, Santiago Rial (Corujo), Fernando Aira Enríquez (Veterinario), Juan Carlos Paz (Abogado), Xaviero Pérez Tizón (Ingeniero), etc.
¿CÓMO ESTÁ LA DIFUSIÓN EN GALICIA?
Los medios de comunicación que más han crecido en Galicia, en el período 2006/2007, han sido: La Voz de Galicia en prensa diaria y El Foro Metropolitano de Vigo en periódicos mensuales.
La Voz de Galicia. La difusión del pasado mes de mayo fue de 104.933 periódicos diarios, lo que supone un incremento del 4,04%.
El Foro Metropolitano. La difusión mensual es de 50.000 ejemplares. Tiene varios suplementos: El Foro del Val Miñor, Revista El Gran Vigo, El Foro Metropolitano de Vigo-Pontevedra,...Y los periódico digitales: elforodigital,com, elgranvigo.net, vicusmetropolis.com, infojoven.net, .... Los buenos resultados de difusión de La Voz de Galicia y El Foro Metropolitano de Vigo contrastan con la tendencia negativa de la mayor parte de la prensa impresa.
La Voz, junto con La Nueva España y El Foro Metropolitano, encabeza el crecimiento de la difusión en el grupo de los diarios que no se editan ni en Madrid ni en Barcelona. En el ámbito gallego, refiriéndose a datos acumulados de enero a mayo del 2007 en comparación al mismo período del 2006,Faro de Vigo, segundo diario en difusión en Galicia, cae un 3,5% y se queda en 40.021 ejemplares. El Atlántico Diario no aparece ni en el grupo de los de 2.000. La Opinión baja un 2,6%, y vende 6.144 periódicos. También es negativo el resultado de El Progreso, con un 1,5% menos. Las cabeceras gallegas de los periódicos de venta difunden en conjunto 83.973 ejemplares, 19.306 menos que La Voz.
RÉCORD EN INTERNET
También la edición digital de La Voz de Galicia marcó un nuevo récord de audiencia en el mes de mayo, junto con http://www.elforodigital.com/, segundo periódico digital más visitado de Galicia según Mediatico.com
ENCUESTA OCTUBRE 2005
Perfil del lector habitual de prensa: El Foro Metropolitano
Muestra: 1500 personas | 500 Vigo y Zona de influencia | 500 resto provincia de Pontevedra | 500 resto Galicia
Nivel de estudios
21% (sin estudios); 49% (básicos); 84% (secundarios); 83%(universitarios)
Nivel económico
31% (medio bajo); 84% (medio); 67% (medio alto); 8% (alto)
Por sexo
49% mujeres; 51% hombres
Tiempo dedicado a la lectura de la prensa
29% (10 min.); 36% (15/30 min.); 21% (30/45 min.); 16% (60 min.); 5% (más de 60 min.).
¿Cómo considera a El Foro Metropolitano?
Buena información: 90%
Independiente: 87%
Veraz: 93%
Objetivo: 92%
¿Qué destaca de El Foro Metropolitano? (Valoración de 0 a 9)
Información veraz e independiente 9
Información de Vigo 8
Información de Pontevedra 8
Información de Galicia 7
Información de España 6
Foros y opinión 9
Diseño 6
Fotografía 6
Calidad de impresión 9
Publicidad 7
Suplementos 7
ENCUESTA ENERO 2007 DE MEDIATICO (directorio de periódicos de todo el mundo) sobre www.elforodigital.com
www.elforodigital.com
Incremento mensual de visitas: 42,58%
24 de Enero: 20.710 visitas (según la medición de MEDIATICO.COM)
En el pasado mes de Enero el periódico digital www.elforodigital.com registró un incremento de visitas del 42,58 % sobre el mes de diciembre, y del 81,11% en relación con el mismo mes del año anterior.
En Enero de 2007 se superaron por primera vez las 20.000 visitas/día, siendo el 25 de Enero el día en que se registraron más visitas, 20.711.
ALGUNOS NÚMEROS DEL PERIÓDICO EL FORO METROPOLITANO EN PDF.
Abril 2008
Marzo 2008
Julio 2004
Agosto 2004
Diciembre 2004
INFORMACIÓN RECOGIDA EN PRENSA DE DISTRIBUCIÓN GARTUITA Y EN WIKIPEDIA
El Foro Metropolitano de Vigo, periódico gratuito y bilingüe, nace en Vigo en 1990 con el nombre de O Foro da Portela. Decano europeo de la prensa de distribución gratuita tiene como segunda a la revista Coia Información (en la actualidad revista El Gran Vigo) nacida en esta misma ciudad en 1991. El honor de ser la tercera publicación lo ostenta el Minidiario que apareció por primera vez en Valencia en 1992. Tres años después(1995) salió a la luz Metro, un periódico sueco, y la siguiente empresa en lanzar al mercado un periódico gratuito fue la noruega Schibested, que en 1999 publicó desde Zúrich el periódico 20 Minutos.
Fue Estados Unidos el país pionero en prensa gratuita, con la publicación, en la década de 1940, del primero de estos periódicos, que actualmente se denomina Contra Costa Times. En los años 70 surgieron algunas publicaciones gratuitas más, aunque este tipo de prensa no empezó a ser popular en Norteamérica hasta la década siguiente.
Como hemos dicho antes Europa se incorporó a esta corriente con mucho retraso y fue España el país que dio el primer paso, en 1990.
jueves 24 de abril de 2008
ACTIVIDADES PARALELAS
Este viernes, la música tradicional gallega entra en el MARCO de la mano del gaiteiro Evaristo Alejos ‘Alex’ y de Luis Correa ‘O Caruncho’ (zanfoña y percusión)
Viernes 25 abril, a las 20.00
GAITEIRO Y ZANFOÑA, con Evaristo Alejos ‘Alex’ (gaita) y Luis Correa ‘O Caruncho’ (zanfoña y percusión)
Lugar: invernadero del artista Peter Coffin, en las salas de exposición de la 1ª planta
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
Evaristo Alejos Magallanes ‘Alex’ empezó a interesarse por el instrumento de la gaita gallega en el año 1988 a través de Manuel Solla, componente del histórico grupo “Os Cruceiros”. En 1994 es miembro fundador de la banda de gaitas “Nevoeira” del Círculo Cultural de Candeán, dirigida por Ernesto Campos. En ese tiempo, participa como gaiteiro de la rondalla del mismo centro consiguiendo varios premios en los concursos de rondallas de la ciudad de Vigo. Gaiteiro del grupo “Lembranzas galegas” (2002), de los grupos tradicionales “Os Folieiros de Lavadores” y “Os Tunantes”, y miembro fundador del grupo de música tradicional “Os Crótalos”, actualmente imparte clases de gaita y percusión en varios centros culturales de Vigo y alrededores, y colabora como músico en la representación de la Festa da Reconquista y Os Maios de Vigo.
Luis Correa ‘O Caruncho’ se inicia en el aprendizaje de la gaita gallega en 1989, de la mano de Maximino Souto Vaqueiro. Fue fundador de los grupos “Millaradas” y “Os Carunchos”, y con estos últimos grabó los discos ‘Ala que vai’ (1998), ‘Sen tempo non era’ (2002) y ‘Montealegre’ (2005). Participa en la recuperación activa de la regueifa gallega haciendo espectáculos en directo, y fundamentalmente talleres en centros de enseñanza. En 1997 se interesa por la zanfoña y aprende a tocar asesorado por Xosé Manuel Fernández y Mª Xosé López, miembros del grupo “Músicas”, impartiendo actualmente clases de este instrumento. Participa en varios proyectos didácticos para escolares por toda Galicia. Colabora con los grupos “Os Folieiros de Lavadores” y “Zurrumalla”, y hoy en día es miembro fundador de una nueva propuesta tradicional, “Os Crótalos”. En la actualidad está inmerso en la elaboración del cuarto disco de “Os Carunchos”, trabajo que compagina con la impartición de aulas de música y canto tradicional.
lunes 21 de abril de 2008
Ocho artistas importantes de la pintura contemporánea española
Hoy queremos mencionar ocho artistas importantes de la pintura contemporánea española, indicando algunos de sus rasgos:
1. María G. Blanchard ( 1881-1932): pintora nacida en Santander e instalada en París desde 1908, donde se vinculó al Cubismo, influida especialmente por su amigo Juan Gris. Más tarde evoluciona hacia un figurativismo, con personajes melancólicos y tiernos, generalmente niños. Su estilo se caracteriza por un uso expresivo del color y por el empleo de capas densas de materia. Ejemplo: "La comulgante".
Cubismo: movimiento de vanguardia artística desarrollado entre 1907 y 1914, debido a Picasso y Braque, que fragmentan las figuras en múltiples planos, rompiendo con la perspectiva tradicional. Se despreocupan del tema y del color. Están influidos por Cezanne y las esculturas primitivas y africanas.
2. José Gutiérrez Solana (1886-1945): pintor y escritor madrileño ligado a la Generación del 98. Su personal estilo expresionista se inspira en los pintores del Siglo de Oro y en Goya. Atraído por la España negra, representa carnavales, máscaras, escenas taurinas con enorme carga crítica y humor cruel. Sus personajes son humildes y atormentados. Es también retratista (Tertulia del Café Pombo).
3. Joan Miró, (1893-1983): Aunque nacido en Barcelona en 1893, la vida y la trayectoria artísticas de Joan Miró están vinculadas desde su infancia a las tierras de Tarragona -primero Cornudella, de donde era su padre, y después Mont-roig- y Mallorca, de donde procedian su madre. A los dieciocho años decide dedicarse a la pintura en un ambiente dominado por las últimas tendencias artísticas francesas, que pudo ver en directo en las exposiciones cubista y fauve de la Galería Dalmau de 1912.
4. Salvador Dalí (1904-1989): pintor catalán del Surrealismo. Pertenece a la tendencia objetiva o figurativa. Con un dibujo academicista y de gran exactitud, da realidad a sus delirios y obsesiones en sus telas, aplicando el método paranoico-crítico de su invención. Expulsado del grupo surrealista por su actitud megalómana y su excesivo amor al dinero, evoluciona hacia el conservadurismo. Obras: "La persistencia de la memoria", "El gran masturbador", "La Madonna de Port Lligat", "El Cristo".
Surrealismo: movimiento de vanguardia artística creado en 1924 por André Breton. Los pintores surrealistas, inspirándose en Freud, tratan de representar el subconsciente, el mundo de los sueños. Hay dos tendencias: la objetiva o figurativa (Dalí, Ernst) y la antiobjetiva o poética (Miró).
5. Antoni Tàpies nace en Barcelona en 1923, en una familia burguesa, culta y catalanista, involucrada desde mediados del siglo XIX en una tradición editorial y librera que despierta muy pronto en el artista un amor por los libros y la lectura.
Esta predisposición se ve acentuada por la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar, durante la cual inicia sus tanteos artísticos. Progresivamente Tàpies se dedica con mayor intensidad al dibujo y la pintura, y acaba dejando sus estudios de Derecho para dedicarse plenamente a su pasión. En la década de los cuarenta ya expone sus obras, que destacan en la panorámica artística del momento.
6. Manuel Millares (1926-1972): pintor canario perteneciente al Informalismo. En 1957 participa en la creación del grupo El Paso en Madrid, junto a Saura. Influido por la cultura guanche, usa materiales pobres, como arpilleras, con las que construye sus Homúnculos, cuerpos trágicos y desgarrados, densos, en tres colores (blanco, negro y rojo), con los que expresa su critica a la dictadura franquista.
7. Antonio López nació en Tomelloso, un importante núcleo rural de La Mancha, en la España interior, en 1936, pocos meses antes del comienzo de la Guerra Civil. Primogénito de cuatro hermanos, sus padres eran labradores más o menos acomodados. El destino natural del joven Antonio hubiera sido continuar esa tradición, pero su temprana facilidad para el dibujo llamó la atención de su tío Antonio López Torres, un pintor local de paisajes que le dio sus primeras lecciones. Gracias a él, obtuvo apoyo familiar para dedicarse a la pintura, y, con apenas trece años, se instala en Madrid para preparar el ingreso en la Escuela de Bellas Artes.
8. Diego de Giráldez nació en A Cañiza (Pontevedra), em 1956. Desde muy temprana edad comienza a interesarse por el dibujo y la escultura, exponiendo desde 1975. En la década del 76 al 86 realiza más de cien exposiciones entre las que se encuentran las realizadas en Vigo, Pontevedra, Gerona, León, Barcelona, Madrid, Cádiz, Salamanca, París y en diversas e importantes ciudades de Portugal, Suiza,...
Su obra se encuentra en infinidad de Museos, entre otros:
Museos de Artes Contemporáneas - El Cairo (Egipto), Toledo,...,
Museos de Bellas Artes -Santander, La Coruña, Murcia,...,
Museos Provinciales - Lugo, Pontevedra, Ciudad Real, Guadalajara, Cáceres, Badajoz, Menorca, Melilla,...,
Museos Diocesanos, Museos Municipales, Museos Específicos, Museos Portugueses, Museos de otras partes del mundo de la importancia del : Vaticano, etc….,....
1. María G. Blanchard ( 1881-1932): pintora nacida en Santander e instalada en París desde 1908, donde se vinculó al Cubismo, influida especialmente por su amigo Juan Gris. Más tarde evoluciona hacia un figurativismo, con personajes melancólicos y tiernos, generalmente niños. Su estilo se caracteriza por un uso expresivo del color y por el empleo de capas densas de materia. Ejemplo: "La comulgante".
Cubismo: movimiento de vanguardia artística desarrollado entre 1907 y 1914, debido a Picasso y Braque, que fragmentan las figuras en múltiples planos, rompiendo con la perspectiva tradicional. Se despreocupan del tema y del color. Están influidos por Cezanne y las esculturas primitivas y africanas.
2. José Gutiérrez Solana (1886-1945): pintor y escritor madrileño ligado a la Generación del 98. Su personal estilo expresionista se inspira en los pintores del Siglo de Oro y en Goya. Atraído por la España negra, representa carnavales, máscaras, escenas taurinas con enorme carga crítica y humor cruel. Sus personajes son humildes y atormentados. Es también retratista (Tertulia del Café Pombo).
3. Joan Miró, (1893-1983): Aunque nacido en Barcelona en 1893, la vida y la trayectoria artísticas de Joan Miró están vinculadas desde su infancia a las tierras de Tarragona -primero Cornudella, de donde era su padre, y después Mont-roig- y Mallorca, de donde procedian su madre. A los dieciocho años decide dedicarse a la pintura en un ambiente dominado por las últimas tendencias artísticas francesas, que pudo ver en directo en las exposiciones cubista y fauve de la Galería Dalmau de 1912.
4. Salvador Dalí (1904-1989): pintor catalán del Surrealismo. Pertenece a la tendencia objetiva o figurativa. Con un dibujo academicista y de gran exactitud, da realidad a sus delirios y obsesiones en sus telas, aplicando el método paranoico-crítico de su invención. Expulsado del grupo surrealista por su actitud megalómana y su excesivo amor al dinero, evoluciona hacia el conservadurismo. Obras: "La persistencia de la memoria", "El gran masturbador", "La Madonna de Port Lligat", "El Cristo".
Surrealismo: movimiento de vanguardia artística creado en 1924 por André Breton. Los pintores surrealistas, inspirándose en Freud, tratan de representar el subconsciente, el mundo de los sueños. Hay dos tendencias: la objetiva o figurativa (Dalí, Ernst) y la antiobjetiva o poética (Miró).
5. Antoni Tàpies nace en Barcelona en 1923, en una familia burguesa, culta y catalanista, involucrada desde mediados del siglo XIX en una tradición editorial y librera que despierta muy pronto en el artista un amor por los libros y la lectura.
Esta predisposición se ve acentuada por la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar, durante la cual inicia sus tanteos artísticos. Progresivamente Tàpies se dedica con mayor intensidad al dibujo y la pintura, y acaba dejando sus estudios de Derecho para dedicarse plenamente a su pasión. En la década de los cuarenta ya expone sus obras, que destacan en la panorámica artística del momento.
6. Manuel Millares (1926-1972): pintor canario perteneciente al Informalismo. En 1957 participa en la creación del grupo El Paso en Madrid, junto a Saura. Influido por la cultura guanche, usa materiales pobres, como arpilleras, con las que construye sus Homúnculos, cuerpos trágicos y desgarrados, densos, en tres colores (blanco, negro y rojo), con los que expresa su critica a la dictadura franquista.
7. Antonio López nació en Tomelloso, un importante núcleo rural de La Mancha, en la España interior, en 1936, pocos meses antes del comienzo de la Guerra Civil. Primogénito de cuatro hermanos, sus padres eran labradores más o menos acomodados. El destino natural del joven Antonio hubiera sido continuar esa tradición, pero su temprana facilidad para el dibujo llamó la atención de su tío Antonio López Torres, un pintor local de paisajes que le dio sus primeras lecciones. Gracias a él, obtuvo apoyo familiar para dedicarse a la pintura, y, con apenas trece años, se instala en Madrid para preparar el ingreso en la Escuela de Bellas Artes.
8. Diego de Giráldez nació en A Cañiza (Pontevedra), em 1956. Desde muy temprana edad comienza a interesarse por el dibujo y la escultura, exponiendo desde 1975. En la década del 76 al 86 realiza más de cien exposiciones entre las que se encuentran las realizadas en Vigo, Pontevedra, Gerona, León, Barcelona, Madrid, Cádiz, Salamanca, París y en diversas e importantes ciudades de Portugal, Suiza,...
Su obra se encuentra en infinidad de Museos, entre otros:
Museos de Artes Contemporáneas - El Cairo (Egipto), Toledo,...,
Museos de Bellas Artes -Santander, La Coruña, Murcia,...,
Museos Provinciales - Lugo, Pontevedra, Ciudad Real, Guadalajara, Cáceres, Badajoz, Menorca, Melilla,...,
Museos Diocesanos, Museos Municipales, Museos Específicos, Museos Portugueses, Museos de otras partes del mundo de la importancia del : Vaticano, etc….,....
Velázquez: Una de los nombres propios del arte
Diego Rodríguez de Silva y VelázquezDiego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 6 de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660) fue uno de los mayores exponentes de la pintura española, ya no sólo en su período barroco, sino a lo largo de toda su historia. De hecho, Velázquez está actualmente considerado como uno de los mayores pintores de la historia.
Primeros años
Diego nació en la andaluza ciudad de Sevilla y fue bautizado en la Iglesia de San Pedro (hoy existe una placa en el lugar que conmemora el acontecimiento). De madre con orígenes sevillanos y quizá hidalgos, y de padre con orígenes portugueses, su talento afloró a edad muy temprana. A los once años comienza un duro aprendizaje en el taller de Francisco de Herrera el Viejo, un conocido pintor en la Sevilla del siglo XVII. Debido a desavenencias entre tutor y discípulo, éste decidió marcharse al año, pasando a las manos de Francisco Pacheco, pintor de estilo manierista, autor del tratado El arte de la pintura (1649). Transcurrirían siete años (1617) hasta que un joven Velázquez, con dieciocho años cumplidos, se instalase como pintor independiente, tras examinarse en el gremio de pintores de su ciudad natal.
Pacheco ejerció gran influencia sobre Velázquez, ya no sólo pictórica, como es de esperar de un aprendizaje, sino, en mayor grado, cultural y literaria, hecho que no se entiende sin saber que el maestro Pacheco era un gran conocedor, como buen hombre erudito de su época, de la literatura clásica. Sus numerosos contactos e influencias fueron vitales para lograr el ascenso del pintor a la corte española.
Inicio de su actividad como pintor
Dos años más tarde de su reconocimiento como pintor, Velázquez decide casarse (1618) con la hija de su mentor, con quien tendría dos hijas. En consecuencia, a los diecinueve años, Velázquez ya era un pintor independiente y casado que se dedicaría, en los seis años siguientes (1618–1623) a elaborar encargos religiosos y escenas de corte costumbrista, desarrollando la técnica del claroscuro, influido principalmente por el naturalismo de Caravaggio. La obra clave de esta época es El aguador de Sevilla (1620), en la que el claroscuro intencionado por el autor se muestra con una maestría excepcional. También es de destacar, dentro de esta época, La comida (1619), de un marcado acento naturalista.
Durante esta etapa de su vida, llevó a cabo una incesante vida sociocultural en Sevilla, participando de círculos culturales como, por ejemplo, el Círculo de las Artes, que, casualmente, estaba presidido, no de una manera rígida, sino más bien informal, por Pacheco, su maestro y suegro. También consiguió hacerse un sitio como pintor en la vida sevillana, dado el éxito de sus primeras obras, por lo que no tardaría en hacerse con un discípulo, Diego de Melgar, del que no se sabe mucho.
A consecuencia del cambio de reinado que había tenido lugar por aquellas fechas, en el que Felipe IV sucede a su padre, Felipe III, toda la corte real, que durante el reinado de Felipe III había estado inundada de nobles castellanos, cambia de fisonomía, surgiendo como principal figura real el Conde-Duque de Olivares, don Gaspar de Guzmán. Éste, oriundo de Andalucía, abogó por que la corte estuviera integrada mayoritariamente de andaluces. Considerando Diego de Velázquez que ésta podría ser una oportunidad idónea para conseguir un puesto de pintor en la corte real madrileña, viajó a Madrid, de donde, tras una primera tentativa, regresó con las manos vacías. En este viaje conoció a Luis de Góngora, de quien haría el retrato años más tarde. Corría el año 1622.
Pintor de la Corte
Pacheco, su mentor y suegro, quería a toda costa que Velázquez subiera de escalón y alcanzara el puesto de Pintor del Rey, pues sabía que esto supondría la madurez en la rica vida artística de su discípulo. Esto haría que, en 1623, con la intercesión de Juan de Fonseca, uno de los andaluces en la corte de Felipe IV, Pacheco lograra del Conde-Duque de Olivares una orden de presentación en Madrid para que Velázquez pintase al monarca. No cabe duda de que el retrato de Velázquez fue magistral, pues constituyó el aval que le aseguró la tan ansiada presencia indefinida en la corte real. Tras unas semanas de acomodación, trae a su mujer y a su hija (la otra había muerto un año antes), así como al servicio, a vivir a la capital, en una casa de la calle Concepción Jerónima.
Tras cuatro años, Felipe IV le nombra Ujier de Cámara, por lo que recibiría una mayor asignación.
Encuentro con Rubens y viaje a Italia
Pero todavía estaría por llegar el hecho que marcó para siempre la vida artística del genial pintor: en 1628, Peter Paul Rubens, pintor de la escuela flamenca, visita Madrid y, de la mano de Velázquez, visita el monasterio de El Escorial y accede a la pinacoteca real y al conocimiento de los grandes pintores renacentistas italianos, especialmente Tiziano, que fue uno de los pintores favoritos de Carlos I y que tanta influencia ejerció en la pintura de Velázquez. Para continuar su formación, Rubens aconseja a Velázquez que visite Italia, que no se centre únicamente en el influjo español, y que indague en la pictórica renacentista, para poder dar un giro completo a su carrera. Quizás fuera también Rubens quien le aconsejara sobre la ejecución de Los Borrachos, obra que marcó un cambio de rumbo en la vida artística de Velázquez. Otras teorías afirman que también fue él quien intercedió ante el rey para que permitiera a Diego su viaje a Italia.
Partió del Puerto de Barcelona con un buen salario en sus bolsillos, acumulando su sueldo de los dos años siguientes a su partida, el 10 de agosto de 1629. Esto marcaría un antes y un después en la vida artística del pintor, pues no se concebía, en pleno siglo XVII, que un pintor no acudiera a Italia como parte de su formación. Llegó a Génova el 23 de agosto de 1629, desde donde empezó una gira por los principales estados italianos, hasta llegar a Roma, donde se alojaría, en un principio, en el Palacio Vaticano, bajo la protección del Cardenal Barberini, aunque, posteriormente quiso trasladarse a Villa Médicis, en una de las colinas romanas, desde donde tenía unas vistas maravillosas y donde pintaría sus famosas Vistas de la Villa Medicis, considerados los dos primeros ejemplos de pintura au plein air que no alcanzó su máximo desarrollo hasta el período del Impresionismo. En uno de ellos, puede verse una copia de La Ariadna dormida, que se conserva en el Museo del Prado, adquirida posteriormente por el propio pintor. Allí entró en contacto directo con la teoría y la práctica del arte italiano de su tiempo y de su esplendoroso pasado. Y así, pudo medir su conocimiento anatómico, piedra de toque de todo gran artista, realizando obras como La fragua de Vulcano. Seguramente bajo la influencia del clasicismo temprano, con referencias a la estatuaria clásica, y un recuerdo a Guercino. O realizando La túnica de José, con mención a Guido Reni. Tras caer enfermo, decidió marcharse de Roma para ir a Nápoles. Allí conoció a personalidades como la reina de Hungría María Ana de España, a quien retrató (1630), o al gran estandarte de la pintura española en Italia, José de Ribera.
Con el retrato de María de Austria culmina una etapa artística (1623-1631) que estaría marcada por la sencillez y la elegancia en su pintura.
Regreso a España
En 1631, en su regreso a España, recibe el encargo de retratar al príncipe Baltasar Carlos, que había nacido durante su estancia en el extranjero. Quizás sea este encargo el que haga al mundo artístico ver el cambio que había experimentado la pintura de Velázquez, que ya no es tenebrista, ni influida como anteriormente: se iluminan los ambientes, se llenan de modernidad las figuras y las escenas, y la libertad artística se hace más patente que nunca. El color se aviva, renace y surge intenso.
Algunas obras de esta etapa son los numerosos retratos ecuestres para el Palacio del Buen Retiro, así como otra de sus obras cumbres, Las lanzas (o La rendición de Breda) (1635). Para la Torre de Parada efectuó retratos de caza, como el del infante Fernando o el del príncipe Baltasar Carlos. También encontramos otros retratos de esta etapa como el de Felipe IV, en castaño y plata, o el de Isabel de Francia, la reina consorte.
En 1633 se casa la hija de Velázquez, de nombre Francisca, con Juan Bautista Martínez del Mazo, pintor también. Un año después, su suegro le cedería su puesto de ujier de cámara, para asegurar el futuro económico de su hija. Velázquez ocupará durante nueve años, tras su cesión, el puesto de Ayudante de Cámara, que supone los favores reales, dado que se convierte en una de las personas más próximas al monarca. Por otra parte, tras este nombramiento, se suceden una serie de desgracias en la corte y en las proximidades del monarca: caída del poder del valido del rey, el Conde-Duque de Olivares (que había sido protector suyo), la muerte de la reina Isabel en 1644, la muerte de su suegro y maestro Francisco Pacheco, el 27 de noviembre de ese mismo año, y la defunción del príncipe Baltasar Carlos, a los 17 años de edad.
Segundo viaje a Italia
Tras todos estos sucesos, Velázquez, consternado, decide irse en 1648, por segunda vez, a Italia, ya no como aprendiz, sino como embajador y artista español, ya que llevaba entre sus manos misiones oficiales también, y también por motivos personales, buscando el reconocimiento social que en Italia, desde el Renacimiento, los artistas habían conquistado, el cual en España se les negaba. Tras salir de Málaga, llega a Génova el 21 de enero de 1649. Otra vez realiza un recorrido por los principales estados italianos, aunque en dos etapas: la primera, que llega hasta Venecia, donde adquiere obras de Veronés y Tintoretto para el monarca español; y la segunda, que llega hasta Roma, tras pasar por Nápoles, donde se reencuentra con Ribera. En Roma retrata al pontífice Inocencio X, obra en la que, utilizando como medio el contraste de luces, consigue llenar de expresividad todo el cuadro. Hay teorías que adjudican la famosa Venus del Espejo a esta etapa en Italia. Ciertos autores creen que es el retrato de su amante, y madre de un hijo ilegítimo del pintor. El tema de la Venus ya había sido tratado en multitud de versiones por dos de los maestros que más influencia tuvieron en la pintura velazqueña: Tiziano y Rubens. La Venus de Velázquez aporta al género una nueva variante: la diosa se encuentra de espaldas y muestra su rostro al espectador en un espejo.
Se puede observar que, desde que Velázquez desembarcara en Génova, y tal como le ocurriera en su primer viaje, vuelve a transformar su estilo pictórico, dotándole de la luz que tanta ausencia había tenido, mediante la cual exagera la perspectiva y llega a conseguir la perspectiva aérea. Estas transformaciones estarían vigentes hasta el fin de sus días.
Segundo regreso a España y su muerte
Velázquez regresó a España en 1651, dos años después de su partida. Tras su regreso, Felipe IV lo nombra Aposentador Real, cargo que le quita gran cantidad de tiempo para desarrollar su labor pictórica. No obstante, es en la etapa final de su pintura cuando alcanza su máximo desarrollo y Velázquez realiza sus dos obras maestras: La familia de Felipe IV o Las Meninas (1656) y La fábula de Aracné, conocida popularmente como Las Hilanderas.
Habiéndole sido concedida la Orden de Santiago, a la cual él tanto aspiraba, en 1659, murió en Madrid el 6 de agosto de 1660, tras haber padecido una larga enfermedad. Fue enterrado al día siguiente con todos los honores de la Orden de Santiago en la iglesia de San Juan Bautista. Su mujer, Juana Pacheco, murió siete días después.
Arte del Renacimiento
"Piedad" de Miguel ÁngelArte del Renacimiento
Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas.
El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica. Además este término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. El Renacimiento planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el antropocentrismo renacentista.
Desarrollo
Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento:
La primera tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado Quattrocento, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.
La segunda, afecta al siglo XVI, se denomina Cinquecento, y su dominio artístico queda referido al Alto Renacimiento, que se centra en el primer cuarto del siglo. Esta etapa desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica que conforma el Manierismo.
Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el Gótico en sus formas tardías, situación que se va a mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI.
En Italia el enfrentamiento y convivencia con la antigüedad clásica, considerada como un legado nacional, proporcionó una amplia base para una evolución estilística homogénea y de validez general. Por ello, allí, es posible su surgimiento y precede a todas las demás naciones.
Fuera de Italia la Antigüedad Clásica supondrá un caudal académico asimilable, y el desarrollo del Renacimiento dependerá constantemente de los impulsos marcados por Italia. Artistas importados desde Italia o formados allí, hacen el papel de verdaderos transmisores.
Los supuestos históricos que permitieron desarrollar el nuevo estilo se remontan al siglo XIV cuando, con el Humanismo, progresa un ideal individualista de la cultura y un profundo interés por la literatura clásica, que acabaría dirigiendo, forzosamente, la atención sobre los restos monumentales clásicos.
Italia en ese momento está integrada por una serie de estados entre los que destacan Venecia, Florencia, Milán, el Estado Pontificio y Nápoles.
La presión que se ejerce desde el exterior impidió que, como en otras naciones, se desarrollara la unión de los reinos o estados; sin embargo, sí se produjo el fortalecimiento de la conciencia cultural de los italianos.
Desde estos supuestos fueron las ciudades las que se convierten en centros de renovación artística.
En Florencia el desarrollo de una rica burguesía ayudará al despliegue de las fuerzas del Renacimiento, la ciudad se convierte en punto de partida del nuevo estilo, y surgen, bajo la protección de los Médicis, las primeras obras que desde aquí se van a extender al resto de Italia.
Camino de Santiago
Camino de Santiago
Itinerario de peregrinación que atraviesa el norte de España. A ella confluyen diversas rutas procedentes de Europa. El camino concluye en Santiago de Compostela, donde se cree que está la tumba del Apóstol Santiago. Desde la Edad Media el fluir de peregrinos fue enorme y se establecieron dos rutas desde Francia, que confluían en Puente de la Reina (Navarra). Desde allí, el camino pasaba por varias ciudades, casos de Logroño, Santo Domingo de la Calzada, Burgos, León, Sahagún, etc. Por el Camino se introdujeron en España elementos culturales europeos, entre ellos el arte románico y el gótico (Puente entre la España cristiana medieval y Europa). En torno al camino se construyeron puentes, hospitales, hospederías, iglesias, monasterios; se desarrollo la vida urbana, la moneda el comercio (ferias y mercados bajo protección de los reyes); se desarrollo una burguesía comercial, etc. Tuvo su apogeo durante los siglos XI, XII y XIII).
Itinerario de peregrinación que atraviesa el norte de España. A ella confluyen diversas rutas procedentes de Europa. El camino concluye en Santiago de Compostela, donde se cree que está la tumba del Apóstol Santiago. Desde la Edad Media el fluir de peregrinos fue enorme y se establecieron dos rutas desde Francia, que confluían en Puente de la Reina (Navarra). Desde allí, el camino pasaba por varias ciudades, casos de Logroño, Santo Domingo de la Calzada, Burgos, León, Sahagún, etc. Por el Camino se introdujeron en España elementos culturales europeos, entre ellos el arte románico y el gótico (Puente entre la España cristiana medieval y Europa). En torno al camino se construyeron puentes, hospitales, hospederías, iglesias, monasterios; se desarrollo la vida urbana, la moneda el comercio (ferias y mercados bajo protección de los reyes); se desarrollo una burguesía comercial, etc. Tuvo su apogeo durante los siglos XI, XII y XIII).
Modernismo
Modernismo
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernisme o Estil modernista (en Cataluña). Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con características distintivas.
Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que predominan la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.
En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte), gracias a las técnicas de producción masiva facilitadas por la revolución industrial. Por ello el modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. A menudo los artistas modernistas son artistas "integrales", pues no sólo diseñan edificios, sino los muebles y otros enseres de uso diario. Así pues muchos arquitectos modernistas son también diseñadores, pues sus creaciones no se limitan al edificio en sí, dado que también elaboran su decoración y los utensilios que ha de contener. Consecuentemente se dio en arquitectura, pintura, escultura y en las artes decorativas (muebles, lámparas, joyas, carteles, etc.).
Características
Las características que —en general— permiten reconocer al modernismo decorativo propiamente dicho son:
La inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. Una derivación de este estilo en la década de 1920 es el denominado Art decó por lo que a veces se le suele confundir con el modernismo.
Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación estrictamente realista de éstos.
Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.
Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo erótico en algunos casos.
La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas lejanas o antiguas.
La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del objeto a decorar. Esto se puede observar en la aplicación en el mobiliario, en arquitectura, en los afiches o posters promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora.
Historia
El modernismo tuvo su clímax entre los años 1892 y 1902. Se considera que las primeras pinturas modernistas se encuentran en el Castillo de Roquetaillade (Francia). Eugene Viollet-le-Duc restauró el castillo en la década de 1850 y aun cuando su ideal para el torreón del castillo era producir una recreación gótica, la imitación dio lugar a frescos que son ejemplos del un estilo germinal modernista, arguyéndose a la vista de sus movimientos orgánicos, los colores y la gracia de sus formas. La primera señal evidente del movimiento modernista se puede reconocer en la década de 1880 en un conjunto de diseños progresistas tales como el diseño para la tapa del libro publicado en 1883 del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo que hizo en referencia a las iglesias diseñadas por Sir Christopher Wren. Se puede aducir también la tendencia en algunos diseños de hierro forjado con formas flotantes libres, o algunas diseños textiles florales, la mayoría de los cuales poseían algún ímpetu derivado de los patrones del diseño victoriano.
La libertad vindicada en la década de 1890 por los artistas de las distintas secesiones ocurridas en las distintas ciudades europeas dio sustento ideológico y visibilidad pública al movimiento. Un punto destacado en la evolución del modernismo fue la Exposición Universal de París del 1900, en la cual el modernismo triunfó en cada medio expuesto. De todos modos se puede decir que alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín, Italia, donde los diseñadores exhibieron obras de todos los países europeos donde el modernismo floreció. El movimiento hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el amplio uso del hierro expuesto –aprovechándolo más allá de su función arquitectónica- así como el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular – vitraux- en arquitectura. Para el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista –que lo hacía caro de producir- comenzó a ser abandonado en favor del arte moderno que con sus trazos más simples y rectilíneos -y por lo tanto más barato- y estando más en armonía con la estética plana y tosca de los diseños industriales luego derivaría en el Art Decó.
Arquitectura modernista
El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla a caballo entre los siglos XIX y XX.
Este movimiento deja de lado las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc.. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo único característico del modernismo sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.
El modernismo arquitectónico como tal nace en Bélgica de la mano de Henry van de Velde y Victor Horta, allí se le dará el nombre de art nouveau. Henry Clemens van de Velde (1863-1957) es uno de los primeros modernistas. Construye la casa Bloemenwert , pero lo más interesante es el diseño de su decoración. Tiene influencias del expresionismo alemán, y son típicos sus tejados ondulados. Víctor Horta es el más puro de los modernistas y el más representativo. También son típicos sus tejados ondulados así como sus fachadas, que provocan un juego de luces y sombras muy decorativo que recuerdan al barroco. Descubre las posibilidades del hierro, en el que crea grandes forjas. Los elementos decorativos de su arquitectura se curvan asemejando la vegetación natural. Obra suya es la escalera de la calle Paul-Emile Janson en Bruselas y múltiples kioscos de hierro y bocas de metro lujosamente decoradas. También hizo el Hotel Solvay en Bruselas. Lo más característico de este edificio son sus interiores lujosamente decorados y muy recargados, con lámparas, papel pintado, vidrieras y vitraux, todo de diseño. Otras obras suyas son el Hotel Tassel, y la casa del Pueblo, el palacio de Bellas Artes, en Bruselas y el Gran Bazar de Fráncfort.
William Morris es otro de los grandes modernistas, de origen inglés. Su modernismo no cae en los excesos decorativos, es el más sobrio del movimiento, ya que se centra más en la implantación de la villa en la naturaleza (influencia del pintoresquismo inglés del siglo previo) y la valoración del espacio interior funcional. Sobre todo diseña muebles y pequeños utensilios cotidianos, y se le sitúa dentro del género en consonancia del arquitecto fránces Charles Voysey.
Otro británico es Charles Rennie Mackintosh que es otro de los más grandes arquitectos que influyó en el movimiento modernista. Sus planteamientos son originales y aportan nuevas soluciones a sus problemas arquitectónicos. Son características las formas prismáticas y octogonales. Mackintosh es el arquitecto modernista más sobrio en los exteriores, lo que le vale ser un precursor del racionalismo arquitectónico. Diseña muebles y joyas, y construye la Escuela de Arte de Glasgow .
Es Riga la ciudad con la mayor cantidad de edificios Art Nouveau de toda Europa
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernisme o Estil modernista (en Cataluña). Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con características distintivas.
Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que predominan la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.
En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte), gracias a las técnicas de producción masiva facilitadas por la revolución industrial. Por ello el modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. A menudo los artistas modernistas son artistas "integrales", pues no sólo diseñan edificios, sino los muebles y otros enseres de uso diario. Así pues muchos arquitectos modernistas son también diseñadores, pues sus creaciones no se limitan al edificio en sí, dado que también elaboran su decoración y los utensilios que ha de contener. Consecuentemente se dio en arquitectura, pintura, escultura y en las artes decorativas (muebles, lámparas, joyas, carteles, etc.).
Características
Las características que —en general— permiten reconocer al modernismo decorativo propiamente dicho son:
La inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. Una derivación de este estilo en la década de 1920 es el denominado Art decó por lo que a veces se le suele confundir con el modernismo.
Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación estrictamente realista de éstos.
Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.
Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo erótico en algunos casos.
La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas lejanas o antiguas.
La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del objeto a decorar. Esto se puede observar en la aplicación en el mobiliario, en arquitectura, en los afiches o posters promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora.
Historia
El modernismo tuvo su clímax entre los años 1892 y 1902. Se considera que las primeras pinturas modernistas se encuentran en el Castillo de Roquetaillade (Francia). Eugene Viollet-le-Duc restauró el castillo en la década de 1850 y aun cuando su ideal para el torreón del castillo era producir una recreación gótica, la imitación dio lugar a frescos que son ejemplos del un estilo germinal modernista, arguyéndose a la vista de sus movimientos orgánicos, los colores y la gracia de sus formas. La primera señal evidente del movimiento modernista se puede reconocer en la década de 1880 en un conjunto de diseños progresistas tales como el diseño para la tapa del libro publicado en 1883 del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo que hizo en referencia a las iglesias diseñadas por Sir Christopher Wren. Se puede aducir también la tendencia en algunos diseños de hierro forjado con formas flotantes libres, o algunas diseños textiles florales, la mayoría de los cuales poseían algún ímpetu derivado de los patrones del diseño victoriano.
La libertad vindicada en la década de 1890 por los artistas de las distintas secesiones ocurridas en las distintas ciudades europeas dio sustento ideológico y visibilidad pública al movimiento. Un punto destacado en la evolución del modernismo fue la Exposición Universal de París del 1900, en la cual el modernismo triunfó en cada medio expuesto. De todos modos se puede decir que alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín, Italia, donde los diseñadores exhibieron obras de todos los países europeos donde el modernismo floreció. El movimiento hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el amplio uso del hierro expuesto –aprovechándolo más allá de su función arquitectónica- así como el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular – vitraux- en arquitectura. Para el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista –que lo hacía caro de producir- comenzó a ser abandonado en favor del arte moderno que con sus trazos más simples y rectilíneos -y por lo tanto más barato- y estando más en armonía con la estética plana y tosca de los diseños industriales luego derivaría en el Art Decó.
Arquitectura modernista
El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla a caballo entre los siglos XIX y XX.
Este movimiento deja de lado las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc.. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo único característico del modernismo sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.
El modernismo arquitectónico como tal nace en Bélgica de la mano de Henry van de Velde y Victor Horta, allí se le dará el nombre de art nouveau. Henry Clemens van de Velde (1863-1957) es uno de los primeros modernistas. Construye la casa Bloemenwert , pero lo más interesante es el diseño de su decoración. Tiene influencias del expresionismo alemán, y son típicos sus tejados ondulados. Víctor Horta es el más puro de los modernistas y el más representativo. También son típicos sus tejados ondulados así como sus fachadas, que provocan un juego de luces y sombras muy decorativo que recuerdan al barroco. Descubre las posibilidades del hierro, en el que crea grandes forjas. Los elementos decorativos de su arquitectura se curvan asemejando la vegetación natural. Obra suya es la escalera de la calle Paul-Emile Janson en Bruselas y múltiples kioscos de hierro y bocas de metro lujosamente decoradas. También hizo el Hotel Solvay en Bruselas. Lo más característico de este edificio son sus interiores lujosamente decorados y muy recargados, con lámparas, papel pintado, vidrieras y vitraux, todo de diseño. Otras obras suyas son el Hotel Tassel, y la casa del Pueblo, el palacio de Bellas Artes, en Bruselas y el Gran Bazar de Fráncfort.
William Morris es otro de los grandes modernistas, de origen inglés. Su modernismo no cae en los excesos decorativos, es el más sobrio del movimiento, ya que se centra más en la implantación de la villa en la naturaleza (influencia del pintoresquismo inglés del siglo previo) y la valoración del espacio interior funcional. Sobre todo diseña muebles y pequeños utensilios cotidianos, y se le sitúa dentro del género en consonancia del arquitecto fránces Charles Voysey.
Otro británico es Charles Rennie Mackintosh que es otro de los más grandes arquitectos que influyó en el movimiento modernista. Sus planteamientos son originales y aportan nuevas soluciones a sus problemas arquitectónicos. Son características las formas prismáticas y octogonales. Mackintosh es el arquitecto modernista más sobrio en los exteriores, lo que le vale ser un precursor del racionalismo arquitectónico. Diseña muebles y joyas, y construye la Escuela de Arte de Glasgow .
Es Riga la ciudad con la mayor cantidad de edificios Art Nouveau de toda Europa
domingo 20 de abril de 2008
Pablo Giráldez "O pastor" presenta en Arcade o seu particular Almanaque agrícola.
O artista gráfico Pablo Giraldez "O pastor", coñecido como o Warhol galego despois de pasear as súas obras polo centro de Vigo a bordo dun tractor e convertir a sala de exposicións do Centro Social Caixanova nun furancho, expón o seu Almanaque agrícola na galería Campo das redes de Arcade (Soutomaior).
O pastor ten unha longa traxectoria dentro do deseño gráfico con series de carteis dunha provocativa sinxeleza, a escenografía teatral para grupos como Teatro do Morcego, Ningures, Tanxarina, ou o Centro Dramático Galego, e portadas de discos para grupos como Chouteira, Os Cempés, Malvela, Nordestinas ou Discópolis de radio 3.
Almanaque agrícola é unha colección de cuadros de grande formato realizados con pintura industrial sobre madeira, masas planas de cores vivas, contrastes de brillos e mates, inxerencia de textos como valor visual non comunicativo, con unha estética moi próxima ó grafismo publicitario. O pastor aprópiase de pequenas iconas do mundo rural ( A bota de goma, o capacho, o veleno para ratos, o escarabello da pataca, etc...) recollidos a maioría das veces da publicidade en revistas agrícolas e os descontextualiza para outorgarlles a categoría de santos do seu almanaque particular.
A inauguración da exposición terá lugar o venres 18 de abril na galería Campo das redes (Avenida Castelao 43 arcade, Soutomaior) que será "afuranchada" para agasallar ós presentes con viño de purrela, tetilla, pasodobres e algunha sorpresa.
Exposición: Almanaque agrícola
Autor: Pablo Giraldez "o pastor"
Contacto: Pablo Giráldez Río "O pastor" Tlf. 607 335 735 opastormoitotraballa@yahoo.es
sábado 29 de marzo de 2008
PERSONAJES PÚBLICOS Y ARTISTAS: DATOS PÚBLICOS
Por A. Martínez
Es evidente que los datos públicos de los artistas y otros personajes pululan por las distintas páginas y blogs de Internet. Por ello le agradecería publicasen esta humilde opinión en su interesante blog. Gracias por anticipado.
Creo que es bueno que se conozca a nuestros artistas más allá de Galicia y es por ello que en cuantos más sitios estén publicados sus datos, mejor que mejor. Quiero felicitar esta iniciativa de poner en funcionamiento este blog, sin entrar a valorar el que se haga o no referencia de donde se sacaron los datos públicos de los artistas - personajes públicos – gallego. Que de ser ciertos, corresponden al currículum vitae de la persona, en este caso del artista, por lo tanto están al alcance, o debieran estar, de cualquiera, por ser personajes públicos.
De todas formas es verdad que no se hace referencia, en ninguna página web o blog, a los que comenzaron publicando temas importantes sobre los artistas gallegos.
Aquí quiero hacer un recuerdo, a bote pronto, a Enrique Gómez que como crítico de arte y con distintos seudónimos a publicado en los distintos medios de comunicación: El Pueblo Gallego, Radio Popular, Hoja del Lunes, Faro de Vigo, … y posteriormente, en los años 70, en el POPE, Informe Gallego, A Portela do Foro, Coia Información, Revistas especializadas, … y más recientemente en la Revista El Gran Vigo o el periódico El Foro Metropolitano, a parte de distintos periódicos digitales. También a Francisco de Pablos, Antón Castro, etc. Todos ellos, durante años, publicaron críticas y curriculums de los distintos artistas gallegos. Hoy, tanto esas críticas como currilums, están en las páginas webs y blogs que recogen parte de ese material. Lo cual es bueno para la cultura de nuestra comunidad gallega y para los artistas en particular.
Desde aquí mi homenaje a todos los que tienen y mantienen páginas y blogs que ayudan a promocionar a nuestros artistas y como no puede ser de otra forma a los antes mencionados Enrique Gómez, Francisco de Pablos y Antón Castro.
Es evidente que los datos públicos de los artistas y otros personajes pululan por las distintas páginas y blogs de Internet. Por ello le agradecería publicasen esta humilde opinión en su interesante blog. Gracias por anticipado.
Creo que es bueno que se conozca a nuestros artistas más allá de Galicia y es por ello que en cuantos más sitios estén publicados sus datos, mejor que mejor. Quiero felicitar esta iniciativa de poner en funcionamiento este blog, sin entrar a valorar el que se haga o no referencia de donde se sacaron los datos públicos de los artistas - personajes públicos – gallego. Que de ser ciertos, corresponden al currículum vitae de la persona, en este caso del artista, por lo tanto están al alcance, o debieran estar, de cualquiera, por ser personajes públicos.
De todas formas es verdad que no se hace referencia, en ninguna página web o blog, a los que comenzaron publicando temas importantes sobre los artistas gallegos.
Aquí quiero hacer un recuerdo, a bote pronto, a Enrique Gómez que como crítico de arte y con distintos seudónimos a publicado en los distintos medios de comunicación: El Pueblo Gallego, Radio Popular, Hoja del Lunes, Faro de Vigo, … y posteriormente, en los años 70, en el POPE, Informe Gallego, A Portela do Foro, Coia Información, Revistas especializadas, … y más recientemente en la Revista El Gran Vigo o el periódico El Foro Metropolitano, a parte de distintos periódicos digitales. También a Francisco de Pablos, Antón Castro, etc. Todos ellos, durante años, publicaron críticas y curriculums de los distintos artistas gallegos. Hoy, tanto esas críticas como currilums, están en las páginas webs y blogs que recogen parte de ese material. Lo cual es bueno para la cultura de nuestra comunidad gallega y para los artistas en particular.
Desde aquí mi homenaje a todos los que tienen y mantienen páginas y blogs que ayudan a promocionar a nuestros artistas y como no puede ser de otra forma a los antes mencionados Enrique Gómez, Francisco de Pablos y Antón Castro.
jueves 7 de febrero de 2008
EL ARTE , INTERNET Y LAS GRANDES EXPOSICIONES DE PICASSO Y MODIGLIANI
DURANTE ESTE MES DE FEBRERO PODEMOS RESALTAR NO SÓLO EL MUSEO TYUKANOV, SINO, TAMBIÉN, TRES GRANDES EXPOSICIONES: Picasso, Modigliani y Goya. Y ADEMÄS AMAZONAS DEL ARTE NUEVO.
MUSEO TYUKANOV
Hoy queremos compartir con ustedes algo que nos parece interesante el SERGEY TYUKANOV MUSEUM OF ART. Podrán recorrerlo y apreciar diferentes salas con paredes virtuales donde se exponen diversas obras pictóricas fantásticas y surrealistas.
Los Museo han llegado a Internet.
Museo Tyukanov
LA COLECCIÓN DEL MUSEO NACIONAL PICASSO PARÍS: LOS "PICASSOS" DE PICASSO
Se ha abierto al público en el MNCARS una de las exposiciones más ambiciosas y exhaustivas que se han celebrado hasta hoy sobre Picasso, según Manuel Borja-Villel, director del museo, "una oportunidad única para conocer una creación tan personal que al mismo tiempo sirve de biografía".
Para esta exposición, el Museo Reina Sofía ha habilitado tres salas de exposiciones temporales y el ala completa de la exposición permanente donde se encuentra el Guernica.
La exposición se estructura en cuatro apartados diferenciados de la obra picassiana. El primero abarca el periodo desde su primeras pinturas (1895) hasta 1923, con obras representativas de su época azul, el cubismo analítico y su particular clasicismo. En el segundo apartado se muestra la producción artística desde 1924 a 1934, época de coqueteos con el surrealismo. En la sala del Guernica se exponen las obras comprometidas con la España Republicana: La mujer que llora y los Retratos de Dora Maar, así como las grandes esculturas alegóricas Cabeza de Toro, Cabeza de muerto y El hombre con un cordero. En el último apartado, 1947 - 1972, destaca la producción realizada durante los años cincuenta que, según la comisaria de la exposición Anne Baldassari, ofrece "una versión totalmente picassiana de la cultura pop".
Sede: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Calle Santa Isabel, 52. 28012 Madrid
Fechas: Del 6 de febrero al 5 de mayo de 2008
MODIGLIANI Y SU TIEMPO
La exposición Modigliani y su tiempo ofrece al espectador una visión completa de la obra del artista italiano Amedeo Modigliani, desde su llegada a París en 1906 hasta su prematura muerte en 1920.
Constituida por 126 pinturas, esculturas y dibujos, trata de arrojar nueva luz sobre la obra del artista italiano a partir de su diálogo con los que fueron sus principales maestros -Toulouse-Lautrec, Gauguin, Cézanne, Picasso, Derain, Brancusi- y sus compañeros de Montparnasse -Chagall, Van Dongen, Soutine, Lipchitz, Zadkine, Kisling, Foujita.
Modigliani y sus maestros y Modigliani y sus amigos constituyen, así, los dos ejes en los que se organiza la muestra, correspondiendo a sus sedes del Museo Thyssen-Bornemisza y de la Fundación Caja Madrid, respectivamente.
Sedes:
Del 05 de febrero al 18 de mayo de 2008 en el:
Museo Thyssen-Bornemisza, Pº del Prado, 8. 28014 Madrid y
Fundación Caja Madrid, Plaza de San Martín, 1. 28013 Madrid
GOYA EN TIEMPOS DE GUERRA
Organizada con motivo de la conmemoración del bicentenario de los levantamientos de Madrid del 2 de Mayo, el 14 de abril llegará al Museo del Prado Goya en tiempos de Guerra , de la que es comisaria Manuela Mena. Entre los casi dos centenares de obras que reunirá la muestra, abierta hasta el 13 de julio, destacan los dos grandes lienzos que pintó del 2 y 3 de mayo de 1808 en Madrid sobre los fusilamientos y la carga de los mamelucos.
AMAZONAS DEL ARTE NUEVO
Con Amazonas del arte nuevo, la FUNDACIÓN MAPFRE continúa una línea de actuación con la que se reivindica el papel desempeñado por la mujer en el desarrollo del arte moderno. En esta ocasión la exposición aborda las creaciones elaboradas por cuarenta y una autoras representativas de distintos movimientos y estilos entre 1880 y 1950.
Del 30 de Enero al 30 de Marzo en la Sala de Exposiciones de la Fundación Mapfre, Avda. del General Perón, 40, Madrid.
MUSEO TYUKANOV
Hoy queremos compartir con ustedes algo que nos parece interesante el SERGEY TYUKANOV MUSEUM OF ART. Podrán recorrerlo y apreciar diferentes salas con paredes virtuales donde se exponen diversas obras pictóricas fantásticas y surrealistas.
Los Museo han llegado a Internet.
Museo Tyukanov
LA COLECCIÓN DEL MUSEO NACIONAL PICASSO PARÍS: LOS "PICASSOS" DE PICASSO
Se ha abierto al público en el MNCARS una de las exposiciones más ambiciosas y exhaustivas que se han celebrado hasta hoy sobre Picasso, según Manuel Borja-Villel, director del museo, "una oportunidad única para conocer una creación tan personal que al mismo tiempo sirve de biografía".
Para esta exposición, el Museo Reina Sofía ha habilitado tres salas de exposiciones temporales y el ala completa de la exposición permanente donde se encuentra el Guernica.
La exposición se estructura en cuatro apartados diferenciados de la obra picassiana. El primero abarca el periodo desde su primeras pinturas (1895) hasta 1923, con obras representativas de su época azul, el cubismo analítico y su particular clasicismo. En el segundo apartado se muestra la producción artística desde 1924 a 1934, época de coqueteos con el surrealismo. En la sala del Guernica se exponen las obras comprometidas con la España Republicana: La mujer que llora y los Retratos de Dora Maar, así como las grandes esculturas alegóricas Cabeza de Toro, Cabeza de muerto y El hombre con un cordero. En el último apartado, 1947 - 1972, destaca la producción realizada durante los años cincuenta que, según la comisaria de la exposición Anne Baldassari, ofrece "una versión totalmente picassiana de la cultura pop".
Sede: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Calle Santa Isabel, 52. 28012 Madrid
Fechas: Del 6 de febrero al 5 de mayo de 2008
MODIGLIANI Y SU TIEMPO
La exposición Modigliani y su tiempo ofrece al espectador una visión completa de la obra del artista italiano Amedeo Modigliani, desde su llegada a París en 1906 hasta su prematura muerte en 1920.
Constituida por 126 pinturas, esculturas y dibujos, trata de arrojar nueva luz sobre la obra del artista italiano a partir de su diálogo con los que fueron sus principales maestros -Toulouse-Lautrec, Gauguin, Cézanne, Picasso, Derain, Brancusi- y sus compañeros de Montparnasse -Chagall, Van Dongen, Soutine, Lipchitz, Zadkine, Kisling, Foujita.
Modigliani y sus maestros y Modigliani y sus amigos constituyen, así, los dos ejes en los que se organiza la muestra, correspondiendo a sus sedes del Museo Thyssen-Bornemisza y de la Fundación Caja Madrid, respectivamente.
Sedes:
Del 05 de febrero al 18 de mayo de 2008 en el:
Museo Thyssen-Bornemisza, Pº del Prado, 8. 28014 Madrid y
Fundación Caja Madrid, Plaza de San Martín, 1. 28013 Madrid
GOYA EN TIEMPOS DE GUERRA
Organizada con motivo de la conmemoración del bicentenario de los levantamientos de Madrid del 2 de Mayo, el 14 de abril llegará al Museo del Prado Goya en tiempos de Guerra , de la que es comisaria Manuela Mena. Entre los casi dos centenares de obras que reunirá la muestra, abierta hasta el 13 de julio, destacan los dos grandes lienzos que pintó del 2 y 3 de mayo de 1808 en Madrid sobre los fusilamientos y la carga de los mamelucos.
AMAZONAS DEL ARTE NUEVO
Con Amazonas del arte nuevo, la FUNDACIÓN MAPFRE continúa una línea de actuación con la que se reivindica el papel desempeñado por la mujer en el desarrollo del arte moderno. En esta ocasión la exposición aborda las creaciones elaboradas por cuarenta y una autoras representativas de distintos movimientos y estilos entre 1880 y 1950.
Del 30 de Enero al 30 de Marzo en la Sala de Exposiciones de la Fundación Mapfre, Avda. del General Perón, 40, Madrid.
martes 5 de febrero de 2008
PINTORES GALLEGOS.
Artistas de Galicia
Blog dedicado al arte en la comunidad gallega. Actualidad del Arte en Galicia.
Si quieres aparecer en nuestros listado envíanos tus datos a: periodico.elforo@telefonica.net
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Pintores de La Coruña
Manuel Abelenda Zapata
Oleo, dibujo
La Coruña (1889-1957)
Alfonso Abelenda Escudero
Oleo, dibujo
La Coruña 1930
Fernando Alvarez de Sotomayor y Zaragoza
Oleo, dibujo
Ferrol (1875-1960)
Jesus Balado Paz
Acuarela, dibujo, óleo
Fene 1947
Felipe Bello Piñeiro
Oleo, murales,dibujo.
El Seijo - Mugardos (1886-1952)
Modesto Brocos y Gómez
Oleo, grabado.
Santiago de Compostela (1852-1935)
Galia Blanco
Pintura agro-pop
Santiago de Compostela 1974
www.galiablanco.es
Pedro Bueno Salto
Dibujo, acuarela, aguada,
óleo, murales.
A Coruña 1952
Juan J. Cancela del Rio
Oleo, dibujo.
Santiago de Compostela (1803-1886)
Jenaro Carrero Fernández
Oleo, dibujo
Noia (1874-1902)
Luis María Caruncho Amat
Oleo, grabado, collage, escultura.
Coruña1929
Jesús Antonio Caulonga Pereira
Oleo, grabado.
Escultura Santiago de Compostela 1934
Alvaro Cebreiro Martínez
Oleo, dibujo.
La Coruña (1903-1956)
María del Carmen Corredoira Ruiz
Oleo, dibujo.
La Coruña (1893-1970)
Imeldo Corral González
Oleo
Ferrol (1889-1976)
Alfonso Costa Beiro
Oleo, grabado, dibujo, carteles, murales.
Noya 1943
Alfonso Crespo Fernández Oleo, acuarela, grabado, collages
Ferrol 1932
María Antonio Dans Boado Dibujo, acuarelas, ceras, óleo
Oza de Los Rios (1922-1988)
Alberto Datas Panero
Oleo, dibujo, técnica mixta.
La Coruña (1935-2007)
Camilo Díaz Baliño
Oleo, ilustraciónes, escenógrafo.
Ferrol (1889-1936)
María Manuela Díaz Orjales
Oleo, dibujo
Ferrol 1945
Isaac Díaz Pardo
Oleo, cerámica.
Santiago de Compostela 1920
María Xesús Díaz
Oleo, acrílicos, técnicas mixtas.
La Coruña 1957
Alfredo Erias Martinez
Dibujo, óleo, grabado
Abegondo 1954
Manuel Facal Ponte
Dibujo, óleo, técnicas mixtas, grabado.
Carballo 1943
Elena Fernández Gago
Oleo, dibujo.
La Coruña 1940
Mario Fernández Granell
Acrílico, óleo, dibujo.
La Coruña (1915-1991)
Antonio Fernández López
Oleo, acuarela, dibujo, grabado.
Narón 1949
Eugenio Fernández Granell
Distintas técnicas.
Santiago (1912-2001)
Gragorio Ferro Requeixo
Oleo
Santiago (1742-1812)
Carlos García Alcolea
Oleo, acrílico, técnica mixta, dibujo.
La Coruña (1949-1992)
Antonio García Patiño
Dibujo, óleo, técnicas mixtas.
La Coruña 1932
Ana García Pan
Oleo, Dibujo. Surrealismo
La Coruña 1951
Mª del Carmen Gomez Novoa
Grabado, dibujo, óleo.
Santiago de Compostela 1947
Alejandro González Pascual
Oleo, dibujo.
La Coruña (1930-1993)
Carmelo F. González Rodríguez Plumilla, gouache, acuarela y óleo.
Ferrol (1897-1954)
Eduardo Hermida
Oleo, Acrílicos, técnicas mixtas. Pintura Pop.
Ferrol 1965
José María de Labra Suazo
Oleo, pastel, acrílico .
La Coruña (1925-1994)
Antonio Lago Rivera
Oleo, acuarela, dibujo.
La Coruña 1916
Jorge Llorca Freire
Oleo, dibujo, técnica mixta.
Ferrol 1952
Francisco Llorens Díaz
Oleo, dibujo.
La Coruña (1874-1948)
Juan Luis López García
Oleo
Santiago de Compostela (1894-1988)
Armando López Guerra
Oleo, grabado, técnicas mixtas.
Santiago de Compostela 1948
Siro López Lorenzo
Dibujo. Caricaturista excepcional.
Fene 1943
Urbano Lugris Vadillo
Oleo
La Coruña 1942
Urbano Lugrís González
Oleo, dibujo.
Sada (1908-1973)
Abelardo Miguel López Leira
Oleo.
Pontedeume (1918-1991)
Manuel Mampaso Bueno
Oleo, mixta, tinta
La Coruña (1924-2001)
Xoaquín Marín Formoso
Dibujo, acuarela. Caricaturista
Fene 1943
Rafael Martínez Vilela
Oleo
Ferrol (1899-1974)
Santiago Meyer Viña
Oleo, dibujo, grabado.
Santiago de Compostela 1947
Luis Mosquera Gómez
Oleo (retratista).
La Coruña (1899-1987)
Ovidio Murguía de Castro
Oleo
Lestrove (1871-1900)
Roman Navarro García-Vinuesa
Oleo, dibujo.
La Coruña (1854-1938)
Jesus Núñez Fernández
Oleo, grabado, escultor.
Betanzos 1927
Dolores Padín Fernández
Oleo, grabado.
Santiago de Compostela 1946
Adriano Paz Martínez
Oleo, acuarela, dibujo, acrílicos.
Ferrol 1929
Alberto Permuy
Dibujo, óleo, acrílico. Murales, Bodegón.
Barallobre 1947
Jorge Peteiro Vázquez
Oleo, xerigrafía, murales, técnicas mixtas.
A Coruña 1959
Domingo Pieltain Alvarez-Arenas
Oleo, dibujo. Marinas, paisajes.
Ferrol 1949
Jenaro Pérez Villaamil
Oleo, Acuarela, dibujo, litografía
Ferrol (1807-1954)
Fernando Prieto
Oleo, dibujo.
Coruña 1947
Laureano Quesada Jiménez
Oleo, dibujo, acuarela, grabado
Ferrol 1941
Manuel Quintana Martelo
Oleo, acuarela, dibujo, grabado.
Roxos 1949
Máximo Ramos López
Dibujo, grabado, óleo, ilustraciones.
Ferrol (1880-1949)
Alvaro Daniel Rodríguez Castelao Dibujo, acuarela, óleo
Rianxo (1886-1950)
Rafael Romero Díaz del Rio
Acuarela, dibujo, óleo.
Ferrol 1948
Elvira Santiso Garcia
Oleo.
Betanzos (1872-1961)
Armando Salas Martínez
Dibujo, acuarela, óleo.
Santa Marta de Ortigueira 1946
Julio Sanjurjo Aler
Pintura, escultura.
La Coruña 1958
Elvira Santiso Garcia
Oleo.
Betanzos (1872-1961)
Ricardo Segura Torrella
Oleo, dibujo
Ferrol (1927-2000)
Alfredo Souto Cuero
Acuarela, dibujo, óleo.
La Coruña (1862-1916)
Manuel Suárez Casal
Técnica mixta
A Coruña (24-4-72)
Manuel Suarez-Pomariega Molezún
Acuarela, óleo, acrílico .
La Coruña (1920-2001)
Germán Taibo González
Dibujo, óleo.
Coruña (1889-1919)
Joaquín Vaamonde Cornide
Oleo, pastel.
La Coruña (1872-1900)
Sergio Vázquez Santiago
Oleo, dibujo, altorelieve madera.
Narón 1939
Pintores de Lugo
Roque A. Barreiro Fanegoenlace Oleo
Viveiro 1947
Blanca Besteiro García
Pintura, restauración
Riotorto 1965
Manuel Bujados
Oleo, dibujo, ilustración.
Vivero (1889-1954)
Santiago Caneda Blanco
Oleo, acrílico, técnicas mixtas
San Clodio 1946
Manuel Castro Gil
Oleo, grabado (aguafuerte)
Lugo (1891-1961)
Alejandro Carro Rodríguez
Oleo.
Lugo 1964
José Luis Garcia-Boente
Oleo, dibujo
Lugo 1962
Roberto González Fernández
Oleo, dibujo, acrílico,
Monforte de Lemos 1948
Fermín González Prieto
Oleo, dibujo.
Viveiro (1900-1987)
Antón Goyanes Fernández
Oleo, acrílico, grabado
Monforte de Lemos 1935
Constantino Grandío López
Oleo
Lousada (1925-1977)
Xoan Manuel Guerreiro Vázquez
Oleo, pintura urbana, ilustraciones.
Xove 1956
Ana María (Maruja Mallo) Gómez González
Oleo
Viveiro (1902-1995)
Julia Minguillón Iglesias
Oleo
Lugo (1925-1965)
Antón Patiño Pérez
Dibujo, óleo, técnica mixta.
Monforte de Lemos 1957
Luisa Paz Montenegro
óleo,acrilíco,dibujo,acuarela,grabado,cerámica
Lugo 1953
Xosé Randolfe Vilariño
Esmaltes.
Carballedo 1960
Jesus (Corredoyra) Rodríguez Corredoira
Oleo..
Lugo (1889-1939)
Pintores de Orense
Joaquín Balsa Díaz
Pintura y escultura
Orense 1911
José Luis De Dios González
Oleo, grabado, dibujo, gouache.
Orense 1943
Virxilio Fernández Cañedo
Oleo, dibujo
Orense 1954
Cándido Fernández Mazas
Oleo, dibujo, técnica mixta.
Orense (1902-1942)
Angel Huete Vales
Oleo, acrílico, técnicas mixtas, grabado.
Orense 1944
Ana Legido Soto
Acuarela, óleo, mixtas.
Orense 1939
Enrique Ortiz Alonso
Grabado, aguafuerte, temple, litografía.
Orense 1935
Ramón Parada Justel
Oleo, dibujo.
Esgos (1871-1902)
Antón Pulido Novoa
Oleo, dibujo, grabado.
Amoeiro 1944
Pastor Outeiral Rodríguez
Oleo, técnica mixta, fotografía.
Ourense 1962
Manuel Prego de Oliver
Oleo, acuarela, dibujo.
Ourense (1915-1986)
Julio Prieto Nespereira
Oleo, grabado, dibujo, ilustraciones.
Orense (1896-1991)
Antonio de Puga
Oleo.
Orense (1602-1648)
Antonio Quesada Porto
Oleo, dibujo, serigrafía
Orense 1932
Fernando Quesada Porto
Oleo, dibujo
Orense 1933
Xaime (Quessada) Quesada Porto
Oleo, guache, acuarela, grabado.
Orense (1937-2007)
Jaime Quesada Blanco
Oleo, dibujo, grabado
Orense (1975-2006)
Carmen Rodríguez de Legísima
Oleo.
Lousado (1896-1980)
Patricia Saco Atanes
Acrílico, óleo, técnica mixta, fotografía, escultura y diseño gráfico
Ourense, 1981
www.patriciasaco.com
Leopoldo Villamil García de Paredes
Oleo, grabado, aguafuerte.
Orense (1841-1885)
Pintores de Pontevedra
Antón Abreu Bastos
Oleo, dibujo.
Vigo 1927
Rafael Alonso Fernández
Acuarela, óleo, dibujo
Pontevedra (1924-1995)
Berta Alvarez Cáccamo
Oleo, acrílicos, técnicas mixtas.
Vigo 1963
Pilar Alvarez Pablos
Oleo, tecnica mixta.
Pontevedra 1960
Serafín Avendaño Martínez
Oleo acuarela, dibujo.
Vigo (1838-1916)
José Barreiro Gómez
Dibujo, óleo.
Forcarei 1940
Alberto Barreiro González
Oleo, técnica mixta
Pontevedra 1968
Virxilio Blanco Garrido
Dibujo, óleo.
Forcarei (1896-1948)
Angel Botello Barros
Oleo, dibujo.
Cangas de Morrazo (1913-1986)
Rosa Elvira Caamaño Fernández
Oleo, Pastel, lápiz, carbón.
Bueu 1954
M. del Carmen Calviño Iglesias
Dibujo, óleo, ilustración.
A Xesta - Lalín 1938
Enrique Campo Sobrino
Oleo, acuarela, dibujo.
Pontevedra (1890-1911)
Tono Carbajo Villaverde
Dibujo, óleo.
Vigo 1960
Victor Casas Julián
Oleo, acuarela, dibujo.
Pontevedra 1936
Jorge Castillo Casalderrey
Oleo, acuarela, dibujo, grabado.
Pontevedra 1933
Manuel Colmeiro Guimarás
Oleo Chapa
Silleda (1901-2000)
Antonio Fernández Gómez
Dibujo, óleo.
Goian (1882-1970)
Leopoldo Fernández Varela
Oleo.
Vigo (1929-2007)
José Frau Ruiz
Oleo, dibujo.
Vigo (1898-1976)
M. Diego G. de Giráldez
Pntor y escultor (Técnica mixta)
A Cañiza (PO) 1956
Antón Lamazares Silva
Oleo, técnicas mixtas. Expresionista
Lalín 1954
Francisco Leiro Lois
Pintura y escultura
Cambados 1954
José Telmo Lodeiro Fernández
Oleo.
Vigo (1930-1996)
Francisco Mantecón Rodríguez
Técnica mixta, óleo, dibujo.
Vigo (1948-2001)
Lino Martínez Villafinez
Oleo.
Marín (1892-1960)
Carlos Maside García
Oleo, dibujo
Pontecesures (1897-1958)
Santiago Montes Areas
Oleo, técnica mixta.
Vigo 1940
Leopoldo Novoa García
Oleo, técnica mixta, grabado, escultura.
Salcedo 1919
Xurxo Oro Claro
Oleo, grabado, técnicas mixtas.
Baiña 1955
José Otero Abeledo (Laxeiro)
Oleo, dibujo, grabado, técnica mixta.
Lalín (1908-1996)
Benigno Pereira Borrajo
Oleo, dibujo.
Vigo (1874-1961)
Xerardo Pesqueira García
Oleo, dibujo. Abstracto
Marin 1941
Manuel Pesqueira Salgado
Dibujo, óleo.
Lantaño- Pontevedra (1911-1988)
Xavier Pousa Carrera
Oleo, dibujo. Impresionismo.
Goián (1931-2000)
Agustín Pérez Bellas
Dibujo, óleo. Arquitecto y pintor.
Vigo (1925-1982)
María Teresa Quesada Legido
Oleo, pastel, dibujo.
Vigo 1962
Gabino Rey Santiago
Oleo, dibujo.
Marín (1928-2006)
Federico Ribas Montenegro
Dibujo, gouache, acuarela.
Vigo (1980-1952)
Manuel Rodríguez Moldes
Oleo, técnica mixta.
Pontevedra 1949
Mercedes Ruibal Argibay
Oleo, acrílico, técnicas mixtas, grabado.
Xeve 1928
Manuel Ruibal Ruibal
Oleo, acuarela, dibujo.
Porráns 1942
Antía Sánchez Alonso
Acrílicos, dibujo, collage, acrílicos.
Vigo 1975
Angel Sevillano Estremera
Oleo, dibujo.
Vigo 1942
Carlos Sobrino Buhigas
Oleo, acuarela, tecnica mixta.
Pontevedra (1885-1978)
Arturo Souto Feijoo
Dibujo, pastel, gouache, acuarela, óleo.
Pontevedra (1902-1964)
Alfonso Sucasas Guerra
Oleo, dibujo
Lalín 1940
Luis Torras Martínez
Oleo, fresco, técnica mixta.
Vigo 1912
Rosa Ubeda González
Técnicas mixtas, óleo
Pontevedra 1958
Rafael Ubeda Piñeiro
Oleo, murales, grabado
Pontevedra 1932
Juan M. Valcarcel Obelleiro
Oleo, dibujo, grabado, ilustración.
Tuy 1956
Javier Varela Guillot
Oleo, pastel, acuarela, dibujo
Vigo 1933
Alex Vázquez-Palacios Gómez
Oleo, dibujo, ilustración, acrílicos.
Vigo 1946
Mónica Vila
Dibujo, acrílicos, técnicas mixtas.
Vigo 1975
Pintores afincados en Galicia
Darío Alvarez Basso
Acrílicos, óleos, técnicas mixtas.
Caracas (Venezuela) 1966
Felipe Criado Martín
Oleo, dibujo.
Gijón 1928
Julio Fernandez Arguelles
Oleo, dibujo.
Astorga (León) (1923-2002)
Gemma Marqués Redondo
Oleo.
Burgos 1981
Roberto González del Blanco
Oleo, dibujo.
León (1887 - 1959)
Matías Marqués Alija
Oleo, técnicas mixtas.
Tordesillas (Valladolid) 1947
Carmen Martín Serantes
Oleo, dibujo, grabado.
Winterthur (Suíza) 1971
Rogelio Puente Díaz de la Rocha Oleo.
La Habana (Cuba) (1 julio 1.936- 30 noviembre 1996)
Antón Rivas Briones
Dibujo, grabado, xilografía, óleo.
Madrid 1954
José Seijo Rubio
Oleo, acuarela, dibujo.
Madrid (1881-1970)
Luis Seane López
Dibujo, ilustración, murales, óleo.
Buenos Aires (1911-1979)
Pintores descendientes de gallegos afincados en el exterior
Francisco Bugallo (Artista Plástico)
Valencia -Estado Carabobo- Venezuela
Nace el Caracas el 2 de diciembre de 1958
Blog dedicado al arte en la comunidad gallega. Actualidad del Arte en Galicia.
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Pintores de La Coruña
Manuel Abelenda Zapata
Oleo, dibujo
La Coruña (1889-1957)
Alfonso Abelenda Escudero
Oleo, dibujo
La Coruña 1930
Fernando Alvarez de Sotomayor y Zaragoza
Oleo, dibujo
Ferrol (1875-1960)
Jesus Balado Paz
Acuarela, dibujo, óleo
Fene 1947
Felipe Bello Piñeiro
Oleo, murales,dibujo.
El Seijo - Mugardos (1886-1952)
Modesto Brocos y Gómez
Oleo, grabado.
Santiago de Compostela (1852-1935)
Galia Blanco
Pintura agro-pop
Santiago de Compostela 1974
www.galiablanco.es
Pedro Bueno Salto
Dibujo, acuarela, aguada,
óleo, murales.
A Coruña 1952
Juan J. Cancela del Rio
Oleo, dibujo.
Santiago de Compostela (1803-1886)
Jenaro Carrero Fernández
Oleo, dibujo
Noia (1874-1902)
Luis María Caruncho Amat
Oleo, grabado, collage, escultura.
Coruña1929
Jesús Antonio Caulonga Pereira
Oleo, grabado.
Escultura Santiago de Compostela 1934
Alvaro Cebreiro Martínez
Oleo, dibujo.
La Coruña (1903-1956)
María del Carmen Corredoira Ruiz
Oleo, dibujo.
La Coruña (1893-1970)
Imeldo Corral González
Oleo
Ferrol (1889-1976)
Alfonso Costa Beiro
Oleo, grabado, dibujo, carteles, murales.
Noya 1943
Alfonso Crespo Fernández Oleo, acuarela, grabado, collages
Ferrol 1932
María Antonio Dans Boado Dibujo, acuarelas, ceras, óleo
Oza de Los Rios (1922-1988)
Alberto Datas Panero
Oleo, dibujo, técnica mixta.
La Coruña (1935-2007)
Camilo Díaz Baliño
Oleo, ilustraciónes, escenógrafo.
Ferrol (1889-1936)
María Manuela Díaz Orjales
Oleo, dibujo
Ferrol 1945
Isaac Díaz Pardo
Oleo, cerámica.
Santiago de Compostela 1920
María Xesús Díaz
Oleo, acrílicos, técnicas mixtas.
La Coruña 1957
Alfredo Erias Martinez
Dibujo, óleo, grabado
Abegondo 1954
Manuel Facal Ponte
Dibujo, óleo, técnicas mixtas, grabado.
Carballo 1943
Elena Fernández Gago
Oleo, dibujo.
La Coruña 1940
Mario Fernández Granell
Acrílico, óleo, dibujo.
La Coruña (1915-1991)
Antonio Fernández López
Oleo, acuarela, dibujo, grabado.
Narón 1949
Eugenio Fernández Granell
Distintas técnicas.
Santiago (1912-2001)
Gragorio Ferro Requeixo
Oleo
Santiago (1742-1812)
Carlos García Alcolea
Oleo, acrílico, técnica mixta, dibujo.
La Coruña (1949-1992)
Antonio García Patiño
Dibujo, óleo, técnicas mixtas.
La Coruña 1932
Ana García Pan
Oleo, Dibujo. Surrealismo
La Coruña 1951
Mª del Carmen Gomez Novoa
Grabado, dibujo, óleo.
Santiago de Compostela 1947
Alejandro González Pascual
Oleo, dibujo.
La Coruña (1930-1993)
Carmelo F. González Rodríguez Plumilla, gouache, acuarela y óleo.
Ferrol (1897-1954)
Eduardo Hermida
Oleo, Acrílicos, técnicas mixtas. Pintura Pop.
Ferrol 1965
José María de Labra Suazo
Oleo, pastel, acrílico .
La Coruña (1925-1994)
Antonio Lago Rivera
Oleo, acuarela, dibujo.
La Coruña 1916
Jorge Llorca Freire
Oleo, dibujo, técnica mixta.
Ferrol 1952
Francisco Llorens Díaz
Oleo, dibujo.
La Coruña (1874-1948)
Juan Luis López García
Oleo
Santiago de Compostela (1894-1988)
Armando López Guerra
Oleo, grabado, técnicas mixtas.
Santiago de Compostela 1948
Siro López Lorenzo
Dibujo. Caricaturista excepcional.
Fene 1943
Urbano Lugris Vadillo
Oleo
La Coruña 1942
Urbano Lugrís González
Oleo, dibujo.
Sada (1908-1973)
Abelardo Miguel López Leira
Oleo.
Pontedeume (1918-1991)
Manuel Mampaso Bueno
Oleo, mixta, tinta
La Coruña (1924-2001)
Xoaquín Marín Formoso
Dibujo, acuarela. Caricaturista
Fene 1943
Rafael Martínez Vilela
Oleo
Ferrol (1899-1974)
Santiago Meyer Viña
Oleo, dibujo, grabado.
Santiago de Compostela 1947
Luis Mosquera Gómez
Oleo (retratista).
La Coruña (1899-1987)
Ovidio Murguía de Castro
Oleo
Lestrove (1871-1900)
Roman Navarro García-Vinuesa
Oleo, dibujo.
La Coruña (1854-1938)
Jesus Núñez Fernández
Oleo, grabado, escultor.
Betanzos 1927
Dolores Padín Fernández
Oleo, grabado.
Santiago de Compostela 1946
Adriano Paz Martínez
Oleo, acuarela, dibujo, acrílicos.
Ferrol 1929
Alberto Permuy
Dibujo, óleo, acrílico. Murales, Bodegón.
Barallobre 1947
Jorge Peteiro Vázquez
Oleo, xerigrafía, murales, técnicas mixtas.
A Coruña 1959
Domingo Pieltain Alvarez-Arenas
Oleo, dibujo. Marinas, paisajes.
Ferrol 1949
Jenaro Pérez Villaamil
Oleo, Acuarela, dibujo, litografía
Ferrol (1807-1954)
Fernando Prieto
Oleo, dibujo.
Coruña 1947
Laureano Quesada Jiménez
Oleo, dibujo, acuarela, grabado
Ferrol 1941
Manuel Quintana Martelo
Oleo, acuarela, dibujo, grabado.
Roxos 1949
Máximo Ramos López
Dibujo, grabado, óleo, ilustraciones.
Ferrol (1880-1949)
Alvaro Daniel Rodríguez Castelao Dibujo, acuarela, óleo
Rianxo (1886-1950)
Rafael Romero Díaz del Rio
Acuarela, dibujo, óleo.
Ferrol 1948
Elvira Santiso Garcia
Oleo.
Betanzos (1872-1961)
Armando Salas Martínez
Dibujo, acuarela, óleo.
Santa Marta de Ortigueira 1946
Julio Sanjurjo Aler
Pintura, escultura.
La Coruña 1958
Elvira Santiso Garcia
Oleo.
Betanzos (1872-1961)
Ricardo Segura Torrella
Oleo, dibujo
Ferrol (1927-2000)
Alfredo Souto Cuero
Acuarela, dibujo, óleo.
La Coruña (1862-1916)
Manuel Suárez Casal
Técnica mixta
A Coruña (24-4-72)
Manuel Suarez-Pomariega Molezún
Acuarela, óleo, acrílico .
La Coruña (1920-2001)
Germán Taibo González
Dibujo, óleo.
Coruña (1889-1919)
Joaquín Vaamonde Cornide
Oleo, pastel.
La Coruña (1872-1900)
Sergio Vázquez Santiago
Oleo, dibujo, altorelieve madera.
Narón 1939
Pintores de Lugo
Roque A. Barreiro Fanegoenlace Oleo
Viveiro 1947
Blanca Besteiro García
Pintura, restauración
Riotorto 1965
Manuel Bujados
Oleo, dibujo, ilustración.
Vivero (1889-1954)
Santiago Caneda Blanco
Oleo, acrílico, técnicas mixtas
San Clodio 1946
Manuel Castro Gil
Oleo, grabado (aguafuerte)
Lugo (1891-1961)
Alejandro Carro Rodríguez
Oleo.
Lugo 1964
José Luis Garcia-Boente
Oleo, dibujo
Lugo 1962
Roberto González Fernández
Oleo, dibujo, acrílico,
Monforte de Lemos 1948
Fermín González Prieto
Oleo, dibujo.
Viveiro (1900-1987)
Antón Goyanes Fernández
Oleo, acrílico, grabado
Monforte de Lemos 1935
Constantino Grandío López
Oleo
Lousada (1925-1977)
Xoan Manuel Guerreiro Vázquez
Oleo, pintura urbana, ilustraciones.
Xove 1956
Ana María (Maruja Mallo) Gómez González
Oleo
Viveiro (1902-1995)
Julia Minguillón Iglesias
Oleo
Lugo (1925-1965)
Antón Patiño Pérez
Dibujo, óleo, técnica mixta.
Monforte de Lemos 1957
Luisa Paz Montenegro
óleo,acrilíco,dibujo,acuarela,grabado,cerámica
Lugo 1953
Xosé Randolfe Vilariño
Esmaltes.
Carballedo 1960
Jesus (Corredoyra) Rodríguez Corredoira
Oleo..
Lugo (1889-1939)
Pintores de Orense
Joaquín Balsa Díaz
Pintura y escultura
Orense 1911
José Luis De Dios González
Oleo, grabado, dibujo, gouache.
Orense 1943
Virxilio Fernández Cañedo
Oleo, dibujo
Orense 1954
Cándido Fernández Mazas
Oleo, dibujo, técnica mixta.
Orense (1902-1942)
Angel Huete Vales
Oleo, acrílico, técnicas mixtas, grabado.
Orense 1944
Ana Legido Soto
Acuarela, óleo, mixtas.
Orense 1939
Enrique Ortiz Alonso
Grabado, aguafuerte, temple, litografía.
Orense 1935
Ramón Parada Justel
Oleo, dibujo.
Esgos (1871-1902)
Antón Pulido Novoa
Oleo, dibujo, grabado.
Amoeiro 1944
Pastor Outeiral Rodríguez
Oleo, técnica mixta, fotografía.
Ourense 1962
Manuel Prego de Oliver
Oleo, acuarela, dibujo.
Ourense (1915-1986)
Julio Prieto Nespereira
Oleo, grabado, dibujo, ilustraciones.
Orense (1896-1991)
Antonio de Puga
Oleo.
Orense (1602-1648)
Antonio Quesada Porto
Oleo, dibujo, serigrafía
Orense 1932
Fernando Quesada Porto
Oleo, dibujo
Orense 1933
Xaime (Quessada) Quesada Porto
Oleo, guache, acuarela, grabado.
Orense (1937-2007)
Jaime Quesada Blanco
Oleo, dibujo, grabado
Orense (1975-2006)
Carmen Rodríguez de Legísima
Oleo.
Lousado (1896-1980)
Patricia Saco Atanes
Acrílico, óleo, técnica mixta, fotografía, escultura y diseño gráfico
Ourense, 1981
www.patriciasaco.com
Leopoldo Villamil García de Paredes
Oleo, grabado, aguafuerte.
Orense (1841-1885)
Pintores de Pontevedra
Antón Abreu Bastos
Oleo, dibujo.
Vigo 1927
Rafael Alonso Fernández
Acuarela, óleo, dibujo
Pontevedra (1924-1995)
Berta Alvarez Cáccamo
Oleo, acrílicos, técnicas mixtas.
Vigo 1963
Pilar Alvarez Pablos
Oleo, tecnica mixta.
Pontevedra 1960
Serafín Avendaño Martínez
Oleo acuarela, dibujo.
Vigo (1838-1916)
José Barreiro Gómez
Dibujo, óleo.
Forcarei 1940
Alberto Barreiro González
Oleo, técnica mixta
Pontevedra 1968
Virxilio Blanco Garrido
Dibujo, óleo.
Forcarei (1896-1948)
Angel Botello Barros
Oleo, dibujo.
Cangas de Morrazo (1913-1986)
Rosa Elvira Caamaño Fernández
Oleo, Pastel, lápiz, carbón.
Bueu 1954
M. del Carmen Calviño Iglesias
Dibujo, óleo, ilustración.
A Xesta - Lalín 1938
Enrique Campo Sobrino
Oleo, acuarela, dibujo.
Pontevedra (1890-1911)
Tono Carbajo Villaverde
Dibujo, óleo.
Vigo 1960
Victor Casas Julián
Oleo, acuarela, dibujo.
Pontevedra 1936
Jorge Castillo Casalderrey
Oleo, acuarela, dibujo, grabado.
Pontevedra 1933
Manuel Colmeiro Guimarás
Oleo Chapa
Silleda (1901-2000)
Antonio Fernández Gómez
Dibujo, óleo.
Goian (1882-1970)
Leopoldo Fernández Varela
Oleo.
Vigo (1929-2007)
José Frau Ruiz
Oleo, dibujo.
Vigo (1898-1976)
M. Diego G. de Giráldez
Pntor y escultor (Técnica mixta)
A Cañiza (PO) 1956
Antón Lamazares Silva
Oleo, técnicas mixtas. Expresionista
Lalín 1954
Francisco Leiro Lois
Pintura y escultura
Cambados 1954
José Telmo Lodeiro Fernández
Oleo.
Vigo (1930-1996)
Francisco Mantecón Rodríguez
Técnica mixta, óleo, dibujo.
Vigo (1948-2001)
Lino Martínez Villafinez
Oleo.
Marín (1892-1960)
Carlos Maside García
Oleo, dibujo
Pontecesures (1897-1958)
Santiago Montes Areas
Oleo, técnica mixta.
Vigo 1940
Leopoldo Novoa García
Oleo, técnica mixta, grabado, escultura.
Salcedo 1919
Xurxo Oro Claro
Oleo, grabado, técnicas mixtas.
Baiña 1955
José Otero Abeledo (Laxeiro)
Oleo, dibujo, grabado, técnica mixta.
Lalín (1908-1996)
Benigno Pereira Borrajo
Oleo, dibujo.
Vigo (1874-1961)
Xerardo Pesqueira García
Oleo, dibujo. Abstracto
Marin 1941
Manuel Pesqueira Salgado
Dibujo, óleo.
Lantaño- Pontevedra (1911-1988)
Xavier Pousa Carrera
Oleo, dibujo. Impresionismo.
Goián (1931-2000)
Agustín Pérez Bellas
Dibujo, óleo. Arquitecto y pintor.
Vigo (1925-1982)
María Teresa Quesada Legido
Oleo, pastel, dibujo.
Vigo 1962
Gabino Rey Santiago
Oleo, dibujo.
Marín (1928-2006)
Federico Ribas Montenegro
Dibujo, gouache, acuarela.
Vigo (1980-1952)
Manuel Rodríguez Moldes
Oleo, técnica mixta.
Pontevedra 1949
Mercedes Ruibal Argibay
Oleo, acrílico, técnicas mixtas, grabado.
Xeve 1928
Manuel Ruibal Ruibal
Oleo, acuarela, dibujo.
Porráns 1942
Antía Sánchez Alonso
Acrílicos, dibujo, collage, acrílicos.
Vigo 1975
Angel Sevillano Estremera
Oleo, dibujo.
Vigo 1942
Carlos Sobrino Buhigas
Oleo, acuarela, tecnica mixta.
Pontevedra (1885-1978)
Arturo Souto Feijoo
Dibujo, pastel, gouache, acuarela, óleo.
Pontevedra (1902-1964)
Alfonso Sucasas Guerra
Oleo, dibujo
Lalín 1940
Luis Torras Martínez
Oleo, fresco, técnica mixta.
Vigo 1912
Rosa Ubeda González
Técnicas mixtas, óleo
Pontevedra 1958
Rafael Ubeda Piñeiro
Oleo, murales, grabado
Pontevedra 1932
Juan M. Valcarcel Obelleiro
Oleo, dibujo, grabado, ilustración.
Tuy 1956
Javier Varela Guillot
Oleo, pastel, acuarela, dibujo
Vigo 1933
Alex Vázquez-Palacios Gómez
Oleo, dibujo, ilustración, acrílicos.
Vigo 1946
Mónica Vila
Dibujo, acrílicos, técnicas mixtas.
Vigo 1975
Pintores afincados en Galicia
Darío Alvarez Basso
Acrílicos, óleos, técnicas mixtas.
Caracas (Venezuela) 1966
Felipe Criado Martín
Oleo, dibujo.
Gijón 1928
Julio Fernandez Arguelles
Oleo, dibujo.
Astorga (León) (1923-2002)
Gemma Marqués Redondo
Oleo.
Burgos 1981
Roberto González del Blanco
Oleo, dibujo.
León (1887 - 1959)
Matías Marqués Alija
Oleo, técnicas mixtas.
Tordesillas (Valladolid) 1947
Carmen Martín Serantes
Oleo, dibujo, grabado.
Winterthur (Suíza) 1971
Rogelio Puente Díaz de la Rocha Oleo.
La Habana (Cuba) (1 julio 1.936- 30 noviembre 1996)
Antón Rivas Briones
Dibujo, grabado, xilografía, óleo.
Madrid 1954
José Seijo Rubio
Oleo, acuarela, dibujo.
Madrid (1881-1970)
Luis Seane López
Dibujo, ilustración, murales, óleo.
Buenos Aires (1911-1979)
Pintores descendientes de gallegos afincados en el exterior
Francisco Bugallo (Artista Plástico)
Valencia -Estado Carabobo- Venezuela
Nace el Caracas el 2 de diciembre de 1958
domingo 3 de febrero de 2008
¿LOS GRANDES MUSEOS SE CLONAN?
ARTE CONTEMPORÁNEO
ARTE CONTEMPORÁNEO
El arte contemporáneo se le suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este periodo. En sentido amplio, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época.
En realidad el arte contemporáneo es un estilo que abarca una multitud de estilos nacidos a principios del siglo XX.
FAUVISMO
En primer lugar, el fauvismo marcó las directrices artísticas entre 1904 y 1907. Se trataba de una reacción contra el impresionismo. El color era el elemento principal del cuadro y se utilizaba de una manera apasionada. Los artistas del fauvismo, tales como Vlaminck, Signac y Henri Matisse, se inclinaban por las manchas planas y extensas. Este estilo de arte contemporáneo fue efímero, pero algunos de sus seguidores continuaron aplicando la técnica fauvista, como es el caso del pintor contemporáneo Dufy.
CUBISMO
En segundo lugar, dentro de lo que llamamos “arte contemporáneo” también se encuentra el cubismo, cuyos creadores fueron Pablo Picasso y Georges Braques. El movimiento se desarrolló entre 1904 y 1917 y sus características principales son: el uso de tonos neutros (grises, blancos, verdes claros), los ángulos de observación del objeto, que se multiplican para obtener una cuarta dimensión; los interiores, que son representados mediante transparencias; la luz, que desaparece definitivamente; y por último, la exaltación del plano, que se hace más intensa que en el fauvismo.
EXPRESIONISMO
El expresionismo ha sido también uno de los estilos del arte contemporáneo. El movimiento surgió en Alemania en 1905 cuando se constituyó en Dresden el estilo llamado Die Brücke (el puente). Sus antecesores se remontaban al último tercio del siglo XIX: eran Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Munch y Ensor. Desde su fundación Die Brücke celebró exposiciones que fueron recibidas con escándalo e incomprensión. Los expresionistas expresaban las angustias internas del individuo mediante una pintura dramática, expresiva, y a través de la deformación y caricaturización de las figuras. Algunos de los miembros más importantes de este estilo fueron: Krichner, Schmidt- Rottluff y Emil Nolde.
DADAÍSMO
Por otra parte, al referirse al arte contemporáneo también es importante señalar el movimiento dadá. Se desarrolló entre 1915 y 1922 en Zúrich en protesta por la primera guerra mundial y después se extendió a Berlín, París, y Nueva York. Los fundadores del dadaísmo fueron Hans Arp y el poeta Tristan Tzara, quienes quisieron mofarse del arte tradicional ridiculizando la tecnología y el progreso. Los artistas de este movimiento tenían como uno de sus objetivos el de escandalizar a la burguesía. Uno de los métodos que utilizaban para este fin era realizar cuadros con basuras, o elevar un orinal a la categoría de arte.
Tras la guerra, los dadaístas más representativos evolucionaron hacia posiciones diferentes y el movimiento se extinguió.
SURREALISMO
El surrealismo también se considera como arte contemporáneo. El término fue inventado por Apollinaire en 1917 y se hizo habitual en la revista Littérature. El movimiento comenzó en París en 1924 y continuó durante la década de los treinta. El surrealismo poseía conexiones con el dadaísmo y con la pintura de De Chirico. Los recursos que usaban los pintores de este estilo del arte contemporáneo son: animación del mundo inanimado, metamorfosi, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, confrontación de elementos incongruentes, perspectivas vacías y la creación evocativa del caos. Los principales artistas fueron: Marcel Duchamp, Max Ernst, Salvador Dalí, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux, entre otros.
OTROS TIPOS DE ARTE CONTEMPORÁNEO
El arte abstracto, el expresionismo abstracto, el arte cinético, el op art y, más recientemente, el NAS (Naturalismo-Abstracción-Surrealismo: estilo registrado y utilizado por el pintor gallego DIEGO DE GIRÁLDEZ) son otros de los estilos del arte contemporáneo. Las primeras manifestaciones de arte cinético se sitúan en 1910, el término proviene del griego kinesis (movimiento), por lo que se trataba de un estilo que incorpora el movimiento a la obra. Se podía distinguir entre las creaciones que se mueven al azar, sin motor, las que se mueven mecánicamente y, por último, las estáticas, con efectos de carácter óptico. Por otra parte, el op art (arte óptico) forma parte del arte cinético. Una de sus bases era que cualquier forma geométrica dibujada desde una cierta perspectiva puede perder su estabilidad en la retina de quien la contempla. El op art creó la impresión de movimiento mediante la ilusión óptica con la ayuda de medio pictóricos. El húngaro Victor Vasarely fue una de las figuras capitales del cinetismo.
El arte contemporáneo se le suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este periodo. En sentido amplio, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época.
En realidad el arte contemporáneo es un estilo que abarca una multitud de estilos nacidos a principios del siglo XX.
FAUVISMO
En primer lugar, el fauvismo marcó las directrices artísticas entre 1904 y 1907. Se trataba de una reacción contra el impresionismo. El color era el elemento principal del cuadro y se utilizaba de una manera apasionada. Los artistas del fauvismo, tales como Vlaminck, Signac y Henri Matisse, se inclinaban por las manchas planas y extensas. Este estilo de arte contemporáneo fue efímero, pero algunos de sus seguidores continuaron aplicando la técnica fauvista, como es el caso del pintor contemporáneo Dufy.
CUBISMO
En segundo lugar, dentro de lo que llamamos “arte contemporáneo” también se encuentra el cubismo, cuyos creadores fueron Pablo Picasso y Georges Braques. El movimiento se desarrolló entre 1904 y 1917 y sus características principales son: el uso de tonos neutros (grises, blancos, verdes claros), los ángulos de observación del objeto, que se multiplican para obtener una cuarta dimensión; los interiores, que son representados mediante transparencias; la luz, que desaparece definitivamente; y por último, la exaltación del plano, que se hace más intensa que en el fauvismo.
EXPRESIONISMO
El expresionismo ha sido también uno de los estilos del arte contemporáneo. El movimiento surgió en Alemania en 1905 cuando se constituyó en Dresden el estilo llamado Die Brücke (el puente). Sus antecesores se remontaban al último tercio del siglo XIX: eran Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Munch y Ensor. Desde su fundación Die Brücke celebró exposiciones que fueron recibidas con escándalo e incomprensión. Los expresionistas expresaban las angustias internas del individuo mediante una pintura dramática, expresiva, y a través de la deformación y caricaturización de las figuras. Algunos de los miembros más importantes de este estilo fueron: Krichner, Schmidt- Rottluff y Emil Nolde.
DADAÍSMO
Por otra parte, al referirse al arte contemporáneo también es importante señalar el movimiento dadá. Se desarrolló entre 1915 y 1922 en Zúrich en protesta por la primera guerra mundial y después se extendió a Berlín, París, y Nueva York. Los fundadores del dadaísmo fueron Hans Arp y el poeta Tristan Tzara, quienes quisieron mofarse del arte tradicional ridiculizando la tecnología y el progreso. Los artistas de este movimiento tenían como uno de sus objetivos el de escandalizar a la burguesía. Uno de los métodos que utilizaban para este fin era realizar cuadros con basuras, o elevar un orinal a la categoría de arte.
Tras la guerra, los dadaístas más representativos evolucionaron hacia posiciones diferentes y el movimiento se extinguió.
SURREALISMO
El surrealismo también se considera como arte contemporáneo. El término fue inventado por Apollinaire en 1917 y se hizo habitual en la revista Littérature. El movimiento comenzó en París en 1924 y continuó durante la década de los treinta. El surrealismo poseía conexiones con el dadaísmo y con la pintura de De Chirico. Los recursos que usaban los pintores de este estilo del arte contemporáneo son: animación del mundo inanimado, metamorfosi, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, confrontación de elementos incongruentes, perspectivas vacías y la creación evocativa del caos. Los principales artistas fueron: Marcel Duchamp, Max Ernst, Salvador Dalí, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux, entre otros.
OTROS TIPOS DE ARTE CONTEMPORÁNEO
El arte abstracto, el expresionismo abstracto, el arte cinético, el op art y, más recientemente, el NAS (Naturalismo-Abstracción-Surrealismo: estilo registrado y utilizado por el pintor gallego DIEGO DE GIRÁLDEZ) son otros de los estilos del arte contemporáneo. Las primeras manifestaciones de arte cinético se sitúan en 1910, el término proviene del griego kinesis (movimiento), por lo que se trataba de un estilo que incorpora el movimiento a la obra. Se podía distinguir entre las creaciones que se mueven al azar, sin motor, las que se mueven mecánicamente y, por último, las estáticas, con efectos de carácter óptico. Por otra parte, el op art (arte óptico) forma parte del arte cinético. Una de sus bases era que cualquier forma geométrica dibujada desde una cierta perspectiva puede perder su estabilidad en la retina de quien la contempla. El op art creó la impresión de movimiento mediante la ilusión óptica con la ayuda de medio pictóricos. El húngaro Victor Vasarely fue una de las figuras capitales del cinetismo.
sábado 2 de febrero de 2008
LOS 22 GRANDES DE LA PINTURA Y ESCULTURA EN GALICIA
LOS 22 GRANDES DE LA PINTURA Y ESCULTURA EN GALICIA:
Agradecemos la información que nos envían y la transcribimos a continuación:
PINTORES
FERNANDO ALVAREZ DE SOTOMAYOR
SERAFÍN AVENDAÑO
JOSÉ FRAU RUIZ
CONSTANTINO GRANDIO
URBANO LUGRIS GONZÁLEZ
FRANCISCO LLORENS DIAZ
CARMEN RODRÍGUEZ DE LEGÍSIMA
MANUEL TORRES MARTÍNEZ
DIEGO DE GIRÁLDEZ
JOSÉ OTERO ABELEDO “LAXEIRO”
MANUEL COLMEIRO GUIMARÁS
JORGE CASTILLO CASALDERREY
ÁNGEL SEVILLANO ESTREMERA
ARTURO SOUTO FEIJOO
EUGENIO GRANEL
ESCULTORES
LUIS CONS PAZOS
XOSE EIROA BARRAL
ACISCLO MANZANO
SILVERIO RIVAS
JESÚS VALVERDE ALONSO
MANUEL FERREIRO BADÍA
FRANCISCO LEIRO LOIS
Agradecemos la información que nos envían y la transcribimos a continuación:
PINTORES
FERNANDO ALVAREZ DE SOTOMAYOR
SERAFÍN AVENDAÑO
JOSÉ FRAU RUIZ
CONSTANTINO GRANDIO
URBANO LUGRIS GONZÁLEZ
FRANCISCO LLORENS DIAZ
CARMEN RODRÍGUEZ DE LEGÍSIMA
MANUEL TORRES MARTÍNEZ
DIEGO DE GIRÁLDEZ
JOSÉ OTERO ABELEDO “LAXEIRO”
MANUEL COLMEIRO GUIMARÁS
JORGE CASTILLO CASALDERREY
ÁNGEL SEVILLANO ESTREMERA
ARTURO SOUTO FEIJOO
EUGENIO GRANEL
ESCULTORES
LUIS CONS PAZOS
XOSE EIROA BARRAL
ACISCLO MANZANO
SILVERIO RIVAS
JESÚS VALVERDE ALONSO
MANUEL FERREIRO BADÍA
FRANCISCO LEIRO LOIS
FERNANDO ALVAREZ DE SOTOMAYOR
ALVAREZ DE SOTOMAYOR, FERNANDO
Nacionalidad: España
El Ferrol 1875 - Madrid 1960
Alvarez de Sotomayor estudió el bachillerato en el Real Colegio agustino del Escorial. Intentó seguir varias carreras, dedicándose finalmente por completo a la pintura. En Madrid fue discípulo de Manuel Domínguez (mediados del Siglo XIX) que fue uno de los mejores fresquistas de la Escuela Madrileña. A los 24 años consiguió una pensión para ir a Roma por su cuadro La Familia del Anarquista el día de la Ejecución. Viajó por Italia, Francia, Bélgica y Holanda. En 1907 mostró su obra en la Exposición de Arte de Barcelona. Se trasladó a Chile donde permaneció hasta 1911 ocupando la Cátedra de Colorido y Composición en la Escuela de Bellas Artes de la que poco después fue nombrado director general. Cuando vuelve a España en 1929 participó en la Exposición Internacional de Barcelona y fue nombrado director del Museo del Prado y pintor de cámara a finales del reinado de Alfonso XIII. En 1953 fue elegido director de la Real Academia de San Fernando. Alvarez de Sotomayor cultivó en un primer momento el tema mitológico, realizando después cuadros de género y retratos. Su sentido de la composición y el color eran muy del gusto de las clases dominantes de su momento, que le recompensaron con muchos premios. Algunas de sus obras más importantes fueron Orfeo perseguido por las Bacantes y el Rapto de Europa.
Nacionalidad: España
El Ferrol 1875 - Madrid 1960
Alvarez de Sotomayor estudió el bachillerato en el Real Colegio agustino del Escorial. Intentó seguir varias carreras, dedicándose finalmente por completo a la pintura. En Madrid fue discípulo de Manuel Domínguez (mediados del Siglo XIX) que fue uno de los mejores fresquistas de la Escuela Madrileña. A los 24 años consiguió una pensión para ir a Roma por su cuadro La Familia del Anarquista el día de la Ejecución. Viajó por Italia, Francia, Bélgica y Holanda. En 1907 mostró su obra en la Exposición de Arte de Barcelona. Se trasladó a Chile donde permaneció hasta 1911 ocupando la Cátedra de Colorido y Composición en la Escuela de Bellas Artes de la que poco después fue nombrado director general. Cuando vuelve a España en 1929 participó en la Exposición Internacional de Barcelona y fue nombrado director del Museo del Prado y pintor de cámara a finales del reinado de Alfonso XIII. En 1953 fue elegido director de la Real Academia de San Fernando. Alvarez de Sotomayor cultivó en un primer momento el tema mitológico, realizando después cuadros de género y retratos. Su sentido de la composición y el color eran muy del gusto de las clases dominantes de su momento, que le recompensaron con muchos premios. Algunas de sus obras más importantes fueron Orfeo perseguido por las Bacantes y el Rapto de Europa.
SERAFÍN AVENDAÑO MARTÍNEZ
SERAFÍN AVENDAÑO MARTÍNEZ
Serafín Avendaño Martínez nace en Vigo en 1838. A muy temprana edad, con su hermano Teodomiro, se traslada a Madrid. Es discípulo de Esquível y de Villaamil. Vivamente apasionado por la luz, el vigués se sitúa en el campo con el caballete, para captar directamente la realidad no desde las formas estrictas, sino desde el cromatismo.
Fue un ejemplo del preimpresionismo de la pintura gallega. De lento pero firme reconocimiento internacional en la actualidad, si bien en vida gozó de considerable prestigio, especialmente en Italia, donde residió largos años.
Comienza muy joven a conseguir galardones, ya que en 1858 alcanza medalla de plata en la Exposición de Galicia, con una acuarela todavía anecdótica, titulada «A miña tristura». Su pintura parte de la escuela paisajística creada por el belga Carlos de Haes, aunque pronto se separa de sus modos un tanto preciosistas y fríos.
La posición económica familiar de Avendaño le permite viajar por el mundo. En la década de los sesenta conoce Estados Unidos, donde se hacen famosos sus cuadros con la impresión de los torrentes fluviales de las cataratas del Niágara. Vija también a Inglaterra, Francia y Suiza. Compitiendo con Martín Rico, alcanza pensión para Roma. En 1864 consigue tercera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes, galardón que repite en 1892, y la segunda en 1899, compartiéndola con otro gallego prematuramente fallecido, Jenaro Carreró.
Sus correrías por Europa le llevan a establecerse en Italia a partir de 1876. Allí reside hasta finales de la centuria, integrándose en la escuela paisajística de Rivara, en la que ejerce notable influencia.
Su fama le lleva a conseguir distinciones de la Corona belga y la amistad íntima del gran compositor Giuseppe Verdi, en cuya finca «La Traviatta» pasa temporadas de trabajo y relaciones cordiales.
De cuando en cuando, regresa a España, para participar en certámenes y mostrar su obra. En Vigo trabaja en la finca familiar de Bellavista, en el arranque de la barriada de Teis. Los últimos años de su vida los pasa en Valladolid, donde le llega la muerte en plena guerra Europea. Su prestigio le llevó a formar parte del jurado de exposiciones nacionales, y a colaborar en la revista «Blanco y Negro», a partir del año 1893 y hasta 1911.
En Italia se organizan numerosas exposiciones póstumas de sus obras, desde 1930 a 1990, en Roma, Turín, Génova y Milán. En Espña se le dedica atención a partir de 1940, cuando el Museo de Pontevedra, por iniciativa del maestro Xosé Filgueira Valverde, organiza la muestra titulada Enrique Campo y sus precedente.
Fallece en Valladolid en 1916.
Serafín Avendaño Martínez nace en Vigo en 1838. A muy temprana edad, con su hermano Teodomiro, se traslada a Madrid. Es discípulo de Esquível y de Villaamil. Vivamente apasionado por la luz, el vigués se sitúa en el campo con el caballete, para captar directamente la realidad no desde las formas estrictas, sino desde el cromatismo.
Fue un ejemplo del preimpresionismo de la pintura gallega. De lento pero firme reconocimiento internacional en la actualidad, si bien en vida gozó de considerable prestigio, especialmente en Italia, donde residió largos años.
Comienza muy joven a conseguir galardones, ya que en 1858 alcanza medalla de plata en la Exposición de Galicia, con una acuarela todavía anecdótica, titulada «A miña tristura». Su pintura parte de la escuela paisajística creada por el belga Carlos de Haes, aunque pronto se separa de sus modos un tanto preciosistas y fríos.
La posición económica familiar de Avendaño le permite viajar por el mundo. En la década de los sesenta conoce Estados Unidos, donde se hacen famosos sus cuadros con la impresión de los torrentes fluviales de las cataratas del Niágara. Vija también a Inglaterra, Francia y Suiza. Compitiendo con Martín Rico, alcanza pensión para Roma. En 1864 consigue tercera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes, galardón que repite en 1892, y la segunda en 1899, compartiéndola con otro gallego prematuramente fallecido, Jenaro Carreró.
Sus correrías por Europa le llevan a establecerse en Italia a partir de 1876. Allí reside hasta finales de la centuria, integrándose en la escuela paisajística de Rivara, en la que ejerce notable influencia.
Su fama le lleva a conseguir distinciones de la Corona belga y la amistad íntima del gran compositor Giuseppe Verdi, en cuya finca «La Traviatta» pasa temporadas de trabajo y relaciones cordiales.
De cuando en cuando, regresa a España, para participar en certámenes y mostrar su obra. En Vigo trabaja en la finca familiar de Bellavista, en el arranque de la barriada de Teis. Los últimos años de su vida los pasa en Valladolid, donde le llega la muerte en plena guerra Europea. Su prestigio le llevó a formar parte del jurado de exposiciones nacionales, y a colaborar en la revista «Blanco y Negro», a partir del año 1893 y hasta 1911.
En Italia se organizan numerosas exposiciones póstumas de sus obras, desde 1930 a 1990, en Roma, Turín, Génova y Milán. En Espña se le dedica atención a partir de 1940, cuando el Museo de Pontevedra, por iniciativa del maestro Xosé Filgueira Valverde, organiza la muestra titulada Enrique Campo y sus precedente.
Fallece en Valladolid en 1916.
JOSÉ FRAU RUIZ
JOSÉ FRAU RUIZ
José Frau Ruiz nació en Vigo, el 15 de mayo de 1898, en el desaparecido cuartel que la Guardia Civil, sección de Fronteras, tuvo en la calle Magallanes, semi esquina a María Berdiales, junto al también derruido Cinema Radio, ya que su padre pertenecía a dicho cuerpo y tenía vivienda en el cuartel.
La primera infancia del futuro pintor transcurre en nuestra ciudad. El nos contaba que los rosas inefables de sus paisajes eran los que veía al amanecer, contemplando la bahía, en el descampado que después sería la Plaza de Portugal.
Deambuló por España. Republicano fiel, hubo de exiliarse al concluir la guerra civil. En México transcurrieron años importantes de su creación, hasta que regresó a España y se estableció en Olmeda de las Fuentes, pueblo de Guadalajara hoy famoso por ser residencia de varios artistas notables. Ganó primera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes, preciadísimo galardón que su hija Elena regaló al museo de Castrelos, complementando la serie de obras que donó su padre y que constituyen sala monográfica.
Hace algún tiempo pedimos para él una calle en la ciudad, y la tiene, una lateral de la Comisaría de López Mora.
El Concello le dedicó una muestra antológica en la Casa das Artes, pero bien merece Frau una monografía amplia, que complemente las relativamente reducidas que, repetidamente, hemos escrito sobre su vida y obra.
La pintura de José Frau es personal e inconfundible. De recia materia y lirismo irrenunciable, sencilla y como elemental, podría ilustrar la mejor poesía de Juan Ramón Jiménez. El famoso «Platero» del poeta andaluz se encontraría a gusto trotando por los ámbitos ideales creados por el artista vigués, quien, acaso, pensó en el inmortal asnillo literario para algunos de sus cuadros.
Frau era alto, recio pero no corpulento. Rostro alargado, cabello liso, canoso, manos grandes y hablar pausado, jamás levantaba la voz. No gesticulaba, y menos aún, presumía nunca de su talento.
José Frau Ruiz nació en Vigo, el 15 de mayo de 1898, en el desaparecido cuartel que la Guardia Civil, sección de Fronteras, tuvo en la calle Magallanes, semi esquina a María Berdiales, junto al también derruido Cinema Radio, ya que su padre pertenecía a dicho cuerpo y tenía vivienda en el cuartel.
La primera infancia del futuro pintor transcurre en nuestra ciudad. El nos contaba que los rosas inefables de sus paisajes eran los que veía al amanecer, contemplando la bahía, en el descampado que después sería la Plaza de Portugal.
Deambuló por España. Republicano fiel, hubo de exiliarse al concluir la guerra civil. En México transcurrieron años importantes de su creación, hasta que regresó a España y se estableció en Olmeda de las Fuentes, pueblo de Guadalajara hoy famoso por ser residencia de varios artistas notables. Ganó primera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes, preciadísimo galardón que su hija Elena regaló al museo de Castrelos, complementando la serie de obras que donó su padre y que constituyen sala monográfica.
Hace algún tiempo pedimos para él una calle en la ciudad, y la tiene, una lateral de la Comisaría de López Mora.
El Concello le dedicó una muestra antológica en la Casa das Artes, pero bien merece Frau una monografía amplia, que complemente las relativamente reducidas que, repetidamente, hemos escrito sobre su vida y obra.
La pintura de José Frau es personal e inconfundible. De recia materia y lirismo irrenunciable, sencilla y como elemental, podría ilustrar la mejor poesía de Juan Ramón Jiménez. El famoso «Platero» del poeta andaluz se encontraría a gusto trotando por los ámbitos ideales creados por el artista vigués, quien, acaso, pensó en el inmortal asnillo literario para algunos de sus cuadros.
Frau era alto, recio pero no corpulento. Rostro alargado, cabello liso, canoso, manos grandes y hablar pausado, jamás levantaba la voz. No gesticulaba, y menos aún, presumía nunca de su talento.
CONSTANTINO GRANDÍO LÓPEZ
CONSTANTINO GRANDÍO LÓPEZ (1925-1977)
Máis coñecido como Tino Grandío, foi un pintor que naceu no ano 1925 na parroquia de Lousada. Os seus primeiros estímulos recíbeos dun industrial parente seu, gran coleccionista de pintura e animador de empresas artísticas. Cunha pensión da Deputación Provincial de Lugo, instálase en Madrid e intégrase no grupo da Escola de Madrid que fomenta as tertulias do Café Gijón, onde a presenza do mozo galego é constante xunto con Díaz Caneja, Cristino Mallo e Francisco Arias, entre outros.
Foi un pintor moi premiado dende que era moi novo, xa que no ano 1944 obtivo o Provincial de Lugo, que repite nove anos máis tarde en escultura. Nas nacionais de Belas Artes escalou todos os postos: terceira medalla en 1959, segunda en 1961 e primeira en 1965. Foi tamén gran premio da Dirección Xeral de Belas Artes e da bolsa March, en 1965. Un ano despois foi gran premio e medalla de honra na primeira Bienal galega, galardón que repetiu en Marbella en 1971, logo de recibir o disputado premio Repesa en 1968, ata entón o mellor dotado economicamente de España, por unha interpretación libre da "Venus do espello" de Velázquez.
Comenzou a expor en 1957, cunha mostra que lle deu notoriedade, na Dirección Xeral de Belas Artes, en Madrid. Despois, as súas mostras sucedéronse en toda España e en París, Nova York, Suíza, Alemaña e Sudamérica. Foi designado socio de honra do Círculo de Belas Artes de Madrid. A súa obra figura no Museo de Arte Contemporánea de Madrid, en case todos os de España e en numerosos de Europa e América.
Nos comezos da súa etapa madrileña vestía atavío folclórico e sempre tocou a gaita, dedicación que consideraba inexcusable como fonte de inspiración. Debuxaba dun modo inclasificable. Algúns dos seus cadros, como o retrato do Xeneral Franco, por suposto que imaxinario, son xa historia da pintura contemporánea e da historia de España.
A pintura de Grandío é difícil de definir. Agás contadas excepcións, é case monocromático e abundan os grises con brancos e algún negro atenuado. As súas composicións de figuras con siluetas, apenas perfiladas, sobre as que mancha con materia moi tinguida, ocasinalmente grosa.
Máis coñecido como Tino Grandío, foi un pintor que naceu no ano 1925 na parroquia de Lousada. Os seus primeiros estímulos recíbeos dun industrial parente seu, gran coleccionista de pintura e animador de empresas artísticas. Cunha pensión da Deputación Provincial de Lugo, instálase en Madrid e intégrase no grupo da Escola de Madrid que fomenta as tertulias do Café Gijón, onde a presenza do mozo galego é constante xunto con Díaz Caneja, Cristino Mallo e Francisco Arias, entre outros.
Foi un pintor moi premiado dende que era moi novo, xa que no ano 1944 obtivo o Provincial de Lugo, que repite nove anos máis tarde en escultura. Nas nacionais de Belas Artes escalou todos os postos: terceira medalla en 1959, segunda en 1961 e primeira en 1965. Foi tamén gran premio da Dirección Xeral de Belas Artes e da bolsa March, en 1965. Un ano despois foi gran premio e medalla de honra na primeira Bienal galega, galardón que repetiu en Marbella en 1971, logo de recibir o disputado premio Repesa en 1968, ata entón o mellor dotado economicamente de España, por unha interpretación libre da "Venus do espello" de Velázquez.
Comenzou a expor en 1957, cunha mostra que lle deu notoriedade, na Dirección Xeral de Belas Artes, en Madrid. Despois, as súas mostras sucedéronse en toda España e en París, Nova York, Suíza, Alemaña e Sudamérica. Foi designado socio de honra do Círculo de Belas Artes de Madrid. A súa obra figura no Museo de Arte Contemporánea de Madrid, en case todos os de España e en numerosos de Europa e América.
Nos comezos da súa etapa madrileña vestía atavío folclórico e sempre tocou a gaita, dedicación que consideraba inexcusable como fonte de inspiración. Debuxaba dun modo inclasificable. Algúns dos seus cadros, como o retrato do Xeneral Franco, por suposto que imaxinario, son xa historia da pintura contemporánea e da historia de España.
A pintura de Grandío é difícil de definir. Agás contadas excepcións, é case monocromático e abundan os grises con brancos e algún negro atenuado. As súas composicións de figuras con siluetas, apenas perfiladas, sobre as que mancha con materia moi tinguida, ocasinalmente grosa.
URBANO LUGRÍS GONZÁLEZ
URBANO LUGRÍS GONZÁLEZ 1908 (23 de diciembre de 1973)
Lugar de nacimiento: A Coruña
OBRAS REALIZADAS:
Antes de 1936 había colaborado en las Misiones Pedagógicas con Rafael Dieste, haciendo guiñol y escenografía. Sus primeras exposiciones datan de los años cuarenta. En 1949, hizo una exposición en la sala "Macarrón" (Madrid) y dos años más tarde comenzó una época de gran actividad y decisiva en su creación. Pintó el Tríptico de las lamentaciones, que puede ser considerada como una de sus obras maestras. En 1952, realizó dos ilustraciones para el libro de poemas El vagabundo de Luz Pozo Garza. Además de su importante colaboración en la revista coruñesa "Atlántida", con numerosas ilustraciones y dibujos, estos son algunos de los títulos más importantes de Urbano Lugrís: Sonata, Paisaje con fiesta, Cormoranes, Fondo marino, Virgen del Cristal, Torre de Hércules, Pez, Nieve en el puerto, Homaxe aos músicos do mar, Habitación de un marino viejo, El anticuario, Conchas marinas, Caballo marino, Ramo marino, etc. Además, realizó murales para la cofradía de pescadores de Malpica (A Coruña) y decoró tabernas, restaurantes y el Instituto de Cultura Hispánica.
OTROS DATOS DE INTERÉS:
La Asociación de la Prensa de A Coruña celebró una exposición homenaje en octubre de 1975. También rindieron homenaje a Urbano Lugrís y a su obra la sala "Giannini" de A Coruña (1975) y la galería "Ábside" (1981).
La música y la literatura estuvieron presentes en su infancia y en su obra (su madre fue pianista y su padre, Manuel Lugrís Freire, escritor). En sus primeros años su formación fue autodidacta y su dedicación a la pintura fue tardía.
Lugar de nacimiento: A Coruña
OBRAS REALIZADAS:
Antes de 1936 había colaborado en las Misiones Pedagógicas con Rafael Dieste, haciendo guiñol y escenografía. Sus primeras exposiciones datan de los años cuarenta. En 1949, hizo una exposición en la sala "Macarrón" (Madrid) y dos años más tarde comenzó una época de gran actividad y decisiva en su creación. Pintó el Tríptico de las lamentaciones, que puede ser considerada como una de sus obras maestras. En 1952, realizó dos ilustraciones para el libro de poemas El vagabundo de Luz Pozo Garza. Además de su importante colaboración en la revista coruñesa "Atlántida", con numerosas ilustraciones y dibujos, estos son algunos de los títulos más importantes de Urbano Lugrís: Sonata, Paisaje con fiesta, Cormoranes, Fondo marino, Virgen del Cristal, Torre de Hércules, Pez, Nieve en el puerto, Homaxe aos músicos do mar, Habitación de un marino viejo, El anticuario, Conchas marinas, Caballo marino, Ramo marino, etc. Además, realizó murales para la cofradía de pescadores de Malpica (A Coruña) y decoró tabernas, restaurantes y el Instituto de Cultura Hispánica.
OTROS DATOS DE INTERÉS:
La Asociación de la Prensa de A Coruña celebró una exposición homenaje en octubre de 1975. También rindieron homenaje a Urbano Lugrís y a su obra la sala "Giannini" de A Coruña (1975) y la galería "Ábside" (1981).
La música y la literatura estuvieron presentes en su infancia y en su obra (su madre fue pianista y su padre, Manuel Lugrís Freire, escritor). En sus primeros años su formación fue autodidacta y su dedicación a la pintura fue tardía.
FRANCISCO LLORENS DÍAZ
FRANCISCO LLORENS DÍAZ
Francisco Llorens Díaz nace en La Coruña en 1874. Fue el menor de los tres hijos de un industrial de origen catalán y una gallega. Inició los estudios de comercio, que abandonó para matricularse en la Escuela de Artes y Oficios, donde tuvo como profesor a Román Navarro, militar y pintor que permutó al padre de Picasso la cátedra de Barcelona por la de la urbe herculina, a donde deseaba volver y por la que abandonó altos destinos en el Palacio de Oriente, cerca de la Familia Real.
Para no defraudar a su padre, Paco, como se le conoció siempre, concluyó los estudios de Comercio y se trasladó a Madrid en 1892 para seguir los de arte en la Escuela de San Fernando, donde tuvo como profesor a Carlos de Haes, lo que probablemente orientó su verdadera dedicación como pintor. Entregado por completo al arte, Lloréns acude también al estudio de Sorolla, donde aprende a amar la luz sobre todas las cosas y a soltar la pincelada en la libertad de que siempre hizo alarde el maestro valenciano.
Concluida la carrera, comienza a acudir a las Explosiones Nacionales de Bellas Artes, desde 1895, aunque todavía con cuadros que no son paisaje puro. Entre cerca de un millar de expositores, obtuvo mención honorífica.
Realiza sus primeros encargos para el Casino de A Coruña en 1897. Regresa a su ciudad natal y se dedica al retrato, encargo por entonces frecuente en los ámbitos de la burguesía a que pertenecía su familia. En 1903 el artista consigue, tras reñidas y repetidas oposiciones que causaron escándalo, pensión para Roma.
Va adquiriendo notabilidad, puesto que en 1903 le hace una cabeza al escultor Alsina. Lloréns pinta, lee y escribe sus impresiones italianas, que publican los diarios de Galicia, y que recorre con Manuel Benedito y otros artistas pensionados. Uno de sus cuadros italianos, «El golfo de Nápoles», impresiona vivamente al rey Víctor Manuel y lo adquiere el embajador de España en Roma para que decore el palacio del Quirinal.
Visita los Países Bajos, que tanto influyeron en su paisano Sotomayor. Sigue concurriendo a las nacionales de Bellas Artes, y en la de 1907 consigue tercera medalla, por un paisaje, cuadro con el que repite galardón en la Exposición de Barcelona del mismo año. El cuadro titulado «La Encina», fue adquirido por un médico de la Casa Real, la viuda del cual lo donó al artista y éste al Ayuntamiento de A Coruña. Sigue cultivando el retrato. En 1902, posa para él la condesa Emilia Pardo Bazán.
En 1908 gana segunda medalla en la Nacional de Bellas Artes. Su versatilidad le lleva incluso a cultivar el cartel. Participa en importantes colectivas en Galicia, Madrid y Buenos Aires.
En los años de la guerra europea, Lloréns gana cátedra de Comercio con destino en Madrid. Es elegido presidente de la sección de Pintura del Círculo de Bellas Artes. Nuevas exposiciones y presencia constante en las nacionales de Bellas Artes, hasta que en la de 1922 consigue la ansiada primera medalla. Este título se añade a otros conseguidos en la Internacional de Barcelona, 1907, Internacional de Buenos Aires, 1910, y la Universal de Panamá, 1916. Fue también Gran Cruz de la Corona de Bélgica y socio de honor en el Salón de Otoño, así como miembro de número de la Real Academia de San Fernando, desde 1943.
Su obra se extiende por el mundo. Paisajista consolidado, definidor del clima especial de Galicia y en concreto de las rías gallegas y sus marismas.
Los años de la guerra civil son difíciles para el artista, que transcurren entre Madrid y Valencia. Concluida la contienda vuelve a la actividad. Es designado socio de honor de la Real Academia Gallega. Su último gran éxito es alcanzar la cátedra de paisaje en la Escuela de San Fernando.
Su salud degenera. Padece pérdidas de memoria. Fallece el 11 de febrero de 1948. En 1972 se celebra en Madrid una gran exposición retrospectiva de Lloréns, que se repetiría más recientemente en A Coruña y Vigo.
Francisco Llorens Díaz nace en La Coruña en 1874. Fue el menor de los tres hijos de un industrial de origen catalán y una gallega. Inició los estudios de comercio, que abandonó para matricularse en la Escuela de Artes y Oficios, donde tuvo como profesor a Román Navarro, militar y pintor que permutó al padre de Picasso la cátedra de Barcelona por la de la urbe herculina, a donde deseaba volver y por la que abandonó altos destinos en el Palacio de Oriente, cerca de la Familia Real.
Para no defraudar a su padre, Paco, como se le conoció siempre, concluyó los estudios de Comercio y se trasladó a Madrid en 1892 para seguir los de arte en la Escuela de San Fernando, donde tuvo como profesor a Carlos de Haes, lo que probablemente orientó su verdadera dedicación como pintor. Entregado por completo al arte, Lloréns acude también al estudio de Sorolla, donde aprende a amar la luz sobre todas las cosas y a soltar la pincelada en la libertad de que siempre hizo alarde el maestro valenciano.
Concluida la carrera, comienza a acudir a las Explosiones Nacionales de Bellas Artes, desde 1895, aunque todavía con cuadros que no son paisaje puro. Entre cerca de un millar de expositores, obtuvo mención honorífica.
Realiza sus primeros encargos para el Casino de A Coruña en 1897. Regresa a su ciudad natal y se dedica al retrato, encargo por entonces frecuente en los ámbitos de la burguesía a que pertenecía su familia. En 1903 el artista consigue, tras reñidas y repetidas oposiciones que causaron escándalo, pensión para Roma.
Va adquiriendo notabilidad, puesto que en 1903 le hace una cabeza al escultor Alsina. Lloréns pinta, lee y escribe sus impresiones italianas, que publican los diarios de Galicia, y que recorre con Manuel Benedito y otros artistas pensionados. Uno de sus cuadros italianos, «El golfo de Nápoles», impresiona vivamente al rey Víctor Manuel y lo adquiere el embajador de España en Roma para que decore el palacio del Quirinal.
Visita los Países Bajos, que tanto influyeron en su paisano Sotomayor. Sigue concurriendo a las nacionales de Bellas Artes, y en la de 1907 consigue tercera medalla, por un paisaje, cuadro con el que repite galardón en la Exposición de Barcelona del mismo año. El cuadro titulado «La Encina», fue adquirido por un médico de la Casa Real, la viuda del cual lo donó al artista y éste al Ayuntamiento de A Coruña. Sigue cultivando el retrato. En 1902, posa para él la condesa Emilia Pardo Bazán.
En 1908 gana segunda medalla en la Nacional de Bellas Artes. Su versatilidad le lleva incluso a cultivar el cartel. Participa en importantes colectivas en Galicia, Madrid y Buenos Aires.
En los años de la guerra europea, Lloréns gana cátedra de Comercio con destino en Madrid. Es elegido presidente de la sección de Pintura del Círculo de Bellas Artes. Nuevas exposiciones y presencia constante en las nacionales de Bellas Artes, hasta que en la de 1922 consigue la ansiada primera medalla. Este título se añade a otros conseguidos en la Internacional de Barcelona, 1907, Internacional de Buenos Aires, 1910, y la Universal de Panamá, 1916. Fue también Gran Cruz de la Corona de Bélgica y socio de honor en el Salón de Otoño, así como miembro de número de la Real Academia de San Fernando, desde 1943.
Su obra se extiende por el mundo. Paisajista consolidado, definidor del clima especial de Galicia y en concreto de las rías gallegas y sus marismas.
Los años de la guerra civil son difíciles para el artista, que transcurren entre Madrid y Valencia. Concluida la contienda vuelve a la actividad. Es designado socio de honor de la Real Academia Gallega. Su último gran éxito es alcanzar la cátedra de paisaje en la Escuela de San Fernando.
Su salud degenera. Padece pérdidas de memoria. Fallece el 11 de febrero de 1948. En 1972 se celebra en Madrid una gran exposición retrospectiva de Lloréns, que se repetiría más recientemente en A Coruña y Vigo.
CARMEN RODRÍGUEZ DE LEGÍSIMA
CARMEN RODRÍGUEZ DE LEGÍSIMA
Carmen Rodríguez de Legísima nació en Lousado (Orense) en 1896. Perteneció a una familia acomodada de terratenientes y juristas. Unos de sus hermanos llegó a altas jerarquías en la vida religiosa y fue conservador de los llamados Santos Lugares de Jerusalén.
Estudió la carrera de magisterio, que nunca ejerció. Su vocación por la pintura absorbió su vida, con semejante peculiaridad que apenas fue conocida porque vivió en la más absoluta intimidad.
En 1943 realizó su primera exposición en la Sala Macarrón de Madrid animada por el pintor Salaverría, autor de un cuadro famoso en su tiempo, "La procesión del Corpus en Lezo". Ese mismo año concurrre la Exposición Nacional de Bellas Artes, y con su cuadro "Mi Hermana", hoy en la Colección Caixanova, obtiene la primera de las medallas de plata. Otros dos gallegos fueron galardonados el mismo año: Juan Luis López, con la medalla de oro, y Luis Mosquera, con otra de plata.
Muy ocasionalmente, sus cuadros figuran en colectivas dentro e fuera de España, hasta que expone de nuevo en Madrid en 1965, cuando ya circula, entre los interesados por la pintura, el deseo de saber quién es esa mujer, desconocida en los círculos habituales del arte, que fue elogiada nada menos que por el siempre sobrio, Enrique Lafuente Ferrari, quien dijo que era "La Solana Femenina".
En el Salón de Otoño de 1968 obtiene la primera medalla. Al fin se da a conocer en Vigo, donde hace su primera exposición en 1979.
Carmen Legísima, por completo alejada de cualquier vida social, vive el drama íntimo de aprender a pintar con la mano izquierda, ya que una gravísima enfermedad paralizó la mitad izquierda de su cuerpo. De ahí que los últimos cuadros de la artista muestren peculiaridades que no tenía su anterior producción.
Fallece en 1980. Su familia y unos pocos admiradores de su obra, entre ellos el pintor y paisano de Carmen, Antonio Quesada, asistieron al entierro.
La obra de Carmen de Legísima está en el Museo Español de Arte Contemporáneo, en el Museo de Castrelos, en Vigo, y en colecciones institucionales y particulares, si bien otros museos la buscan, convencidos de que se trata de una firma clave del arte gallego de este siglo.
Carmen Rodríguez de Legísima nació en Lousado (Orense) en 1896. Perteneció a una familia acomodada de terratenientes y juristas. Unos de sus hermanos llegó a altas jerarquías en la vida religiosa y fue conservador de los llamados Santos Lugares de Jerusalén.
Estudió la carrera de magisterio, que nunca ejerció. Su vocación por la pintura absorbió su vida, con semejante peculiaridad que apenas fue conocida porque vivió en la más absoluta intimidad.
En 1943 realizó su primera exposición en la Sala Macarrón de Madrid animada por el pintor Salaverría, autor de un cuadro famoso en su tiempo, "La procesión del Corpus en Lezo". Ese mismo año concurrre la Exposición Nacional de Bellas Artes, y con su cuadro "Mi Hermana", hoy en la Colección Caixanova, obtiene la primera de las medallas de plata. Otros dos gallegos fueron galardonados el mismo año: Juan Luis López, con la medalla de oro, y Luis Mosquera, con otra de plata.
Muy ocasionalmente, sus cuadros figuran en colectivas dentro e fuera de España, hasta que expone de nuevo en Madrid en 1965, cuando ya circula, entre los interesados por la pintura, el deseo de saber quién es esa mujer, desconocida en los círculos habituales del arte, que fue elogiada nada menos que por el siempre sobrio, Enrique Lafuente Ferrari, quien dijo que era "La Solana Femenina".
En el Salón de Otoño de 1968 obtiene la primera medalla. Al fin se da a conocer en Vigo, donde hace su primera exposición en 1979.
Carmen Legísima, por completo alejada de cualquier vida social, vive el drama íntimo de aprender a pintar con la mano izquierda, ya que una gravísima enfermedad paralizó la mitad izquierda de su cuerpo. De ahí que los últimos cuadros de la artista muestren peculiaridades que no tenía su anterior producción.
Fallece en 1980. Su familia y unos pocos admiradores de su obra, entre ellos el pintor y paisano de Carmen, Antonio Quesada, asistieron al entierro.
La obra de Carmen de Legísima está en el Museo Español de Arte Contemporáneo, en el Museo de Castrelos, en Vigo, y en colecciones institucionales y particulares, si bien otros museos la buscan, convencidos de que se trata de una firma clave del arte gallego de este siglo.
MANUEL TORRES MARTÍNEZ
MANUEL TORRES MARTÍNEZ
Manuel Torres Martínez nace en Marín (Pontevedra) en 1901, autodidacta de intensa y fecunda tarea como pintor, se dedicó a la enseñanza en escuelas públicas. Si primer destino lo tuvo en una parroquia viguesa, donde tomó contacto con el pintor Carlos Maside. Publica caricaturas, muy influidas por los modelos de Castelao, en diarios vigues durante los años veinte y la época de la República.
En 1927 fue becado por la Diputación Provincial de Pontevedra para estudiar en Madrid. En 1931 viaja a París con otra beca de estudios. Visita constantemente los museos, con el inagotable deseo de aprender.
Participa en la Muestra de Arte Gallego de Madrid, en 1928. Colabora en la prense madrileña y envía obras a la Nacional de Bellas Artes de 1932 con un cuadro que elogia el crítico Manuel Abril. Celebra exposiciones individuales en ciudades de Galicia. Ensaya diferentes modos de expresión, que van del óleo a la acuarela, en la que llega a ser un consumado maestro, pasando por el linóleo y otras técnicas de grabado. También talla figuras en madera, siempre buscando una tipología popular del mar o del campo gallego.
Durante la guerra civil se encierra en su villa natal de Marín y continúa pintando incansablemente. Vuelve a las exposiciones tras la contienda bélica. Se suceden en las ciudades gallegas con gran éxito. En 1982 se le dedica un antológica en la Bienal de Pontevedra, que se repetirá en 1990. También en Caixavigo realiza una antológica de la Marinense, dentro de su serie Grandes Artistas Gallegos, en 1987.
En 1992 el ayuntamiento de Marín le otorgó el título de hijo predilecto y procede a la inauguración de un museo monográfico del artista, la obra del cual está presente en todas las pinacotecas de Galicia, así como en instituciones oficiales y colecciones particulares.
Fallece en 1995.
Manuel Torres Martínez nace en Marín (Pontevedra) en 1901, autodidacta de intensa y fecunda tarea como pintor, se dedicó a la enseñanza en escuelas públicas. Si primer destino lo tuvo en una parroquia viguesa, donde tomó contacto con el pintor Carlos Maside. Publica caricaturas, muy influidas por los modelos de Castelao, en diarios vigues durante los años veinte y la época de la República.
En 1927 fue becado por la Diputación Provincial de Pontevedra para estudiar en Madrid. En 1931 viaja a París con otra beca de estudios. Visita constantemente los museos, con el inagotable deseo de aprender.
Participa en la Muestra de Arte Gallego de Madrid, en 1928. Colabora en la prense madrileña y envía obras a la Nacional de Bellas Artes de 1932 con un cuadro que elogia el crítico Manuel Abril. Celebra exposiciones individuales en ciudades de Galicia. Ensaya diferentes modos de expresión, que van del óleo a la acuarela, en la que llega a ser un consumado maestro, pasando por el linóleo y otras técnicas de grabado. También talla figuras en madera, siempre buscando una tipología popular del mar o del campo gallego.
Durante la guerra civil se encierra en su villa natal de Marín y continúa pintando incansablemente. Vuelve a las exposiciones tras la contienda bélica. Se suceden en las ciudades gallegas con gran éxito. En 1982 se le dedica un antológica en la Bienal de Pontevedra, que se repetirá en 1990. También en Caixavigo realiza una antológica de la Marinense, dentro de su serie Grandes Artistas Gallegos, en 1987.
En 1992 el ayuntamiento de Marín le otorgó el título de hijo predilecto y procede a la inauguración de un museo monográfico del artista, la obra del cual está presente en todas las pinacotecas de Galicia, así como en instituciones oficiales y colecciones particulares.
Fallece en 1995.
LUIS CONS PAZOS
LUIS CONS PAZOS 1944
Probablemente no exista un nombre con obra más exquisita, entre los nuevos creadores de formas corpóreas en Galicia, que el de Luis Cons Pazos.
Partiendo de una tradición que constituye abstracción progresiva del desnudo, y particularmente del femenino, que caracteriza a las generaciones a caballo entre los siglos XIX y XX, Cons Pazos adelgaza los volúmenes; hace que se ondulen y que al fin sean bajas referencias a lo humano, teniendo en cuenta la importancia de la materia, la belleza misma de dioritas, mármoles negros, basaltos… .Su obra es toda una, incluso la peana en un juego de curvas idealizadas, de manera que desaparezca toda agresividad del mineral utilizado para ser pura caricia a la contemplación y al tacto.
Probablemente no exista un nombre con obra más exquisita, entre los nuevos creadores de formas corpóreas en Galicia, que el de Luis Cons Pazos.
Partiendo de una tradición que constituye abstracción progresiva del desnudo, y particularmente del femenino, que caracteriza a las generaciones a caballo entre los siglos XIX y XX, Cons Pazos adelgaza los volúmenes; hace que se ondulen y que al fin sean bajas referencias a lo humano, teniendo en cuenta la importancia de la materia, la belleza misma de dioritas, mármoles negros, basaltos… .Su obra es toda una, incluso la peana en un juego de curvas idealizadas, de manera que desaparezca toda agresividad del mineral utilizado para ser pura caricia a la contemplación y al tacto.
GABRIEL XOSÉ EIROA BARRAL
GABRIEL XOSÉ EIROA BARRAL 30 de noviembre de 1892 (21 de febrero de 1935)
Lugar de nacimiento: Santiago (Santiago)
OBRAS REALIZADAS:
Dada su prematura muerte, el número de obras es escaso. Destacan principalmente Rapaza, Maternidade, Nai e fillo, Muller en repouso, Campesina, Leiteira, Cabeza.
CURRÍCULUM:
Pasa toda su vida en su ciudad natal, donde su padre tiene un taller de mármoles. Conoce a Dieste, Maside, Fole, Cunqueiro, Seoane y otros intelectuales y artistas que lo animan a esculpir. Además de esculpir en mármol, Eiroa recupera los materiales típicos gallegos como el granito y la madera. En sus obras refleja sobre todo el tema de la mujer, sobre todo la mujer-madre. También esculpe Cristos.
Lugar de nacimiento: Santiago (Santiago)
OBRAS REALIZADAS:
Dada su prematura muerte, el número de obras es escaso. Destacan principalmente Rapaza, Maternidade, Nai e fillo, Muller en repouso, Campesina, Leiteira, Cabeza.
CURRÍCULUM:
Pasa toda su vida en su ciudad natal, donde su padre tiene un taller de mármoles. Conoce a Dieste, Maside, Fole, Cunqueiro, Seoane y otros intelectuales y artistas que lo animan a esculpir. Además de esculpir en mármol, Eiroa recupera los materiales típicos gallegos como el granito y la madera. En sus obras refleja sobre todo el tema de la mujer, sobre todo la mujer-madre. También esculpe Cristos.
ACISCLO MANZANO FREIRE
ACISCLO MANZANO FREIRE
Acisclo Manzano Freire nace en Orense en 1940. Inició su formación en centros de enseñanza laboral, donde aprendió a tallar madera. Fue alumno de Asorey y de Liste. Participó, desde muy joven, en muestras artesanales, donde destaca y gana premios por su peculiarísima concepción de la forma, entonces exclusivamente en la madera.
Se vincula al grupo de Os Artistiñas, que anima en Ourense el escritor Vicente Risco, y del que forman parte Jaime Quesada, José Luis de Dios, García de Buciños, con los que recorre el mundo, desde Francia e Italia a Suecia y desde Egipto a México, en cuya capital realiza una exposición, en el Museo de Arte Moderno, que elogia al gran muralista David Alfaro Siqueiros.
Temporalmente reside en Ibiza, donde comienza a trabajar en el barro rosado de aquella isla, abandonando temporalmente la madera y el bronce, al que de todos modos volverá. Al fin se establece en Viduedo, a unos veinte kilómetros de Ourense, en la carretera a Compostela, porque siente que Fidias y el Maestro Mateo son sus referencias constantes. En la casa taller de la indicada villa, uno de los ámbitos más hermosos y personales que haya creado jamás un artista, trabaja en solitario.
Fue medalla nacional de Arte Juvenil. Ha realizado exposiciones individuales en numerosas ciudades de España y del mundo. Ha realizado monumentos públicos -tiene uno, pendiente de emplazamiento, en Vigo-. Sus relieves para instituciones públicas constituyen hoy emblema, como acontece con los que en bronce tiene en el centro cultural de Caixa Galicia, en Compostela.
Está representado en todos los Museos de Galicia, en colecciones institucionales y en otras particulares de gran importancia.
Manzano comenzó en un expresionismo de extraordinaria fuerza, a base de modificar escasa, pero genialmente, troncos abandonados y vigas de derribo. Más tarde fue hacia formas recluidas, vagamente figurativas, o a expresiones humanas muy idealizadas, donde la curva era rotunda y las rugosidades parte esencial de la morfología de sus bronces.
La etapa ibicenca, probablemente la más bella de su producción, está directamente inspirada en los restos fidianos del Partenón que conserva el British Museum. Insinuaciones de formas, a caso femeninas; fragmentos de torsos ondulaciones, con una textura primorosa donde se alterna la convexidad con las granulaciones. Sus torsos son emocionantes, a partir de una forma muy elemental en la que realiza inscripciones casi de orfebre. Las oquedades ha sabido incorporarlas idealmente al volumen resultante que es la obra. Rostros inscriptos en un bloque incisiones en el barro tierno, que al pasar a materia definitiva se enaltecen. Jaime Quesada, su amigo y admirador, lo cree un elegido de los dioses, aunque le pide que no se fie, porque las divinidades olímpicas son caprichosas.
Acisclo Manzano Freire nace en Orense en 1940. Inició su formación en centros de enseñanza laboral, donde aprendió a tallar madera. Fue alumno de Asorey y de Liste. Participó, desde muy joven, en muestras artesanales, donde destaca y gana premios por su peculiarísima concepción de la forma, entonces exclusivamente en la madera.
Se vincula al grupo de Os Artistiñas, que anima en Ourense el escritor Vicente Risco, y del que forman parte Jaime Quesada, José Luis de Dios, García de Buciños, con los que recorre el mundo, desde Francia e Italia a Suecia y desde Egipto a México, en cuya capital realiza una exposición, en el Museo de Arte Moderno, que elogia al gran muralista David Alfaro Siqueiros.
Temporalmente reside en Ibiza, donde comienza a trabajar en el barro rosado de aquella isla, abandonando temporalmente la madera y el bronce, al que de todos modos volverá. Al fin se establece en Viduedo, a unos veinte kilómetros de Ourense, en la carretera a Compostela, porque siente que Fidias y el Maestro Mateo son sus referencias constantes. En la casa taller de la indicada villa, uno de los ámbitos más hermosos y personales que haya creado jamás un artista, trabaja en solitario.
Fue medalla nacional de Arte Juvenil. Ha realizado exposiciones individuales en numerosas ciudades de España y del mundo. Ha realizado monumentos públicos -tiene uno, pendiente de emplazamiento, en Vigo-. Sus relieves para instituciones públicas constituyen hoy emblema, como acontece con los que en bronce tiene en el centro cultural de Caixa Galicia, en Compostela.
Está representado en todos los Museos de Galicia, en colecciones institucionales y en otras particulares de gran importancia.
Manzano comenzó en un expresionismo de extraordinaria fuerza, a base de modificar escasa, pero genialmente, troncos abandonados y vigas de derribo. Más tarde fue hacia formas recluidas, vagamente figurativas, o a expresiones humanas muy idealizadas, donde la curva era rotunda y las rugosidades parte esencial de la morfología de sus bronces.
La etapa ibicenca, probablemente la más bella de su producción, está directamente inspirada en los restos fidianos del Partenón que conserva el British Museum. Insinuaciones de formas, a caso femeninas; fragmentos de torsos ondulaciones, con una textura primorosa donde se alterna la convexidad con las granulaciones. Sus torsos son emocionantes, a partir de una forma muy elemental en la que realiza inscripciones casi de orfebre. Las oquedades ha sabido incorporarlas idealmente al volumen resultante que es la obra. Rostros inscriptos en un bloque incisiones en el barro tierno, que al pasar a materia definitiva se enaltecen. Jaime Quesada, su amigo y admirador, lo cree un elegido de los dioses, aunque le pide que no se fie, porque las divinidades olímpicas son caprichosas.
SILVERIO RIVAS
SILVERIO RIVAS
Silverio Rivas Alonso (Ponteareas, 24 de noviembre de 1942)
Nacido en la localidad pontevedresa de Ponteareas, inició sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Vigo, continuándolos en la de Madrid. Durante dos años trabajó en el taller del escultor Francisco Barón.
En 1979 se estableció en París, donde expone su obra, así como en Bélgica y Holanda. En 1970 acude a la Bienal de Pontevedra. Expone por primera vez en Galicia en la sala Caixavigo. Participó en la muestra de Arte nova de Galicia, que organizaba el Museo Carlos Maside en Sada (La Coruña), realizando diversas experiencias al largo de los años ochenta en el laboratorio del museo.
Sus obras recorren España, llegando al Reino Unido y Alemania. Participa en importantes exposiciones colectivas y en 1990 realiza una obra de grandes dimensiones para la Plaza de América de Vigo, llamada Puerta del Atlántico, ejemplo de simplicidad del concepto y de la plasticidad, que talló directamente en granito de Porriño.
Está representado en museos de Galicia, en otros de provincias españolas y en importantes colecciones institucionales. Silverio Rivas es un informalista que trabaja indistintamente la piedra, la madera y el bronce, aunque es en esta última materia con la que mejor se expresa. Razonante, conceptual, sus volúmenes articulados son muy sugerentes, en juegos de curvas y ángulos que adoptan diferentes morfologías. Siempre es iconoclasta, geometrizante, con influencias de Brancusi.
Silverio Rivas Alonso (Ponteareas, 24 de noviembre de 1942)
Nacido en la localidad pontevedresa de Ponteareas, inició sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Vigo, continuándolos en la de Madrid. Durante dos años trabajó en el taller del escultor Francisco Barón.
En 1979 se estableció en París, donde expone su obra, así como en Bélgica y Holanda. En 1970 acude a la Bienal de Pontevedra. Expone por primera vez en Galicia en la sala Caixavigo. Participó en la muestra de Arte nova de Galicia, que organizaba el Museo Carlos Maside en Sada (La Coruña), realizando diversas experiencias al largo de los años ochenta en el laboratorio del museo.
Sus obras recorren España, llegando al Reino Unido y Alemania. Participa en importantes exposiciones colectivas y en 1990 realiza una obra de grandes dimensiones para la Plaza de América de Vigo, llamada Puerta del Atlántico, ejemplo de simplicidad del concepto y de la plasticidad, que talló directamente en granito de Porriño.
Está representado en museos de Galicia, en otros de provincias españolas y en importantes colecciones institucionales. Silverio Rivas es un informalista que trabaja indistintamente la piedra, la madera y el bronce, aunque es en esta última materia con la que mejor se expresa. Razonante, conceptual, sus volúmenes articulados son muy sugerentes, en juegos de curvas y ángulos que adoptan diferentes morfologías. Siempre es iconoclasta, geometrizante, con influencias de Brancusi.
JESUS VALVERDE ALONSO
JESUS VALVERDE ALONSO
A súa nenez transcorre na cidade natal e na zona costeira achegada a Vigo, onde a súa familia ten residencia. Trala guerra civil, en 1941, trasládase a Madrid para cursa-la carreira de Belas Artes na Escola de San Fernando. A partir de 1951 amplía estudios en Roma, París e Londres.
Expón no ateneo madrileño en 1960 e leva a súa obra a París en 1962. En 1964 obtén a segunda medalla na Exposición Nacional e expón en Nova York, dentro da mostra colectiva de escultura contemporánea.
Participa noutros certames e en 1965 recibe unha bolsa da fundación March, ademais de lle encargaren unha maternidade para un centro hospitalario de Valencia, tema que vai repetir un ano máis tarde nun lugar público de Madrid.
En 1967 recibe o primeiro premio nacional de escultura. Participa en grandes mostras internacionais en Oslo, Amberes e Madrid. Realiza unha figura para o palacio de deportes de Vigo, en 1973. Concédenlle o premio Cáceres de Escultura en 1980. Realiza outros monumentos públicos.
Está representado en numerosos museos de España e Europa.
Valverde comeza facendo unha escultura realista dende a que derivou cara a formas máis libres, sempre baseadas nun grande dominio da anatomía e nun magnífico debuxo. Actualmente constrúe obxectos no expacio, empregando a madeira, o ferro, ferramentas da construcción e refugallos de todo tipo nun mundo conceptual e ata críptico dentro da tanxibilidade dos seus materiais.
A exposición que realizan na Casa das Artes de Vigo, en 1992, amósannos un artista novo dificilmente emparentable cos seus bronces do pasado, onde se atopaban a enerxía de Bourdelle e un modelado tradicional.
Cómpre ter en conta a súa obra en dúas dimensións porque é un debuxante magnífico, capaz de sinoptiza-la figura humana, en concreto o nu feminino, en fachenda de beleza que non mingua en absoluto a forza expresiva do resultado, moi característico do escultor, do creador de volumes rotundos que foi o vigués ó longo de moitos anos
A súa nenez transcorre na cidade natal e na zona costeira achegada a Vigo, onde a súa familia ten residencia. Trala guerra civil, en 1941, trasládase a Madrid para cursa-la carreira de Belas Artes na Escola de San Fernando. A partir de 1951 amplía estudios en Roma, París e Londres.
Expón no ateneo madrileño en 1960 e leva a súa obra a París en 1962. En 1964 obtén a segunda medalla na Exposición Nacional e expón en Nova York, dentro da mostra colectiva de escultura contemporánea.
Participa noutros certames e en 1965 recibe unha bolsa da fundación March, ademais de lle encargaren unha maternidade para un centro hospitalario de Valencia, tema que vai repetir un ano máis tarde nun lugar público de Madrid.
En 1967 recibe o primeiro premio nacional de escultura. Participa en grandes mostras internacionais en Oslo, Amberes e Madrid. Realiza unha figura para o palacio de deportes de Vigo, en 1973. Concédenlle o premio Cáceres de Escultura en 1980. Realiza outros monumentos públicos.
Está representado en numerosos museos de España e Europa.
Valverde comeza facendo unha escultura realista dende a que derivou cara a formas máis libres, sempre baseadas nun grande dominio da anatomía e nun magnífico debuxo. Actualmente constrúe obxectos no expacio, empregando a madeira, o ferro, ferramentas da construcción e refugallos de todo tipo nun mundo conceptual e ata críptico dentro da tanxibilidade dos seus materiais.
A exposición que realizan na Casa das Artes de Vigo, en 1992, amósannos un artista novo dificilmente emparentable cos seus bronces do pasado, onde se atopaban a enerxía de Bourdelle e un modelado tradicional.
Cómpre ter en conta a súa obra en dúas dimensións porque é un debuxante magnífico, capaz de sinoptiza-la figura humana, en concreto o nu feminino, en fachenda de beleza que non mingua en absoluto a forza expresiva do resultado, moi característico do escultor, do creador de volumes rotundos que foi o vigués ó longo de moitos anos
MANUEL FERREIRO BADÍA
MANUEL FERREIRO BADÍA
Manuel Ferreiro Badía nació en la ciudad de La Coruña en 1944.
Su obra abarca los diversos campos de creación artística como son la escultura, la pintura, medalla, la cerámica o el diseño. Destaca principalmente por su creación escultórica, incluida la medallística, lo que le ha llevado a ganar importantes premios y a estar representado en diversos museos e instituciones, tanto nacionales como internacionales.
El escultor Manuel Ferreiro Badía ganó en 1985 el Primer Premio "Tomás Francisco Prieto" de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, con su obra "Percepciones", uno de los más importantes premios europeos de medallística.
Destaca su producción de retratos escultóricos y la abundante obra pública del autor
Manuel Ferreiro Badía nació en la ciudad de La Coruña en 1944.
Su obra abarca los diversos campos de creación artística como son la escultura, la pintura, medalla, la cerámica o el diseño. Destaca principalmente por su creación escultórica, incluida la medallística, lo que le ha llevado a ganar importantes premios y a estar representado en diversos museos e instituciones, tanto nacionales como internacionales.
El escultor Manuel Ferreiro Badía ganó en 1985 el Primer Premio "Tomás Francisco Prieto" de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, con su obra "Percepciones", uno de los más importantes premios europeos de medallística.
Destaca su producción de retratos escultóricos y la abundante obra pública del autor
DIEGO DE GIRÁLDEZ
DIEGO DE GIRÁLDEZ
Manuel Diego Gómez de Giráldez (Pontevedra, 8 de marzo de 1956. Pintor y escultor de Galicia - España). Es uno de los grandes pintores del Realismo español y mundial contemporáneo.
Biografía
El día 8 de marzo de l956, a las 24 horas, como el que no quiere abandonar ese día, nació en A Cañiza, provincia de Pontevedra, en el seno de un familia pequeño burguesa, Diego de Giráldez, a quién le impusieron los nombres de Manuel y Diego. Hijo de Antonio, oficial de la marina mercante, y Luz empresaria de hostelería que al mismo tiempo se encarga de la educación y cuidado de los hijos, debido a que el padre estaba ausente con frecuencia, requerido por su profesión de marino; nieto, por línea paterna, de Diego y Generosa y por línea materna de Evaristo y Luz, todos naturales de A Cañiza (Pontevedra). Todo ello tiene interés para determinar la personalidad de este pintor, pequeño, algo calvo, de piel blanca y ojos oscuros, tercero de cuatro hermanos y que quizás esos prolongados periplos, de su padre, en la mar, hagan de él un niño juguetón y con inquietudes, que comienza muy temprano a dibujar, cuando a penas andaba ya “pintaba” con carbones de la “lareira” sobre papel de estraza, de envolver el pan, los que su madre desechaba. Y que hoy en día, en opinión de críticos tan significativos como Santiago Amón y Ramón Faraldo, es un “pintor sorprendente” que creó un nuevo estilo dentro de este nuevo realismo combinado con naturalismo, abstracción y surrealismo. "faca 2007" La infancia de este niño, hijo de un matrimonio maduro, tenían cuando nació Diego, el padre 41 años y la madre 38, transcurre entre los mimos y atenciones de su madre y las ausencias de su padre que ya empieza a tener problemas de salud dejándolo huérfano, el 15 de Junio de 1965, a los seis años de edad. Poco después su madre se traslada a Vigo con el resto de la familia y es donde a partir de 1967 se va formando cultural y artísticamente en sus cuatro grandes pasiones: la medicina, la anatomía, la pintura y la escultura. Este niño que responde al nombre de Diego de Giráldez pronto empieza a destacar como dibujante y ejerce, ya, como pintor que tiene todas las características para ser un nombre que pise fuerte en este “mundillo” del arte: “..., inquieto, con toda la fuerza y sabiduría de los Druidas Celtas...”, como nos recuerda Ramón Faraldo. Camina, los primeros años, silenciosamente, acumulando formación, pero hace notar su presencia entre los alumnos de la Escuela de Artes y Oficios de García Barbón - hoy Universidad Popular de Vigo- y en círculos y tertulias artísticas, siendo siempre el benjamín del grupo. El brillo de sus ojos, la constancia y la seguridad en lo que hace, presagian que este niño afable, sencillo y de sonrisa bondadosa se convierta, en lo que hoy es, en un valor artístico intemporal y universal. Este nombre de excepción entre la pintura contemporánea de los últimos años, pinta, en esa época, lo que conoce: el paisaje, sus gentes, las naturalezas muertas con colores y luces de nuestra tierra. Hoy domina una obra que ha sido catalogada, considerada por la crítica especializada, como una de las más personales de la pintura española contemporánea. En los años 70 y sobre todo a partir de 1975 existe en España, en Galicia y en Vigo un período de oscilación expresionista, que parece beber en las fuentes de los expresionistas alemanes del 62, algunos pintores buscan y no hallan en esos crecientes contrastes entre lo nacional y lo regional y lo internacional e intemporal, incertidumbre que se va aplacando en 10 o 15 años con una auténtica reflexión desde la sociedad en todas sus facetas: dentro del arte, de la literatura,.... Tensión y movimiento, que eran las características esenciales de esa época y que aparecen en el mundo del arte como un impulso ascendente, sin importar las bases fundamentales de cualquier movimiento artístico: dibujo, difuminación, equilibrio,...,contrasta con la opinión de algunos críticos y la sensación de ser arrastrados hacia abajo. Con el paso del tiempo y con una sociedad transicionada, el arte reflexiona a cerca de la vida, de lo imaginable e imaginario con total libertad de expresión desde todas las tendencias y estilos, pero eso sí “el arte ya es inseparable del oficio”, ya no sirve manchar por manchar, el “público” cada dia es más erudito. En esta pequeña ciudad, la más importante de Galicia, fermentan nuevas ideas y aparece Diego de Giráldez con un nuevo estilo, dentro de su línea, que denomina -Realismo NAS (naturalismo, abstracción, surrealismo)-, y con una tesis que registra como propiedad intelectual en el Registro Intelectual Internacional. En su obra se distinguen muchos elementos que hacen que se reconozca, a simple vista, entre todas las demás. Su gran familiaridad con la naturaleza, la notable seguridad en la observación de sus mecanismos le permite conocer sus leyes. El interés y un estudio constante de/por la anatomía le sirven como bases para plasmar sobre el lienzo la génesis empírica de lo que será su obra. Como hemos visto al principio, Diego provenía, plásticamente, de sus “experimentos” con carbones de la “lareira” y de su paso por la Escuela de Artes y Oficios, un tipo de escuela basada en poca teoría y mucha práctica, sobre todo en el dibujo. Por lo tanto y hasta 1975, la suya era una cultura autodidacta asentada en la experimentación práctica, en tertulias, en intercambios,..., y condensada en las notas que sobre la naturaleza, la vida de las gentes en el rural, la anatomía,..., iba tomando. También en esta época cultivo el aprendizaje de la escultura, que no abandonará nunca, aunque esta faceta solo la trabaje para su colección particular. Su investigación, siempre dentro de su línea -Diego respeta pero no comparte los modismos temporales y los “plagios” en el arte-, puede venir dada, en parte, para afrontar bien sus trabajos y por el estímulo del clima que hervía en la ciudad, en la que como ya hemos visto, existía una pequeña revolución cultural. Y por otra parte por profundizar en sus conocimientos y aportar algo nuevo a futuras generaciones. Vamos empezar hablando desde su primera exposición individual. En 1975 comienza su andadura artística con la primera exposición individual, en Vigo. Conoce las primeras críticas de Alvaro Cunqueiro, Francisco de Pablos, Antón Castro, Tito Gómez Giráldez,.... Este nuevo realismo detallista, primoroso, pulcro y ordenado tiene en sus obras figurativas, paisajísticas y bodegones una especie de equilibrio entre la delicadeza y la serena austeridad. Tiene también ciertas reminiscencias abstractas, surrealistas y naturalistas incluso en sus cuadros más realistas....”. También por esa época conoce a personajes como Xosé Filgueira Valverde, que fue la persona que aconsejó la compra de su primer cuadro por el Museo Provincial de Pontevedra, uniéndole hasta el final una sana amistad - al igual que con Alvaro Cunqueiro -. Con el paso del tiempo, Filgueira Valverde, escribiría: “... Din algúns que este pintor e un mestre que deprendeu o oficio dende pequeno, que sabe como manexar o pincel, o lápiz e a paleta. Eu vexo unha obra coma as mellores da nosa terra: clara, limpa, con esa luz -Luz a nai, Luz a aboa- da nosa vida labrega...”. Con Alvaro Cunqueiro hace una gran amistad, visitando, este, con frecuencia su estudio de la calle Real y Diego el despacho de la calle Carral y vivienda en Marqués de Valladares. Quizás Álvaro haya sido uno de los primeros en descubrir el talento artístico de nuestro pintor, cuando dice: “... Para ser pintor, hay que nacer, hay que soñar durante moito tempo, hai que atopar un estilo coma el, non son os mais listos, os licenciados, os que o atopan, algunhas veces son caseque nenos como Diego que saben de labrego, de ovellas e carneiros, de carballeiras e capóns -eses galos de crestas vermellas que matan o basilisco-, desas alaceas e lareiras, desas froitas que se lle poden adiviñar os vermes dentro. Eu para ver os seus bodegóns non teño que haber xantado. Teño que vir en aiunas, e daquela poido carregar o meu maxín da poesía que emanan...”. Hace amistad con José Otero Abeledo “Laxeiro” y otros pintores de la época, con “Laxeiro” la conserva hasta el final, no en vano uno de sus estudios actuales, en Vigo, está en la buhardilla que este pintor, fallecido, utilizó en la calle del Príncipe nº 26. A partir de 1977, expone en la más prestigiosas salas de toda España, se había trasladado a Cataluña donde conecta con relevantes personalidades del arte, pintores en el Colegio de Bellas Artes de Olot,..., y nombres importantes como Antoní Pichot, Gala, Salvador Dalí - al que visita con frecuencia-,..., críticos de arte como Víctor Gay, los de La Vanguardia,..., que elevan su obra y su prestigio. En Madrid visitan sus exposiciones: Ramón Faraldo, Santiago Amón,..., a estos dos críticos le llega a unir, con el pintor, una verdadera admiración por ambas partes. Hasta el extremo de comentar:“Si me preguntase ¿Qué cuadro debería incorporarse, ya, al Museo del Prado?. Seguramente me respondería que “El Cristo Hombre de Diego de Giráldez”, de este autor,...,”cuadro que tan bien ha sabido ver el prestigioso crítico Ramón Faraldo cuando dice:“Te confunde quien te llama realista, sino fueses más que eso yo estaría en otra silla,¿A quien te pareces tú?. A nadie, que yo conciba. Tú te pareces a ti. ¿Y tú Cristo - Hombre?. Insisto en esta obra de gran envergadura que ofrece una novedad dentro de la pasional tradición de las crucifixiones. Esa cruz, que nadie se ocupó de ella. Tú nos haces ver que ella no tuvo la culpa, que ella iba para mástil de barco, leña de lareira o pie de bandera, pero los hombres la condenaron a eso, a ser cómplice del deicidio. Y esto no lo vio nadie. Ni Valdés Leal, ni Grunewald, ni Salvador Dalí,...”. A Diego de Giráldez,-que hoy día está expuesto en más de cien prestigiosos museos de todo el mundo, en importantes colecciones privadas e institucionales y que ha sido seleccionado para la “Expo Universal” de Lisboa, entre los dos pintores que representan a cada nación, en este caso a España, siendo al mismo tiempo la primera vez que seleccionan a un pintor gallego-, tuve la suerte de visitarlo en su estudio de la calle Real, hace años, en compañía del gran crítico de arte, malogrado en accidente de aviación, Santiago Amón quien me dijo: “... Diego es ya uno de los grandes del realismo español contemporáneo”, luego hizo una extensa crítica, para el medio con el que yo colaboraba en esa época, y que en alguna parte se manifestaba a manera de un sugestivo ensayo y de donde recogemos algunos fragmentos que aparecerán a lo largo del libro, empezando por este: “Realista exacerbado, donde encuentra la implicidad de su poesía. En su obra se reencuentra con lo intrínseco, con las cosas mismas, y las traslada a la faz incitante del lienzo con precisión lírica. Diego de Giráldez, sabe que el arte es absolutamente inseparable del oficio. Sabe también que el blanco más blanco nace de la explosión comunitaria de todos los colores, y que el negro más negro surge cuando la noche se apodera del fulgor del arco-iris. Pintor sorprendente, creó un estilo dentro de este nuevo realismo que denomina NAS (naturalismo, abstracción, surrealismo)”. En 1980 es seleccionado para formar parte de la exposición “Maestros del Realismo Español”, a partir de este año es normal verlo, escucharlo y leerlo en distintos medios de comunicación, revistas especializadas, libros,..., sus obras están en Museos, Diputaciones, Gobiernos Autónomos, Ayuntamientos, Cámaras Municipales de Portugal, Bancos y Cajas de Ahorros, importantes colecciones privadas,.... Recorre, con exposiciones individuales Europa, sobre todo España y Portugal, aparece también en colectivas: Lisboa, París, Ginebra, El Cairo,..., los críticos se hacen más, si cabe, eco de su presencia: Santiago Amón, “ A partir de la exposición “Maestros del Realismo Español”. Las obras de Diego de Giráldez son de un nuevo realismo, del óleo y tintas se pasa a una técnica mixta..., con un gran equilibrio entre la sensibilidad y la técnica, con una pintura muy elaborada,.... En el transcurso de poco tiempo hay una actitud positiva del público y quién sabe si de los críticos, así como de los coleccionistas, importantes, de arte que empiezan a fijarse en su obra..., empieza a vender sus primeros cuadros para buenas colecciones privadas e institucionales, a participar en interesantes exposiciones de pintura española en España y el resto de Europa, proliferan las muestras individuales en relevantes galerías... y se producen las primeras adquisiciones de obras suyas por parte de museos...”. Podemos nombrar:
Museos de Artes Contemporáneas - El Cairo (Egipto), Toledo,...,
Museos de Bellas Artes-Santander, La Coruña, Murcia,...,
Museos Provinciales - Lugo, Pontevedra, Ciudad Real, Guadalajara, Cáceres, Badajoz, Menorca, Melilla,...,
Museos Diocesanos, Museos Municipales, Museos Específicos, Museos Portugueses, Museos de otras partes del mundo,....
Otros museos importantes del mundo: Vaticano, etc….
Nos sigue diciendo que: “... su obra va ganando noticia, fama y atención allende las fronteras...”. “... termina -EL CRISTO HOMBRE-, obra de gran envergadura, justo parece destacar, al lado de la virtud poética e histórica del cuadro, el carácter de proeza técnica, la condición de madera de esa cruz que la secunda sin deidad, el cristo –el hombre de rodillas-, cabizbajo, la voluntad sin freno del ejecutor y el oficio que recorre la obra de punta a cabo, tras una génesis empírica, paciente, gradualmente vivida por el creador hace a la postre, a los ojos del observador, una obra magistral”. Sobre esta obra, el autor, Diego de Giráldez nos dice en 1982: “Graznando rompí el cristal / y te vi pueblo de la sociedad por abajo, / Te grité y te pinté, / así también por donde la piedra desnuda de la calle rompe / tú quedas..../ De los brazos, la madera y el cristal, / el hombre.... / De la cuerda las ataduras de las muñecas. / Blanco... ligaduras de la frente y cintura, tristura / cabizbajo de rodillas es el hombre... / de las “tierras quemadas” debajo / quemada su piel con suficiencia / por los golpes de sol y de trabajo. / Hoy el negro, silencioso, se apodera / de mí la noche entreabierta, / interpreté colores de los colores. / La noche es un conjunto de colores / que acecha con caras de luces / que juegan a fugarse aún sin manos.” Nos recuerda Ramón Faraldo en “Recuerdos”: “... recuerdo una noche de verano, no sé si de plenilunio, o noche de primavera tardía o de otoño naciente, sentados en una mesa de mármol en La Cañiza, en compañía del colega, y sin embargo amigo, Tito Gómez. En esto, una sonrisa y unos ojos brillantes se apoyaron sobre mi rostro, y te tuve ante mí. Me hablaste con la sencillez y sabiduría que te caracteriza, con esa falta de presunción y, en todo caso, concluiste - que tu obra y la de cualquier artista no es cuestión, simplemente de oratoria, de verbo, es más, si cabe, de biología de la propia obra, que sepa defenderse por sí misma-. Noche, febril, que más bien parece incendio que noche, te ha traído a ti, amigo mío, cargado de sensaciones, de cosas de mí interés, y del interés ajeno, pero para satisfacerlo se necesita la escritura, la palabra, el verbo. Eso trías en tú sonrisa, en el brillo emergente de tus ojos, en tú serenidad, sé lo que quieres decir, pero hoy vamos a hablar en el verbo fundamental para transmitir a la continuidad de la especie. Perdóname, Diego, y cuando lleguemos al “más allá”, considera silo que alcancé a penetrar en el complejo persona-obra, que lleva tú firma, compensa el que no profundice en tú tesis, de esta noche, que entiendo. ¿Recuerdas cuando nos vimos por primera vez en aquella galería de Madrid?. Tú catálogo: “Diego estudió pintura y escultura... “. Te pregunté ¿Pintor o escultor?. Fue aquella la primera gran realización de tú mano que conocí. Me di cuenta, de gallego a gallego de escritor a plástico, que por merecimientos que todavía desconocía, estaba en tú enigmática exposición, incógnita exposición madrileña, también me di cuenta de que, quienes te seleccionaron, habían encontrado un nombre que añadir a la plástica española. Me di cuenta que estaba ante una obra intemporal e internacional de sorprendente acabado,....”. En aquellas épocas otros críticos se hicieron eco de sus exposiciones: Miguel Gil, Victor Gay, Jesús Rodríguez, César Valença, Trapero Pardo, Francís Vicents, Richard Arnold: “... La pintura de Diego de Giráldez es la de un gran maestro del “realismo”, con un manejo único del claroscuro, con un universo de gran originalidad, en algunos cuadros un tanto barroco, con figuras que semejan flotar en un espacio de radiaciones de silencio poético, donde bolas de cristal como áureas transparentes aparecen preservando un mundo dentro del propio mundo, de la propia biología del cuadro...”, Tito Gómez Giráldez : “ Diego de Giráldez que, ya, en Marzo de 1980 fue seleccionado para la exposición “Maestros del Realismo Español” con Antonio López, Eduardo Naranjo,..., sorprende por su exquisito lenguaje y poético sentido con un soberbio terminado que caracterizan a las obras maestras.... Para mí, Diego de Giráldez, es uno de los nombres significativos en el arte contemporáneo, su obra denota una elegancia austera y da la sensación de que nos encontramos ante el mayor equilibrio de sensibilidad y técnica que nos hace ver una pintura inteligentísimamente elaborada”, Antón Castro nos habla de: “ Dimensión poética de la realidad. Sin lugar a dudas, Diego de Giráldez es ya, y por derecho propio, uno de los grandes pintores de la realidad que bebe en el ancestro poético de tintes bucólicos” y Francisco Pablos que nos dice: “Su obra es un capítulo aparte en la pintura española contemporánea, que da a este pintor la calidad de maestro del realismo. Un realismo diferente, de poética implícita, de imaginable y cuasi imaginario misterio”. Aparecen libros monográficos sobre su obra, etc. En 1991 es invitado por el Excelentísimo Ayuntamiento de Vigo para inaugurar A Casa das Artes e da Historia de Vigo. Hecho que realiza con una antológica excepcional. 1992.Lalo Vázquez Gil (periodista, escritor y cronista oficial), (con motivo de la exposición de 1992 en Valladolid): Diego de Giráldez, un pintor filósofo realista. Hace algunos años - estaba yo en Valladolid-, algunos amigos me dijeron que exponía un gallego excepcional, una colección pictórica realista, surrealista o “casi”, que no dejase de verla y que les diese mi opinión. Un profesor vallisoletano que había dado clases en un Instituto de Vigo, me dijo que era “onírico”. con lo que se acercaba, evidentemente, al surrealismo y que ¡ era vigués ¡ (“¿ Lo conoces ?” “Debo conocerlo”. Y enseguida añadí: “Si es, si pinta como dices, seguro, seguro que es Diego de Giráldez”. Y lo era. Allá me fui y aunque no estaba en la sala gozamos y comentamos su pintura y estuvimos filosofando y lucubrando en torno a su obra. La muestra era verdaderamente excepcional y se celebraba en la acreditadísima sala del Centro Gallego, sociedad cultural, artística y difusora de todo lo gallego, con amplias miras, de gran prestigio en los medios entendidos y cultos de la ciudad de Felipe II. No me extrañó que la exposición alcanzase tanto éxito en una ciudad conocedora del buen arte. Jamás me defraudó Giráldez en ninguna de sus salidas. Y aquí menos - en Valladolid -, porque todo el mundillo artístico se hizo lenguas de su buen hacer - y así presumieron sus amigos y sobre todo los gallegos - vallisoletanos”-. Todos los visitantes entendieron el arte de Diego de Giráldez, que transciende más allá de lo gallego para hacerse universal en ese mundo de símbolos que introduce en su obra con pinceles de paciente pintor, de medidor, sin prisas, del tiempo, del último detalle visual, hasta alcanzar esa perfecta realidad no exenta -sin embargo-, de su huella personal intencionada. Porque el pensamiento, su sentir, sus deseos, sus ideas, sus mensajes, sus secretos, Giráldez no los expresa solo con sus representaciones, con la composición extraña, filosófica, a veces tétrica o advertidora de que hay un mundo esotérico y exotérico. No. Giráldez lo manifiesta, también, con la exactitud de visión y de plasmado material, a propósito, situándose fuera de las órbitas de la moda -algunas ya demodés-, en un punto que ha querido escoger a conciencia -sin encasillamiento absoluto y en el que se mueve por convicción. Así, sus figuras, esos cristos extrañamente crucificados, esos paños, esas aves, esos objetos vulgares -enriquecidos- van más allá de la materialidad ya simbólica tópicamente sí misma y se transforman en algo más sublime porque Giráldez las conjuga y las envuelve, invirtiendo y trastocando su significación iconográfica. Y ahí esta la dificultad para entender la pintura de Diego en su simplicidad. Hay en sus cuadros algo que nos inquieta, que no llegamos a entender absolutamente....”. En 1998 es seleccionado, como uno de los dos pintores que representará a España en la “Expo-Universal del Arte” en Lisboa, de lo mucho que se ha escrito sobre este acontecimiento se me ocurre traer a estas páginas el título con el que Francisco de Pablos encabezó una extensa crónica en Faro de Vigo: “Diego de Giráldez, una estrella plástica en la “Expo’98” de Lisboa”, creo que con esto queda todo dicho, no obstante recogemos párrafos de artículos de la prensa de Vigo:, -no lo hacemos con los medios portugueses, resto de Europa y resto de España, por razones obvias de espacio-.
La Voz de Galicia: “ La Exposición Internacional de Arte, que se celebra este año dentro del recinto de la Expo Universal 98 de Lisboa, ha seleccionado a Diego de Giráldez como uno de los representantes españoles dentro del certamen plástico....”. “Giráldez es uno de los dos creadores españoles seleccionados para este certamen que muestra las creaciones de dos autores por cada país....”. “El artista, afincado en Vigo, expone sus obras en la “Expo Universal 98” de Lisboa.”.
Faro de Vigo: “... El pintor vigués de adopción cuyo reconocimiento lo certifican datos como que cuadros suyos estén ya en más de 90 museos españoles, además de otros en el extranjero: Diego de Giráldez. El la Expo 98 de Lisboa estará también su obra en una muestra conjunta con otros artistas, de todo el mundo, seleccionados de países como Italia, Japón, Portugal,...”. “ Sólo dos artistas por país figuran en la excepcional muestra en Portugal” “ Entre los acontecimientos culturales que ofrece la Expo 98 de Lisboa, el último certamen del milenio en su carácter, está la Exposición Internacional de Arte, para la que se han seleccionado artistas famosos de todo el mundo, y únicamente dos por cada país representado. Por España, uno de ellos es Diego de Giráldez, gallego, residente en Vigo, donde tiene su estudio y trabaja habitualmente...”. “... su obra esta expandida por todo el mundo”, “... están en diversos museos y colecciones particulares...”.
Diego de Giráldez: Inquietudes
Diego de Giráldez, mantiene a lo largo de su vida una extensa e intensa relación con la medicina natural y especialmente con la anatomía. En su permanente deseo de reflejar el cuerpo humano en la naturaleza, dentro de una ilimitada capacidad inventiva que lo diferencia.
Museos
Su obra está representada en más de 150 importantes museos del mundo.
Obra
Como pintor, Diego de Giráldez, no tuvo un estilo o técnica única, hasta que inventó el Realismo NAS. Lo mejor de su producción artística se desarrolla dentro de este realismo de gran detalle y composición genial, que refleja su mundo particular onírico. Algunas de sus obras son:
Gallega (1981)
Huerta (1981)
Reproducción del ser vivo (1981)
Cristo hombre (1982)
Preside la naturaleza (1985)
Observando la naturaleza (1985)
De espaldas (1987)
Comienzo de la humanidad (1987)
Simbolización (1995)
Campesino (1989)
Maternidad, el aliento de la vida (1989)
El hombre es bruto (1990)
La pesca (1990)
Le rodea la vida (1991)
Gallo africano (1995)
Soldados (1997)
Retrato (1998)
Gallo de infierno (1998)
El agua (1998)
La vida (1998)
En el aire (1998)
A continuación recogemos varios fragmentos de escritos, críticas de arte y libros bibliograficos realizados por importantes plumas del mundo de la cultura sobre Diego de Giráldez. Ésta página, hija de varias y valiosas plumas, tiene una razón de ser: la existencia de un gran pintor – Diego de Giráldez – cuya obra y dilatada vida artística seguimos, junto a una plural interpretación de su arte. Por lo tanto formará parte de su importante bibliografía en la cual este trabajo, esperamos, tendrá una gran importancia y en futuros estudios, que no faltarán, deberán contar con ella…
Bibliografía y Críticas de Arte
Faraldo, Ramón: El mundo de Diego de Giráldez. Lugo, Diputación Provincial, 1991.
Pablos, Francisco: Diego de Giráldez y su realismo. Pontevedra, Diputación Provincial, 1990.
Pablos, Francisco: Plástica gallega. Vigo, Caixavigo, 1981.
Gómez, Enrique: Diego de Giráldez. La realidad y su espejo. Editorial Nigra, S.L., 2001. Etc. Etc.
Xosé Francisco Armesto Faginas: Alvaro Cunqueiro, en tanta cousas mestre, que tivo tamén moito de neno grande, foi un dos primeiros que celebrou a pintura de Diego Giráldez. Atopo moitas cousas en común entre ámbolos dous, por exemplo - algo non cativo-- o amor polas pequenas cousas, a ledicia, poño por caso, ó sentir o canto dun paxaro ou dun galo, coma quen escoita a voz do mestre solista dun gran coro...
Alvaro Cunqueiro (Escritor y Poéta). Para ser pintor, hai que nacer, hai que soñar durante moito tempo, hai que atopar un estilo coma él, non son os mais listos, os licenciados, os que o atopan, algunhas veces son caseque nenos como Diego que saben de labrego, de ovellas e carneiros, de carballeiras e capóns -eses galos de crestas vermellas que matan o basilisco-, desas alaceas e lareiras, desas froitas que se lle poden adiviñar os vermes dentro. Eu para ver os seus bodegóns non teño que haber xantado. Teño que vir en aiunas, e daquela poido carregar o meu maxín da poesía que emanan...
Xosé Filgueira Valverde (Escritor). Din algúns que este pintor e un mestre que deprendeu o oficio dende pequeno, que sabe como manexar o pincel, o lápiz e a paleta. Eu vexo unha obra coma as mellores da nosa terra: clara, limpa, con esa luz -Luz a nai, Luz a aboa- da nosa vida labrega...
Francisco Fernández del Riego (Escritor y Presidente de la Real Academia Gallega - 1998): Pintor lírico as máis das veces, significativo e anovador, non xoga con figuras dalgún xeito recoñecibles, senón coa imaxinación. O sentido particular que o califica ven ser a posibilidade dun estilo e dunhas formas que reflicten un concepto de pintura expansible e universal...
Carlos Casares (Escritor y Presidente do Consello da Cultura Galega). Teño seguido con atención a súa obra, hoxe coñecida e valorada tanto dentro como fóra de Galicia. En Diego de Giráldez coinciden a realidade representada e a forma en que se representa, podemos falar de acerto expresivo. O pintor é dono do seu mundo e da súa obra. Estou convencido de que Diego de Giráldez chegou a ese estadio e que agora pinta con máis liberdade. É a liberdade que a un creador lle da sempre a seguridade na utilización dunha técnica que emprega con naturalidade...
Domingo García-Sabell ( Académico de número de la Real Academia Gallega. Escritor. Ex – delegado del gobierno en Galicia). Diego de Giráldez, no seu esforzo creador, chouta por riba das categorías plásticas establecidas...
Antón Fraguas(Cronista Oficial de Galicia, Presidente del Patronato del Museo do Pobo Galego). O pintor e xenial artista, Diego de Giráldez, vai interpretando os diferentes momentos do ano ós que Don Ramón Otero Pedraio deu o seu valor xeográfico... O artista, este pintor, ten un espírito tan altamente creador que fixa as súas obras no máis fino realismo...
Antón Castro (Crítico de Arte y profesor de Arte Contemporáneo de la Universidad de Vigo). Sin lugar a dudas, Diego de Giráldez es ya, y por derecho propio, uno de los grandes pintores de la realidad que bebe en el ancestro poético de tintes bucólicos”
Xavier Costa Clavell (Periodista, escritor):”CREATIVIDAD Y ESTILO EN LA PINTURA DE GIRÁLDEZ”. Como dijo Picasso, Giráldez no busca, sino que encuentra, y los hallazgos se proyectan en las superficies pintadas con un sello propio, algo que sólo está al alcance de los auténticos creadores. No deja de ser cierto lo que afirma Francisco de Pablos: “La pintura de Diego de Giráldez constituye hoy, con media docena de nombres más, el pleno de genuino realismo. También estoy de acuerdo con lo que dice Santiago Amón: “Diego de Giráldez sabe que el arte es absolutamente inseparable del oficio. Sabe también que el blanco más blanco nace de la explosión comunitaria de todos los colores, y que el negro más negro surge cuando la noche se apodera del fulgor del arco-iris. Un poeta escribió aludiendo a la obra del pintor:”Te confunde, amigo mío, / quien te llama realista...”. Cierto, porque la pintura de Giráldez es siempre algo vivo y lleno de misterio. El de la creación”.
Jordi Soletura (Ex-ministro de Cultura). Felicito a Diego de Giráldez por su valiosa y maravillosa obra que tiene en el Museo de Cuenca y que hace unos días tuve el placer de visitar… Ese genuino realismo. Esa invención suya, que denomina NAS, hace que nuestro pintor se situe en el interes de las mejores plumas y de los museos importantes.
Francisco Pablos (crítico de arte y miembro de la Academia de Bellas Artes). En la pintura de Diego de Giraldez, en las naturalezas muertas, el consigue la vida, la perennidad, la trascendencia. Surge y se impone lo inquietante. Lo común se mayusculiza, hasta lo anodino cobra importancia. Un cacharro, cualquier enser del ajuar doméstico es él, el único, el irrepetible. Es don cacharro y acaso hasta el excelentísimo señor cacharro. Diego de Giráldez es un caso peculiar. Su maestro fundamental es la naturaleza misma, y su capacidad de trascender su inmediata apariencia, su realidad concreta, han hecho de su obra un capítulo aparte en la pintura española contemporánea. Ahora goza de admiración y respeto internacional. La pintura de Diego de Giráldez constituye hoy, con media docena de nombres más, el pleno de genuino realismo. Sú pintura es única, irrepetible, capaz de ser reconocida para siempre en cuanto se ha contemplado la indefinible sensación de uno de sus cuadros”.
Ramón Faraldo - Crítico de Arte y Miembro de la Asociación Española de Críticos de Arte “El Cristo-Hombre de Diego de Giradles”: Insisto en esta obra de gran envergadura que ofrece una novedad dentro de la pasional tradición de las crucifixiones. Esa Cruz, nadie se ocupó de ella. Tú nos haces ver que ella no tuvo la culpa, que ella iba para mástil de barco, leña de lareira o pie de bandera, pero los hombres la condenaron a eso, a ser, cómplice del deicidio. Y esto no lo vio nadie. Ni Valdés Leal, ni Grunewald, ni Salvador Dalí. Tú lo has visto Diego. La aldea, el largo invierno. La hermandad con pastores y leñadores, el respeto a la materia bondadosa que nos da techo y calor. Todos los árboles de la tierra deberían, tendrían que rendirte homenaje, por haber proclamado la eterna amnistía. Honra y gloria de lo que nace inocente y muere inocentemente a nuestro servicio. Ramón Faraldo en “Recuerdos”.
“... recuerdo una noche de verano, no sé si de plenilunio, o noche de primavera tardía o de otoño naciente, sentados en una mesa de mármol en La Cañiza, en compañía del colega, y sin embargo amigo, Tito Gómez. En esto, una sonrisa y unos ojos brillantes se apoyaron sobre mi rostro, y te tuve ante mí. Me hablaste con la sencillez y sabiduría que te caracteriza, con esa falta de presunción y, en todo caso, concluiste - que tú obra y la de cualquier artista no es cuestión, simplemente de oratoria, de verbo, es más si cabe, de biología de la propia obra, que sepa defenderse por sí misma-. Noche febril, que más bien parece incendio que una noche, te ha traído a ti, amigo mío, cargado de sensaciones, de cosas de mí interés, y del interés ajeno, pero para satisfacerlo se necesita la escritura, la palabra, el verbo. Eso traías en tú sonrisa, en el brillo emergente de tus ojos, en tú serenidad, sé lo que quieres decir, pero hoy vamos a hablar en el verbo fundamental para transmitir a la continuidad de la especie. Perdóname Diego, y cuando lleguemos al “más allá”, considera si lo que alcancé a penetrar en el complejo persona-obra, que lleva tú firma, compensa el que no profundice en tú tesis, de esta noche, que entiendo. ¿Recuerdas cuando nos vimos por primera vez en aquella galería de Madrid?. Tú catálogo: “Diego estudió pintura y escultura... “. Te pregunté ¿Pintor o escultor?. Fue aquella la primera gran realización de tú mano que conocí. Me di cuenta, de gallego a gallego de escritor a plástico, que por merecimientos que todavía desconocía, estaba en tú enigmática exposición, incógnita exposición madrileña, también me di cuenta de que, quienes te seleccionaron, habían encontrado un nombre que añadir a la plástica española. Me di cuenta que estaba ante una obra intemporal y universal de sorprendente acabado,....”.
Santiago Amón (Crítico de Arte). Diego de Giráldez es ya uno de los grandes del realismo español contemporáneo... Realista exacerbado, donde encuentra la implicidad de su poesía. En su obra se reencuentra con lo intrínseco, con las cosas mismas, y las traslada a la faz incitante del lienzo con precisión lírica. Diego de Giráldez, sabe que el arte es absolutamente inseparable del oficio. Sabe también que el blanco más blanco nace de la explosión comunitaria de todos los colores, y que el negro más negro surge cuando la noche se apodera del fulgor del arco-iris... Pintor sorprendente, creó un estilo dentro de este nuevo realismo que denomina NAS (naturalismo, abstracción, surrealismo)... A partir de la exposición “Maestros del Realismo Español”. Las obras de Diego de Giráldez son de un nuevo realismo, del óleo y tintas se pasa a una técnica mixta... Con un gran equilibrio entre la sensibilidad y la técnica, con una pintura muy elaborada,.... En el transcurso de poco tiempo hay una actitud positiva del público y quién sabe si de los críticos, así como de los coleccionistas importantes de arte que empiezan a fijarse en su obra.... Empieza a vender sus primeros cuadros para buenas colecciones privadas e institucionales, a participar en interesantes exposiciones de pintura española en España y el resto de Europa, proliferan las muestras individuales en relevantes galerías.... Y se producen las primeras adquisiciones de obras suyas por parte de museos.... Su obra va ganando noticia, fama y atención allende las fronteras.... Termina -EL CRISTO HOMBRE-, obra de gran envergadura, justo parece destacar, al lado de la virtud poética e histórica del cuadro, el carácter de proeza técnica, la condición de madera de esa cruz que la secunda sin deidad, el cristo -el hombre de rodillas-, cabizbajo, la voluntad sin freno del ejecutor y el oficio que recorre la obra de punta a cabo, tras una génesis empírica, paciente, gradualmente vivida por el creador, hace a la postre, a los ojos del observador, una obra magistral....
Rafael Sánchez Bargiela (Director del Museo de Ponteareas). El realismo NAS, nacido de una personalísima combinación entre naturalismo, abstracción y surrealismo, ha convertido a Diego de Giráldez en uno de los principales exponentes de la plástica de este fin de siglo, como lo acredita su trayectoria y su obra, que forma parte ya de las colecciones de numerosos museos de nuestra Península y de otros países.
Florenci Criville i Estraqui (Director del Museu Etonográfic de Ripoll (Girona). De Diego de Giráldez se puede decir que realmente es impresionante su pintura de una rara singularidad… Quiero felicitarle por seguir siendo original y por patentizar un mensaje poético en un mundo tan trillado, opaco y reiterativo como el del arte actual...
Fernando Elorrieta (Escritor y Director de enseñanza). El análisis de la obra de Giráldez no puede quedarse en la estructura epidérmica o superficial del objeto, hay que profundizar en el sujeto, en el compromiso que oculta tras las rotundidades de la forma y la precisión del diseño. Es una obra engagée en el sentido hondo de los conceptos satrianos, el artista es un testigo de la sociedad y del momento, pero en este caso de una realidad trascendida, que horada las pulsaciones existenciales para transformarse, divinizarse, en delicadezas sutiles de sentimientos religiosos, místicos y afectivos. El estudio de una obra perfectamente construida en la composición, en el cromatismo, en la morfología no debe solapar la profundidad de los temas que el artista trata, habrá que subirse a la octava esfera para entender la diafanidad del mensaje que Diego de Giráldez nos envía. Forma y fondo, símbolo y metáfora, humildad y sabiduría, hacen de este joven demiurgo de la plástica actual un caso único y singular en el arte.
Mauro Panizo del Val (Periodista, Director de Radio Cadena Española en Vigo). Un día de 1975 un jovencísimo pintor saca sus cuadros al aire de Vigo y a la curiosidad de los vigueses. Se llama Diego de Giráldez. Elogios, comentarios, laudatorios y luego… un largo camino no en el tiempo, sí en la peripecia vital y plástica. Sigue trabajando intensamente y las exposiciones se suceden durante años: Santiago, Madrid, Barcelona, Lisboa, Ginebra, París…, saben del buen hacer de Diego de Giráldez. Ahora sigue pintando, dedicándose a la obra bien hecha. Junto a la línea ágil, el color rico, expresivo y la composición meditada. ¡Esos gallos apiñados, en una espléndida creación! ¡Esas flores, hierbas y frutos que tienen como un sentimiento de vida, un pálpito caliente, humanizado! ¡Esas figuras en las que junta a la expresividad de los rostros, aparece como un soberbio trabajo! ¡Ese difícil entramado de ropas y telas, sin envaramientos!...
Javier Rubio Moblot (Crítico de Arte) Diego de Giráldez construye con sus animales meticulosamente pintados y con esa serie de objetos (fundamentalmente esferas trasparentes) que flotan en el vacío, un mundo de asociaciones que por otra parte, tienen más que ver con la metafísica que con el surrealismo…. Diego de Giráldez ha expuesto individualmente en más de doscientas ocasiones y su obra se encuentra representada nada menos que en más de doscientos museos importantes del mundo: España, Portugal, Egipto, Vaticano,…
Lorenzo García – Diego Pérez (Crítico de arte) Toda su obra es una exaltación de paganía y refinado intelectualismo. Como maestro del arte español actual nos envuelve de magnificencia y nos liberta de la vulgaridad cotidiana. No hay nada inconsciente en su obra. No brota porque sí y falto de antecedentes en la obra de este gran pintor. Tiene trazada de antemano la trayectoria de su arte, seguro como está de que no habrán de falsearle ulteriores rectificaciones. Es un precoz en la historia de la pintura. Y no un precoz irreflexivo, inseguro, que luego había de sufrir amargos desengaños y soportar impuestas rectificaciones…
Manuel Fraga Iribarne (Presidente de la Xunta de Galicia). El pintor Diego de Giráldez nació en el seno de una familia navegante y, desde niño, se interesó por el estudio y aprendizaje de los diversos campos artístico. Dotado naturalmente para el dibujo y la pintura, y armado de un tesón y una constancia admirables, estas cualidades hicieron de Giráldez un artista singular, portador de un característico modo creativo y de una personal visión del mundo y de la vida. Estamos, pues, frente a la obra de un profundo conocedor de los entresijos, frente a un artista con oficio y con ferviente capacidad creativa, algo que nos conduce a la esencia del hombre, a la plasticidad del tiempo y del espacio.
Mariano Rajoy Brey (Ministro de Educación y Cultura) Diego de Giráldez, cuya obra y vitalidad merecen ser apreciados en profundidad y testimonian la calidad de la pintura gallega y española contemporánea. Creador pujante y salpicado de imaginación, el arte gallego, tan rico y diverso de tendencias, tiene un gran exponente en la trayectoria de este maestro pontevedrés del realismo, cuya originalidad estriba en la perfecta conjugación de lo real y lo onírico. Sus múltiples y numerosas exposiciones a lo largo y ancho de toda la geografía española, así como en el extranjero, y la presencia de su obra en más de cien museos, avalan el prestigio de este artista gallego, cuya obra despierta un gran interés en la escena artística contemporánea.
Juan Antonio Sánchez García (General – director del Museo del Ejército - Madrid). Existen en el Museo pinturas y esculturas de artistas de renombre, especialmente de los siglos XIX y XX. Entre los últimos, figura la personalidad de Diego de Giráldez, pintor representado en un buen número de Museos Militares (Madrid, Burgos, Barcelona, Toledo...). En particular, para el Museo del Ejército pintó, en 1996, la imagen de un “soldado de vigilancia”, un busto de espaldas, un soldado del siglos XX, de una época que se supone de paz, soldado anónimo, al que en un momento determinado se pone un nombre particular. El retrato de todos y cada uno de los que han participado en el Golfo, en Bosnia o han estado destinados en un Regimiento cualquiera. Esta obra, producto del trabajo de un buen pintor, delata en su sencillez y pulcritud de factura, no solo la mano de un artista de espíritu elevado, sino también la representación de la defensa por una Patria, el amor por sus tradiciones, y en suma, la búsqueda de la paz y la libertad, que tanto anhelamos y por las que seguimos luchando.
José Manuel Hidalgo Cuñarro (Director del Museo Municipal Quiñones de León – Vigo). Cuando hablamos de Giráldez tratamos de un artista que se remite únicamente a su psique, un artista que supera lo real alcanzando lo metafísico, con un mundo íntimo extremadamente rico. La obra de Diego Giráldez no tiene parangón. A lo largo de su vida se ha preocupado por la búsqueda de una personal estética que lo hace inconfundible.
Mª Luisa Ilarri Junquera (Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela y Doctorada en Crítica Textual por la Universidad Autónoma de Barcelona). La opción expresiva de Diego de Giráldez es la pintura figurativa, construida con un lenguaje original, de factura lisa y dibujo preciso, que estimula las vivencias de la realidad esencial y la reflexión sobre el misterio y los grandes temas de la existencia humana. Imbuido de una sensibilidad mística y franciscana, se preocupa por el hombre y su relación con el entorno, la naturaleza, los animales, las cosas. Crea un ámbito que se mueve entre lo físico, lo espiritual, lo real y lo onírico, con un acento evidente de nostalgias, temores y una poética onírica.
Tito Gómez Giráldez (crítico de arte). Este hombre del Norte, de la montaña, conoce el gusto de la felicidad y el de las lágrimas, conoce el clima que es a la par un tónico y un sedante, conoce también su naturaleza tan dura para el cuerpo como apetecible para el ánimo, conoce sus historias, conoce sus gentes,.... En algunos de sus cuadros se ven las íntimas necesidades humanas, buscadas desde las honduras de su alma, no desde el corazón que es inartístico, desde el arte que es la mejor técnica para llegar al alma. Este, traspasa valientemente la realidad, la vence con realidades, sin competir con la naturaleza, puesto que él mismo es naturaleza, pero la violenta con surrealidades y la acompaña con un aire de misterio, de abstracción, cósmico, metafísico corpóreo, poético, donde se “ve el silencio” y confunde al contemplador de lo aparente.
José Amiguetti Sánchez (Coronel Director del Museo de la Guardia Civil). Sus trabajos ofrecen una clara visión de un mundo natural y escénico, donde predominan las formas vivas, a modo de bodegones, y de las alegóricas representaciones un tanto místicas, un tanto grotescas, de seres vivos y naturaleza muerta, flotando en ese ambiente cálido y abstracto a la vez.
Leoncio Verdera Franco (Coronel - Director del Museo Militar Regional de A Coruña, Doctor en Historia). Las obras de Diego de Giráldez producen unas sensaciones que, sobrepasando lo pictórico, despiertan nuestro inconsciente y hacen que no nos podamos desprender finalmente de la imagen contemplada; son obras que siempre atraen aunque sin duda desconciertan. Su pintura, naturalista con tintes surrealistas y oníricos, se ofrece como única e irrepetible y siempre reconocible por las sensaciones impactantes que se transmiten desde sus cuadros.
Fernando Franco (Periodista). Cuando entras en su casa de invitado y todo allí parece pretérito, desde la báscula romana hasta el dosel de su cama, desde la cómoda con un siglo de vida y de caoba al tocadiscos Dual de aquellos 60 en que era adolescente. Y luego están sus coches sacados del pasado, comprador de viejas glorias ajeno a las últimas marcas y modelos del mercado. Diego de Giráldez es un hombre tranquilo y paseante, encastrado en el pueblo y nada amigo de pompas y boatos. Tranquilo pero no callado, ni inactivo ni atado porque parece haber hecho de la España toda su morada cargando con su obra, de museo en museo, de galería en galería como en un frenético “tour” de músicos rockeros. Nadie sabe cómo hace pero a veces parece imitar a Dios, presente en todas partes.
Antonio Almodóvar Azorín (Coronel - Museo del Aire Madrid). El museo del aire tiene en su colección una obra del conocido pintor Diego de Giráldez, de tema aeronáutico. Ahora bien, el aeroplano que representa no se corresponde con ninguno real de la historia de la aviación. Es una pintura de aviones en la que deja una interpretación y mensaje descifrados de manera distinta por críticos y admiradores. Pudimos admirar y observar detenidamente este cuadro en la nueva zona noble de la Sala de Conferencias, Biblioteca, Sala de Juntas y Despacho del Director, en donde se decidió su ubicación, camino recorrido por las visitas más importantes del Museo, cuando firman el libro de honor del mismo. Quizás se hayan visto sorprendidos por este extraño avión que parece volar y también estar parado, suspendido en un halo de misterio y dirigido hacia un fantasmal y desconocido infinito, que emociona y al mismo tiempo sobrecoge.
Manuel Osuna Ruíz (Director del Museo de Huelva). Hace años, cuando dirigía el Museo de Cuenca, entre en contacto con este pintor que terminó teniendo presencia fija con una de sus obras en el Museo. La obra es de primerisima calidad. Sus creaciones pueden ser admiradas en muchos museos como puede verse en su curriculum, y en estos momentos, también en un museo monográfico dedicado a su obra. Diego de Giráldez, como Saura y Palencia, al menos para un Museólogo, son un ejemplo a seguir
Joan Gómez Vinardell (Director del Museu d’Estampació de Premià). La obra de Diego de Giráldez. Un cuadro, en el fondo jugando con el claroscuro había una pluma de ave, acerqué mi vista y descubrí que no era real. Un dibujo, una pintura, un holograma, un efecto óptico... surgía del negro hacia la luz, una pluma de ave - ella era un mensaje- una llave que estaba abriendo una puerta y el paso al conocimiento de un pintor: Diego. Una obra que gira alrededor de la luz, una luz que circula del negro hacia el blanco, una luz profunda de tierra gallega, luz que me recuerda a Rosalía; “negra sombra que me asombra”.
José González Ortiz (Escritor, Crítico de arte, miembro de la AECA y AICA y Director del Museo Municipal Elisa Cendrero de Ciudad Real). LOS GALLOS MÍSTICOS DE LA NOCHE Surge un gallo entre el viento, y Diego de Giráldez lo atrapa con su pincel. Con él, crea un espacio plástico, un poema lírico, donde levitan las burbujas y se corporean los espíritus de las cosas que antes se desvanecían en la intermitencias de su memoria. El gallo invita a otros gallos, a las mazorcas de maíz, a los peces, a un perro, un Cristo..., para que todos conformen y generen un cosmos dentro del lienzo. ¡Quizás un cuento! en el que Diego narra su historia, el sueño que palpita nervioso en las puntas de sus dedos. Diego materializa en el aire los gallos que le arrullan en sus noches, a las palomas que se embriagan con el arco iris, a los seres queridos que pueblan los latidos de su corazón. La magia de sus pinturas siembran de sugerencias el paso breve de la vida, y adornan de colores e imágenes, el análisis, a veces frío y seco de la razón. (A la obra pictórica de Diego de Giráldez).
Coronel Gavira (Director del Museo Militar Regional de Sevilla). La obra pictórica de Diego de Giráldez, siendo figurativa, no deja de tener un estilo costumbrista en el que el autor da pinceladas surrealistas. Es por lo tanto, difícil encuadrarlo en un estilo concreto, aunque no imposible. Es cierto, que todo el que contempla su obra queda “enganchado” e impresionado por su realismo y veracidad. Trata de que haya una conexión entre la naturaleza y la humanidad. Resumiendo: es un artista completo, tanto en colorido, como en estructura de trazos y composición.
Gerardo Pérez Calero (Profesor Titular de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla y Académico de la Real de Bellas Artes). La pintura de Giráldez está concebida como una pura y desinteresada investigación, semejante a un científico o a un filósofo, como búsqueda de una verdad que no podía ser resuelta más que con esa meditación laboriosa en el terreno de la verdad que es para él pintar. Esta investigación es la clave de la esencia pictórica de éste maestro pontevedrés. Investigación física y de pensamiento, que gusta expresar el mundo real y el aparente. Giráldez es esencialmente hispánico, o ibérico, en la sencillez, el mutimo, el ascetismo e incluso el misticismo de muchas representaciones. Así veo, a Diego de Giráldez. Un místico y un ascético de este final de siglo que nos ha visto nacer. Atento a su entorno y fiel a sus profundas vivencias, las que esperamos se alarguen en el tiempo para goce de los que nos emocionamos con las creaciones magistrales de los artistas.
José Fernando Sánchez Ruyz (Escritor, Poeta y Director del Museo Alcázar de Ciudad Real). En Alcázar de San Juan, en la primavera de 1995. tuve la ocasión de visitar una excelente exposición de las obras, de Diego de Giráldez, que aún hoy son recordadas con interés por los aficionados a las artes plásticas y los artistas de la zona. La relación del hombre con su entorno se convierte en un estandarte de la obra de Diego de Giráldez, no en el sentido al que estamos cotidianamente habituados, sino en una relación profunda donde aparecen con importancia paralela a la intervención de la humanidad en su entorno natural, en un concepto abstracto, de interrelación hombre-medio, donde le humano se mide ante el mundo reconociendo su incapacidad de mejorarlo, sobre este eje central la obra de Diego de Giráldez desarrolla su simbología y una estética personal que consiguen identificar a sus pinturas y darles marca de autor. Magia, respeto, emoción, ecología y armonía están presentes en la obra de Diego de Giráldez, el pintor que desde hace veinticinco años nos enseña que la belleza de las cosas también puede presentarse sobre fondos tenebristas. Porque la belleza de la pintura reside en un ápice de reflejo del propio conocimiento de la vida, que el espectador se encuentra en todas las pinturas de Diego de Giráldez.
Manuel Diego Gómez de Giráldez (Pontevedra, 8 de marzo de 1956. Pintor y escultor de Galicia - España). Es uno de los grandes pintores del Realismo español y mundial contemporáneo.
Biografía
El día 8 de marzo de l956, a las 24 horas, como el que no quiere abandonar ese día, nació en A Cañiza, provincia de Pontevedra, en el seno de un familia pequeño burguesa, Diego de Giráldez, a quién le impusieron los nombres de Manuel y Diego. Hijo de Antonio, oficial de la marina mercante, y Luz empresaria de hostelería que al mismo tiempo se encarga de la educación y cuidado de los hijos, debido a que el padre estaba ausente con frecuencia, requerido por su profesión de marino; nieto, por línea paterna, de Diego y Generosa y por línea materna de Evaristo y Luz, todos naturales de A Cañiza (Pontevedra). Todo ello tiene interés para determinar la personalidad de este pintor, pequeño, algo calvo, de piel blanca y ojos oscuros, tercero de cuatro hermanos y que quizás esos prolongados periplos, de su padre, en la mar, hagan de él un niño juguetón y con inquietudes, que comienza muy temprano a dibujar, cuando a penas andaba ya “pintaba” con carbones de la “lareira” sobre papel de estraza, de envolver el pan, los que su madre desechaba. Y que hoy en día, en opinión de críticos tan significativos como Santiago Amón y Ramón Faraldo, es un “pintor sorprendente” que creó un nuevo estilo dentro de este nuevo realismo combinado con naturalismo, abstracción y surrealismo. "faca 2007" La infancia de este niño, hijo de un matrimonio maduro, tenían cuando nació Diego, el padre 41 años y la madre 38, transcurre entre los mimos y atenciones de su madre y las ausencias de su padre que ya empieza a tener problemas de salud dejándolo huérfano, el 15 de Junio de 1965, a los seis años de edad. Poco después su madre se traslada a Vigo con el resto de la familia y es donde a partir de 1967 se va formando cultural y artísticamente en sus cuatro grandes pasiones: la medicina, la anatomía, la pintura y la escultura. Este niño que responde al nombre de Diego de Giráldez pronto empieza a destacar como dibujante y ejerce, ya, como pintor que tiene todas las características para ser un nombre que pise fuerte en este “mundillo” del arte: “..., inquieto, con toda la fuerza y sabiduría de los Druidas Celtas...”, como nos recuerda Ramón Faraldo. Camina, los primeros años, silenciosamente, acumulando formación, pero hace notar su presencia entre los alumnos de la Escuela de Artes y Oficios de García Barbón - hoy Universidad Popular de Vigo- y en círculos y tertulias artísticas, siendo siempre el benjamín del grupo. El brillo de sus ojos, la constancia y la seguridad en lo que hace, presagian que este niño afable, sencillo y de sonrisa bondadosa se convierta, en lo que hoy es, en un valor artístico intemporal y universal. Este nombre de excepción entre la pintura contemporánea de los últimos años, pinta, en esa época, lo que conoce: el paisaje, sus gentes, las naturalezas muertas con colores y luces de nuestra tierra. Hoy domina una obra que ha sido catalogada, considerada por la crítica especializada, como una de las más personales de la pintura española contemporánea. En los años 70 y sobre todo a partir de 1975 existe en España, en Galicia y en Vigo un período de oscilación expresionista, que parece beber en las fuentes de los expresionistas alemanes del 62, algunos pintores buscan y no hallan en esos crecientes contrastes entre lo nacional y lo regional y lo internacional e intemporal, incertidumbre que se va aplacando en 10 o 15 años con una auténtica reflexión desde la sociedad en todas sus facetas: dentro del arte, de la literatura,.... Tensión y movimiento, que eran las características esenciales de esa época y que aparecen en el mundo del arte como un impulso ascendente, sin importar las bases fundamentales de cualquier movimiento artístico: dibujo, difuminación, equilibrio,...,contrasta con la opinión de algunos críticos y la sensación de ser arrastrados hacia abajo. Con el paso del tiempo y con una sociedad transicionada, el arte reflexiona a cerca de la vida, de lo imaginable e imaginario con total libertad de expresión desde todas las tendencias y estilos, pero eso sí “el arte ya es inseparable del oficio”, ya no sirve manchar por manchar, el “público” cada dia es más erudito. En esta pequeña ciudad, la más importante de Galicia, fermentan nuevas ideas y aparece Diego de Giráldez con un nuevo estilo, dentro de su línea, que denomina -Realismo NAS (naturalismo, abstracción, surrealismo)-, y con una tesis que registra como propiedad intelectual en el Registro Intelectual Internacional. En su obra se distinguen muchos elementos que hacen que se reconozca, a simple vista, entre todas las demás. Su gran familiaridad con la naturaleza, la notable seguridad en la observación de sus mecanismos le permite conocer sus leyes. El interés y un estudio constante de/por la anatomía le sirven como bases para plasmar sobre el lienzo la génesis empírica de lo que será su obra. Como hemos visto al principio, Diego provenía, plásticamente, de sus “experimentos” con carbones de la “lareira” y de su paso por la Escuela de Artes y Oficios, un tipo de escuela basada en poca teoría y mucha práctica, sobre todo en el dibujo. Por lo tanto y hasta 1975, la suya era una cultura autodidacta asentada en la experimentación práctica, en tertulias, en intercambios,..., y condensada en las notas que sobre la naturaleza, la vida de las gentes en el rural, la anatomía,..., iba tomando. También en esta época cultivo el aprendizaje de la escultura, que no abandonará nunca, aunque esta faceta solo la trabaje para su colección particular. Su investigación, siempre dentro de su línea -Diego respeta pero no comparte los modismos temporales y los “plagios” en el arte-, puede venir dada, en parte, para afrontar bien sus trabajos y por el estímulo del clima que hervía en la ciudad, en la que como ya hemos visto, existía una pequeña revolución cultural. Y por otra parte por profundizar en sus conocimientos y aportar algo nuevo a futuras generaciones. Vamos empezar hablando desde su primera exposición individual. En 1975 comienza su andadura artística con la primera exposición individual, en Vigo. Conoce las primeras críticas de Alvaro Cunqueiro, Francisco de Pablos, Antón Castro, Tito Gómez Giráldez,.... Este nuevo realismo detallista, primoroso, pulcro y ordenado tiene en sus obras figurativas, paisajísticas y bodegones una especie de equilibrio entre la delicadeza y la serena austeridad. Tiene también ciertas reminiscencias abstractas, surrealistas y naturalistas incluso en sus cuadros más realistas....”. También por esa época conoce a personajes como Xosé Filgueira Valverde, que fue la persona que aconsejó la compra de su primer cuadro por el Museo Provincial de Pontevedra, uniéndole hasta el final una sana amistad - al igual que con Alvaro Cunqueiro -. Con el paso del tiempo, Filgueira Valverde, escribiría: “... Din algúns que este pintor e un mestre que deprendeu o oficio dende pequeno, que sabe como manexar o pincel, o lápiz e a paleta. Eu vexo unha obra coma as mellores da nosa terra: clara, limpa, con esa luz -Luz a nai, Luz a aboa- da nosa vida labrega...”. Con Alvaro Cunqueiro hace una gran amistad, visitando, este, con frecuencia su estudio de la calle Real y Diego el despacho de la calle Carral y vivienda en Marqués de Valladares. Quizás Álvaro haya sido uno de los primeros en descubrir el talento artístico de nuestro pintor, cuando dice: “... Para ser pintor, hay que nacer, hay que soñar durante moito tempo, hai que atopar un estilo coma el, non son os mais listos, os licenciados, os que o atopan, algunhas veces son caseque nenos como Diego que saben de labrego, de ovellas e carneiros, de carballeiras e capóns -eses galos de crestas vermellas que matan o basilisco-, desas alaceas e lareiras, desas froitas que se lle poden adiviñar os vermes dentro. Eu para ver os seus bodegóns non teño que haber xantado. Teño que vir en aiunas, e daquela poido carregar o meu maxín da poesía que emanan...”. Hace amistad con José Otero Abeledo “Laxeiro” y otros pintores de la época, con “Laxeiro” la conserva hasta el final, no en vano uno de sus estudios actuales, en Vigo, está en la buhardilla que este pintor, fallecido, utilizó en la calle del Príncipe nº 26. A partir de 1977, expone en la más prestigiosas salas de toda España, se había trasladado a Cataluña donde conecta con relevantes personalidades del arte, pintores en el Colegio de Bellas Artes de Olot,..., y nombres importantes como Antoní Pichot, Gala, Salvador Dalí - al que visita con frecuencia-,..., críticos de arte como Víctor Gay, los de La Vanguardia,..., que elevan su obra y su prestigio. En Madrid visitan sus exposiciones: Ramón Faraldo, Santiago Amón,..., a estos dos críticos le llega a unir, con el pintor, una verdadera admiración por ambas partes. Hasta el extremo de comentar:“Si me preguntase ¿Qué cuadro debería incorporarse, ya, al Museo del Prado?. Seguramente me respondería que “El Cristo Hombre de Diego de Giráldez”, de este autor,...,”cuadro que tan bien ha sabido ver el prestigioso crítico Ramón Faraldo cuando dice:“Te confunde quien te llama realista, sino fueses más que eso yo estaría en otra silla,¿A quien te pareces tú?. A nadie, que yo conciba. Tú te pareces a ti. ¿Y tú Cristo - Hombre?. Insisto en esta obra de gran envergadura que ofrece una novedad dentro de la pasional tradición de las crucifixiones. Esa cruz, que nadie se ocupó de ella. Tú nos haces ver que ella no tuvo la culpa, que ella iba para mástil de barco, leña de lareira o pie de bandera, pero los hombres la condenaron a eso, a ser cómplice del deicidio. Y esto no lo vio nadie. Ni Valdés Leal, ni Grunewald, ni Salvador Dalí,...”. A Diego de Giráldez,-que hoy día está expuesto en más de cien prestigiosos museos de todo el mundo, en importantes colecciones privadas e institucionales y que ha sido seleccionado para la “Expo Universal” de Lisboa, entre los dos pintores que representan a cada nación, en este caso a España, siendo al mismo tiempo la primera vez que seleccionan a un pintor gallego-, tuve la suerte de visitarlo en su estudio de la calle Real, hace años, en compañía del gran crítico de arte, malogrado en accidente de aviación, Santiago Amón quien me dijo: “... Diego es ya uno de los grandes del realismo español contemporáneo”, luego hizo una extensa crítica, para el medio con el que yo colaboraba en esa época, y que en alguna parte se manifestaba a manera de un sugestivo ensayo y de donde recogemos algunos fragmentos que aparecerán a lo largo del libro, empezando por este: “Realista exacerbado, donde encuentra la implicidad de su poesía. En su obra se reencuentra con lo intrínseco, con las cosas mismas, y las traslada a la faz incitante del lienzo con precisión lírica. Diego de Giráldez, sabe que el arte es absolutamente inseparable del oficio. Sabe también que el blanco más blanco nace de la explosión comunitaria de todos los colores, y que el negro más negro surge cuando la noche se apodera del fulgor del arco-iris. Pintor sorprendente, creó un estilo dentro de este nuevo realismo que denomina NAS (naturalismo, abstracción, surrealismo)”. En 1980 es seleccionado para formar parte de la exposición “Maestros del Realismo Español”, a partir de este año es normal verlo, escucharlo y leerlo en distintos medios de comunicación, revistas especializadas, libros,..., sus obras están en Museos, Diputaciones, Gobiernos Autónomos, Ayuntamientos, Cámaras Municipales de Portugal, Bancos y Cajas de Ahorros, importantes colecciones privadas,.... Recorre, con exposiciones individuales Europa, sobre todo España y Portugal, aparece también en colectivas: Lisboa, París, Ginebra, El Cairo,..., los críticos se hacen más, si cabe, eco de su presencia: Santiago Amón, “ A partir de la exposición “Maestros del Realismo Español”. Las obras de Diego de Giráldez son de un nuevo realismo, del óleo y tintas se pasa a una técnica mixta..., con un gran equilibrio entre la sensibilidad y la técnica, con una pintura muy elaborada,.... En el transcurso de poco tiempo hay una actitud positiva del público y quién sabe si de los críticos, así como de los coleccionistas, importantes, de arte que empiezan a fijarse en su obra..., empieza a vender sus primeros cuadros para buenas colecciones privadas e institucionales, a participar en interesantes exposiciones de pintura española en España y el resto de Europa, proliferan las muestras individuales en relevantes galerías... y se producen las primeras adquisiciones de obras suyas por parte de museos...”. Podemos nombrar:
Museos de Artes Contemporáneas - El Cairo (Egipto), Toledo,...,
Museos de Bellas Artes-Santander, La Coruña, Murcia,...,
Museos Provinciales - Lugo, Pontevedra, Ciudad Real, Guadalajara, Cáceres, Badajoz, Menorca, Melilla,...,
Museos Diocesanos, Museos Municipales, Museos Específicos, Museos Portugueses, Museos de otras partes del mundo,....
Otros museos importantes del mundo: Vaticano, etc….
Nos sigue diciendo que: “... su obra va ganando noticia, fama y atención allende las fronteras...”. “... termina -EL CRISTO HOMBRE-, obra de gran envergadura, justo parece destacar, al lado de la virtud poética e histórica del cuadro, el carácter de proeza técnica, la condición de madera de esa cruz que la secunda sin deidad, el cristo –el hombre de rodillas-, cabizbajo, la voluntad sin freno del ejecutor y el oficio que recorre la obra de punta a cabo, tras una génesis empírica, paciente, gradualmente vivida por el creador hace a la postre, a los ojos del observador, una obra magistral”. Sobre esta obra, el autor, Diego de Giráldez nos dice en 1982: “Graznando rompí el cristal / y te vi pueblo de la sociedad por abajo, / Te grité y te pinté, / así también por donde la piedra desnuda de la calle rompe / tú quedas..../ De los brazos, la madera y el cristal, / el hombre.... / De la cuerda las ataduras de las muñecas. / Blanco... ligaduras de la frente y cintura, tristura / cabizbajo de rodillas es el hombre... / de las “tierras quemadas” debajo / quemada su piel con suficiencia / por los golpes de sol y de trabajo. / Hoy el negro, silencioso, se apodera / de mí la noche entreabierta, / interpreté colores de los colores. / La noche es un conjunto de colores / que acecha con caras de luces / que juegan a fugarse aún sin manos.” Nos recuerda Ramón Faraldo en “Recuerdos”: “... recuerdo una noche de verano, no sé si de plenilunio, o noche de primavera tardía o de otoño naciente, sentados en una mesa de mármol en La Cañiza, en compañía del colega, y sin embargo amigo, Tito Gómez. En esto, una sonrisa y unos ojos brillantes se apoyaron sobre mi rostro, y te tuve ante mí. Me hablaste con la sencillez y sabiduría que te caracteriza, con esa falta de presunción y, en todo caso, concluiste - que tu obra y la de cualquier artista no es cuestión, simplemente de oratoria, de verbo, es más, si cabe, de biología de la propia obra, que sepa defenderse por sí misma-. Noche, febril, que más bien parece incendio que noche, te ha traído a ti, amigo mío, cargado de sensaciones, de cosas de mí interés, y del interés ajeno, pero para satisfacerlo se necesita la escritura, la palabra, el verbo. Eso trías en tú sonrisa, en el brillo emergente de tus ojos, en tú serenidad, sé lo que quieres decir, pero hoy vamos a hablar en el verbo fundamental para transmitir a la continuidad de la especie. Perdóname, Diego, y cuando lleguemos al “más allá”, considera silo que alcancé a penetrar en el complejo persona-obra, que lleva tú firma, compensa el que no profundice en tú tesis, de esta noche, que entiendo. ¿Recuerdas cuando nos vimos por primera vez en aquella galería de Madrid?. Tú catálogo: “Diego estudió pintura y escultura... “. Te pregunté ¿Pintor o escultor?. Fue aquella la primera gran realización de tú mano que conocí. Me di cuenta, de gallego a gallego de escritor a plástico, que por merecimientos que todavía desconocía, estaba en tú enigmática exposición, incógnita exposición madrileña, también me di cuenta de que, quienes te seleccionaron, habían encontrado un nombre que añadir a la plástica española. Me di cuenta que estaba ante una obra intemporal e internacional de sorprendente acabado,....”. En aquellas épocas otros críticos se hicieron eco de sus exposiciones: Miguel Gil, Victor Gay, Jesús Rodríguez, César Valença, Trapero Pardo, Francís Vicents, Richard Arnold: “... La pintura de Diego de Giráldez es la de un gran maestro del “realismo”, con un manejo único del claroscuro, con un universo de gran originalidad, en algunos cuadros un tanto barroco, con figuras que semejan flotar en un espacio de radiaciones de silencio poético, donde bolas de cristal como áureas transparentes aparecen preservando un mundo dentro del propio mundo, de la propia biología del cuadro...”, Tito Gómez Giráldez : “ Diego de Giráldez que, ya, en Marzo de 1980 fue seleccionado para la exposición “Maestros del Realismo Español” con Antonio López, Eduardo Naranjo,..., sorprende por su exquisito lenguaje y poético sentido con un soberbio terminado que caracterizan a las obras maestras.... Para mí, Diego de Giráldez, es uno de los nombres significativos en el arte contemporáneo, su obra denota una elegancia austera y da la sensación de que nos encontramos ante el mayor equilibrio de sensibilidad y técnica que nos hace ver una pintura inteligentísimamente elaborada”, Antón Castro nos habla de: “ Dimensión poética de la realidad. Sin lugar a dudas, Diego de Giráldez es ya, y por derecho propio, uno de los grandes pintores de la realidad que bebe en el ancestro poético de tintes bucólicos” y Francisco Pablos que nos dice: “Su obra es un capítulo aparte en la pintura española contemporánea, que da a este pintor la calidad de maestro del realismo. Un realismo diferente, de poética implícita, de imaginable y cuasi imaginario misterio”. Aparecen libros monográficos sobre su obra, etc. En 1991 es invitado por el Excelentísimo Ayuntamiento de Vigo para inaugurar A Casa das Artes e da Historia de Vigo. Hecho que realiza con una antológica excepcional. 1992.Lalo Vázquez Gil (periodista, escritor y cronista oficial), (con motivo de la exposición de 1992 en Valladolid): Diego de Giráldez, un pintor filósofo realista. Hace algunos años - estaba yo en Valladolid-, algunos amigos me dijeron que exponía un gallego excepcional, una colección pictórica realista, surrealista o “casi”, que no dejase de verla y que les diese mi opinión. Un profesor vallisoletano que había dado clases en un Instituto de Vigo, me dijo que era “onírico”. con lo que se acercaba, evidentemente, al surrealismo y que ¡ era vigués ¡ (“¿ Lo conoces ?” “Debo conocerlo”. Y enseguida añadí: “Si es, si pinta como dices, seguro, seguro que es Diego de Giráldez”. Y lo era. Allá me fui y aunque no estaba en la sala gozamos y comentamos su pintura y estuvimos filosofando y lucubrando en torno a su obra. La muestra era verdaderamente excepcional y se celebraba en la acreditadísima sala del Centro Gallego, sociedad cultural, artística y difusora de todo lo gallego, con amplias miras, de gran prestigio en los medios entendidos y cultos de la ciudad de Felipe II. No me extrañó que la exposición alcanzase tanto éxito en una ciudad conocedora del buen arte. Jamás me defraudó Giráldez en ninguna de sus salidas. Y aquí menos - en Valladolid -, porque todo el mundillo artístico se hizo lenguas de su buen hacer - y así presumieron sus amigos y sobre todo los gallegos - vallisoletanos”-. Todos los visitantes entendieron el arte de Diego de Giráldez, que transciende más allá de lo gallego para hacerse universal en ese mundo de símbolos que introduce en su obra con pinceles de paciente pintor, de medidor, sin prisas, del tiempo, del último detalle visual, hasta alcanzar esa perfecta realidad no exenta -sin embargo-, de su huella personal intencionada. Porque el pensamiento, su sentir, sus deseos, sus ideas, sus mensajes, sus secretos, Giráldez no los expresa solo con sus representaciones, con la composición extraña, filosófica, a veces tétrica o advertidora de que hay un mundo esotérico y exotérico. No. Giráldez lo manifiesta, también, con la exactitud de visión y de plasmado material, a propósito, situándose fuera de las órbitas de la moda -algunas ya demodés-, en un punto que ha querido escoger a conciencia -sin encasillamiento absoluto y en el que se mueve por convicción. Así, sus figuras, esos cristos extrañamente crucificados, esos paños, esas aves, esos objetos vulgares -enriquecidos- van más allá de la materialidad ya simbólica tópicamente sí misma y se transforman en algo más sublime porque Giráldez las conjuga y las envuelve, invirtiendo y trastocando su significación iconográfica. Y ahí esta la dificultad para entender la pintura de Diego en su simplicidad. Hay en sus cuadros algo que nos inquieta, que no llegamos a entender absolutamente....”. En 1998 es seleccionado, como uno de los dos pintores que representará a España en la “Expo-Universal del Arte” en Lisboa, de lo mucho que se ha escrito sobre este acontecimiento se me ocurre traer a estas páginas el título con el que Francisco de Pablos encabezó una extensa crónica en Faro de Vigo: “Diego de Giráldez, una estrella plástica en la “Expo’98” de Lisboa”, creo que con esto queda todo dicho, no obstante recogemos párrafos de artículos de la prensa de Vigo:, -no lo hacemos con los medios portugueses, resto de Europa y resto de España, por razones obvias de espacio-.
La Voz de Galicia: “ La Exposición Internacional de Arte, que se celebra este año dentro del recinto de la Expo Universal 98 de Lisboa, ha seleccionado a Diego de Giráldez como uno de los representantes españoles dentro del certamen plástico....”. “Giráldez es uno de los dos creadores españoles seleccionados para este certamen que muestra las creaciones de dos autores por cada país....”. “El artista, afincado en Vigo, expone sus obras en la “Expo Universal 98” de Lisboa.”.
Faro de Vigo: “... El pintor vigués de adopción cuyo reconocimiento lo certifican datos como que cuadros suyos estén ya en más de 90 museos españoles, además de otros en el extranjero: Diego de Giráldez. El la Expo 98 de Lisboa estará también su obra en una muestra conjunta con otros artistas, de todo el mundo, seleccionados de países como Italia, Japón, Portugal,...”. “ Sólo dos artistas por país figuran en la excepcional muestra en Portugal” “ Entre los acontecimientos culturales que ofrece la Expo 98 de Lisboa, el último certamen del milenio en su carácter, está la Exposición Internacional de Arte, para la que se han seleccionado artistas famosos de todo el mundo, y únicamente dos por cada país representado. Por España, uno de ellos es Diego de Giráldez, gallego, residente en Vigo, donde tiene su estudio y trabaja habitualmente...”. “... su obra esta expandida por todo el mundo”, “... están en diversos museos y colecciones particulares...”.
Diego de Giráldez: Inquietudes
Diego de Giráldez, mantiene a lo largo de su vida una extensa e intensa relación con la medicina natural y especialmente con la anatomía. En su permanente deseo de reflejar el cuerpo humano en la naturaleza, dentro de una ilimitada capacidad inventiva que lo diferencia.
Museos
Su obra está representada en más de 150 importantes museos del mundo.
Obra
Como pintor, Diego de Giráldez, no tuvo un estilo o técnica única, hasta que inventó el Realismo NAS. Lo mejor de su producción artística se desarrolla dentro de este realismo de gran detalle y composición genial, que refleja su mundo particular onírico. Algunas de sus obras son:
Gallega (1981)
Huerta (1981)
Reproducción del ser vivo (1981)
Cristo hombre (1982)
Preside la naturaleza (1985)
Observando la naturaleza (1985)
De espaldas (1987)
Comienzo de la humanidad (1987)
Simbolización (1995)
Campesino (1989)
Maternidad, el aliento de la vida (1989)
El hombre es bruto (1990)
La pesca (1990)
Le rodea la vida (1991)
Gallo africano (1995)
Soldados (1997)
Retrato (1998)
Gallo de infierno (1998)
El agua (1998)
La vida (1998)
En el aire (1998)
A continuación recogemos varios fragmentos de escritos, críticas de arte y libros bibliograficos realizados por importantes plumas del mundo de la cultura sobre Diego de Giráldez. Ésta página, hija de varias y valiosas plumas, tiene una razón de ser: la existencia de un gran pintor – Diego de Giráldez – cuya obra y dilatada vida artística seguimos, junto a una plural interpretación de su arte. Por lo tanto formará parte de su importante bibliografía en la cual este trabajo, esperamos, tendrá una gran importancia y en futuros estudios, que no faltarán, deberán contar con ella…
Bibliografía y Críticas de Arte
Faraldo, Ramón: El mundo de Diego de Giráldez. Lugo, Diputación Provincial, 1991.
Pablos, Francisco: Diego de Giráldez y su realismo. Pontevedra, Diputación Provincial, 1990.
Pablos, Francisco: Plástica gallega. Vigo, Caixavigo, 1981.
Gómez, Enrique: Diego de Giráldez. La realidad y su espejo. Editorial Nigra, S.L., 2001. Etc. Etc.
Xosé Francisco Armesto Faginas: Alvaro Cunqueiro, en tanta cousas mestre, que tivo tamén moito de neno grande, foi un dos primeiros que celebrou a pintura de Diego Giráldez. Atopo moitas cousas en común entre ámbolos dous, por exemplo - algo non cativo-- o amor polas pequenas cousas, a ledicia, poño por caso, ó sentir o canto dun paxaro ou dun galo, coma quen escoita a voz do mestre solista dun gran coro...
Alvaro Cunqueiro (Escritor y Poéta). Para ser pintor, hai que nacer, hai que soñar durante moito tempo, hai que atopar un estilo coma él, non son os mais listos, os licenciados, os que o atopan, algunhas veces son caseque nenos como Diego que saben de labrego, de ovellas e carneiros, de carballeiras e capóns -eses galos de crestas vermellas que matan o basilisco-, desas alaceas e lareiras, desas froitas que se lle poden adiviñar os vermes dentro. Eu para ver os seus bodegóns non teño que haber xantado. Teño que vir en aiunas, e daquela poido carregar o meu maxín da poesía que emanan...
Xosé Filgueira Valverde (Escritor). Din algúns que este pintor e un mestre que deprendeu o oficio dende pequeno, que sabe como manexar o pincel, o lápiz e a paleta. Eu vexo unha obra coma as mellores da nosa terra: clara, limpa, con esa luz -Luz a nai, Luz a aboa- da nosa vida labrega...
Francisco Fernández del Riego (Escritor y Presidente de la Real Academia Gallega - 1998): Pintor lírico as máis das veces, significativo e anovador, non xoga con figuras dalgún xeito recoñecibles, senón coa imaxinación. O sentido particular que o califica ven ser a posibilidade dun estilo e dunhas formas que reflicten un concepto de pintura expansible e universal...
Carlos Casares (Escritor y Presidente do Consello da Cultura Galega). Teño seguido con atención a súa obra, hoxe coñecida e valorada tanto dentro como fóra de Galicia. En Diego de Giráldez coinciden a realidade representada e a forma en que se representa, podemos falar de acerto expresivo. O pintor é dono do seu mundo e da súa obra. Estou convencido de que Diego de Giráldez chegou a ese estadio e que agora pinta con máis liberdade. É a liberdade que a un creador lle da sempre a seguridade na utilización dunha técnica que emprega con naturalidade...
Domingo García-Sabell ( Académico de número de la Real Academia Gallega. Escritor. Ex – delegado del gobierno en Galicia). Diego de Giráldez, no seu esforzo creador, chouta por riba das categorías plásticas establecidas...
Antón Fraguas(Cronista Oficial de Galicia, Presidente del Patronato del Museo do Pobo Galego). O pintor e xenial artista, Diego de Giráldez, vai interpretando os diferentes momentos do ano ós que Don Ramón Otero Pedraio deu o seu valor xeográfico... O artista, este pintor, ten un espírito tan altamente creador que fixa as súas obras no máis fino realismo...
Antón Castro (Crítico de Arte y profesor de Arte Contemporáneo de la Universidad de Vigo). Sin lugar a dudas, Diego de Giráldez es ya, y por derecho propio, uno de los grandes pintores de la realidad que bebe en el ancestro poético de tintes bucólicos”
Xavier Costa Clavell (Periodista, escritor):”CREATIVIDAD Y ESTILO EN LA PINTURA DE GIRÁLDEZ”. Como dijo Picasso, Giráldez no busca, sino que encuentra, y los hallazgos se proyectan en las superficies pintadas con un sello propio, algo que sólo está al alcance de los auténticos creadores. No deja de ser cierto lo que afirma Francisco de Pablos: “La pintura de Diego de Giráldez constituye hoy, con media docena de nombres más, el pleno de genuino realismo. También estoy de acuerdo con lo que dice Santiago Amón: “Diego de Giráldez sabe que el arte es absolutamente inseparable del oficio. Sabe también que el blanco más blanco nace de la explosión comunitaria de todos los colores, y que el negro más negro surge cuando la noche se apodera del fulgor del arco-iris. Un poeta escribió aludiendo a la obra del pintor:”Te confunde, amigo mío, / quien te llama realista...”. Cierto, porque la pintura de Giráldez es siempre algo vivo y lleno de misterio. El de la creación”.
Jordi Soletura (Ex-ministro de Cultura). Felicito a Diego de Giráldez por su valiosa y maravillosa obra que tiene en el Museo de Cuenca y que hace unos días tuve el placer de visitar… Ese genuino realismo. Esa invención suya, que denomina NAS, hace que nuestro pintor se situe en el interes de las mejores plumas y de los museos importantes.
Francisco Pablos (crítico de arte y miembro de la Academia de Bellas Artes). En la pintura de Diego de Giraldez, en las naturalezas muertas, el consigue la vida, la perennidad, la trascendencia. Surge y se impone lo inquietante. Lo común se mayusculiza, hasta lo anodino cobra importancia. Un cacharro, cualquier enser del ajuar doméstico es él, el único, el irrepetible. Es don cacharro y acaso hasta el excelentísimo señor cacharro. Diego de Giráldez es un caso peculiar. Su maestro fundamental es la naturaleza misma, y su capacidad de trascender su inmediata apariencia, su realidad concreta, han hecho de su obra un capítulo aparte en la pintura española contemporánea. Ahora goza de admiración y respeto internacional. La pintura de Diego de Giráldez constituye hoy, con media docena de nombres más, el pleno de genuino realismo. Sú pintura es única, irrepetible, capaz de ser reconocida para siempre en cuanto se ha contemplado la indefinible sensación de uno de sus cuadros”.
Ramón Faraldo - Crítico de Arte y Miembro de la Asociación Española de Críticos de Arte “El Cristo-Hombre de Diego de Giradles”: Insisto en esta obra de gran envergadura que ofrece una novedad dentro de la pasional tradición de las crucifixiones. Esa Cruz, nadie se ocupó de ella. Tú nos haces ver que ella no tuvo la culpa, que ella iba para mástil de barco, leña de lareira o pie de bandera, pero los hombres la condenaron a eso, a ser, cómplice del deicidio. Y esto no lo vio nadie. Ni Valdés Leal, ni Grunewald, ni Salvador Dalí. Tú lo has visto Diego. La aldea, el largo invierno. La hermandad con pastores y leñadores, el respeto a la materia bondadosa que nos da techo y calor. Todos los árboles de la tierra deberían, tendrían que rendirte homenaje, por haber proclamado la eterna amnistía. Honra y gloria de lo que nace inocente y muere inocentemente a nuestro servicio. Ramón Faraldo en “Recuerdos”.
“... recuerdo una noche de verano, no sé si de plenilunio, o noche de primavera tardía o de otoño naciente, sentados en una mesa de mármol en La Cañiza, en compañía del colega, y sin embargo amigo, Tito Gómez. En esto, una sonrisa y unos ojos brillantes se apoyaron sobre mi rostro, y te tuve ante mí. Me hablaste con la sencillez y sabiduría que te caracteriza, con esa falta de presunción y, en todo caso, concluiste - que tú obra y la de cualquier artista no es cuestión, simplemente de oratoria, de verbo, es más si cabe, de biología de la propia obra, que sepa defenderse por sí misma-. Noche febril, que más bien parece incendio que una noche, te ha traído a ti, amigo mío, cargado de sensaciones, de cosas de mí interés, y del interés ajeno, pero para satisfacerlo se necesita la escritura, la palabra, el verbo. Eso traías en tú sonrisa, en el brillo emergente de tus ojos, en tú serenidad, sé lo que quieres decir, pero hoy vamos a hablar en el verbo fundamental para transmitir a la continuidad de la especie. Perdóname Diego, y cuando lleguemos al “más allá”, considera si lo que alcancé a penetrar en el complejo persona-obra, que lleva tú firma, compensa el que no profundice en tú tesis, de esta noche, que entiendo. ¿Recuerdas cuando nos vimos por primera vez en aquella galería de Madrid?. Tú catálogo: “Diego estudió pintura y escultura... “. Te pregunté ¿Pintor o escultor?. Fue aquella la primera gran realización de tú mano que conocí. Me di cuenta, de gallego a gallego de escritor a plástico, que por merecimientos que todavía desconocía, estaba en tú enigmática exposición, incógnita exposición madrileña, también me di cuenta de que, quienes te seleccionaron, habían encontrado un nombre que añadir a la plástica española. Me di cuenta que estaba ante una obra intemporal y universal de sorprendente acabado,....”.
Santiago Amón (Crítico de Arte). Diego de Giráldez es ya uno de los grandes del realismo español contemporáneo... Realista exacerbado, donde encuentra la implicidad de su poesía. En su obra se reencuentra con lo intrínseco, con las cosas mismas, y las traslada a la faz incitante del lienzo con precisión lírica. Diego de Giráldez, sabe que el arte es absolutamente inseparable del oficio. Sabe también que el blanco más blanco nace de la explosión comunitaria de todos los colores, y que el negro más negro surge cuando la noche se apodera del fulgor del arco-iris... Pintor sorprendente, creó un estilo dentro de este nuevo realismo que denomina NAS (naturalismo, abstracción, surrealismo)... A partir de la exposición “Maestros del Realismo Español”. Las obras de Diego de Giráldez son de un nuevo realismo, del óleo y tintas se pasa a una técnica mixta... Con un gran equilibrio entre la sensibilidad y la técnica, con una pintura muy elaborada,.... En el transcurso de poco tiempo hay una actitud positiva del público y quién sabe si de los críticos, así como de los coleccionistas importantes de arte que empiezan a fijarse en su obra.... Empieza a vender sus primeros cuadros para buenas colecciones privadas e institucionales, a participar en interesantes exposiciones de pintura española en España y el resto de Europa, proliferan las muestras individuales en relevantes galerías.... Y se producen las primeras adquisiciones de obras suyas por parte de museos.... Su obra va ganando noticia, fama y atención allende las fronteras.... Termina -EL CRISTO HOMBRE-, obra de gran envergadura, justo parece destacar, al lado de la virtud poética e histórica del cuadro, el carácter de proeza técnica, la condición de madera de esa cruz que la secunda sin deidad, el cristo -el hombre de rodillas-, cabizbajo, la voluntad sin freno del ejecutor y el oficio que recorre la obra de punta a cabo, tras una génesis empírica, paciente, gradualmente vivida por el creador, hace a la postre, a los ojos del observador, una obra magistral....
Rafael Sánchez Bargiela (Director del Museo de Ponteareas). El realismo NAS, nacido de una personalísima combinación entre naturalismo, abstracción y surrealismo, ha convertido a Diego de Giráldez en uno de los principales exponentes de la plástica de este fin de siglo, como lo acredita su trayectoria y su obra, que forma parte ya de las colecciones de numerosos museos de nuestra Península y de otros países.
Florenci Criville i Estraqui (Director del Museu Etonográfic de Ripoll (Girona). De Diego de Giráldez se puede decir que realmente es impresionante su pintura de una rara singularidad… Quiero felicitarle por seguir siendo original y por patentizar un mensaje poético en un mundo tan trillado, opaco y reiterativo como el del arte actual...
Fernando Elorrieta (Escritor y Director de enseñanza). El análisis de la obra de Giráldez no puede quedarse en la estructura epidérmica o superficial del objeto, hay que profundizar en el sujeto, en el compromiso que oculta tras las rotundidades de la forma y la precisión del diseño. Es una obra engagée en el sentido hondo de los conceptos satrianos, el artista es un testigo de la sociedad y del momento, pero en este caso de una realidad trascendida, que horada las pulsaciones existenciales para transformarse, divinizarse, en delicadezas sutiles de sentimientos religiosos, místicos y afectivos. El estudio de una obra perfectamente construida en la composición, en el cromatismo, en la morfología no debe solapar la profundidad de los temas que el artista trata, habrá que subirse a la octava esfera para entender la diafanidad del mensaje que Diego de Giráldez nos envía. Forma y fondo, símbolo y metáfora, humildad y sabiduría, hacen de este joven demiurgo de la plástica actual un caso único y singular en el arte.
Mauro Panizo del Val (Periodista, Director de Radio Cadena Española en Vigo). Un día de 1975 un jovencísimo pintor saca sus cuadros al aire de Vigo y a la curiosidad de los vigueses. Se llama Diego de Giráldez. Elogios, comentarios, laudatorios y luego… un largo camino no en el tiempo, sí en la peripecia vital y plástica. Sigue trabajando intensamente y las exposiciones se suceden durante años: Santiago, Madrid, Barcelona, Lisboa, Ginebra, París…, saben del buen hacer de Diego de Giráldez. Ahora sigue pintando, dedicándose a la obra bien hecha. Junto a la línea ágil, el color rico, expresivo y la composición meditada. ¡Esos gallos apiñados, en una espléndida creación! ¡Esas flores, hierbas y frutos que tienen como un sentimiento de vida, un pálpito caliente, humanizado! ¡Esas figuras en las que junta a la expresividad de los rostros, aparece como un soberbio trabajo! ¡Ese difícil entramado de ropas y telas, sin envaramientos!...
Javier Rubio Moblot (Crítico de Arte) Diego de Giráldez construye con sus animales meticulosamente pintados y con esa serie de objetos (fundamentalmente esferas trasparentes) que flotan en el vacío, un mundo de asociaciones que por otra parte, tienen más que ver con la metafísica que con el surrealismo…. Diego de Giráldez ha expuesto individualmente en más de doscientas ocasiones y su obra se encuentra representada nada menos que en más de doscientos museos importantes del mundo: España, Portugal, Egipto, Vaticano,…
Lorenzo García – Diego Pérez (Crítico de arte) Toda su obra es una exaltación de paganía y refinado intelectualismo. Como maestro del arte español actual nos envuelve de magnificencia y nos liberta de la vulgaridad cotidiana. No hay nada inconsciente en su obra. No brota porque sí y falto de antecedentes en la obra de este gran pintor. Tiene trazada de antemano la trayectoria de su arte, seguro como está de que no habrán de falsearle ulteriores rectificaciones. Es un precoz en la historia de la pintura. Y no un precoz irreflexivo, inseguro, que luego había de sufrir amargos desengaños y soportar impuestas rectificaciones…
Manuel Fraga Iribarne (Presidente de la Xunta de Galicia). El pintor Diego de Giráldez nació en el seno de una familia navegante y, desde niño, se interesó por el estudio y aprendizaje de los diversos campos artístico. Dotado naturalmente para el dibujo y la pintura, y armado de un tesón y una constancia admirables, estas cualidades hicieron de Giráldez un artista singular, portador de un característico modo creativo y de una personal visión del mundo y de la vida. Estamos, pues, frente a la obra de un profundo conocedor de los entresijos, frente a un artista con oficio y con ferviente capacidad creativa, algo que nos conduce a la esencia del hombre, a la plasticidad del tiempo y del espacio.
Mariano Rajoy Brey (Ministro de Educación y Cultura) Diego de Giráldez, cuya obra y vitalidad merecen ser apreciados en profundidad y testimonian la calidad de la pintura gallega y española contemporánea. Creador pujante y salpicado de imaginación, el arte gallego, tan rico y diverso de tendencias, tiene un gran exponente en la trayectoria de este maestro pontevedrés del realismo, cuya originalidad estriba en la perfecta conjugación de lo real y lo onírico. Sus múltiples y numerosas exposiciones a lo largo y ancho de toda la geografía española, así como en el extranjero, y la presencia de su obra en más de cien museos, avalan el prestigio de este artista gallego, cuya obra despierta un gran interés en la escena artística contemporánea.
Juan Antonio Sánchez García (General – director del Museo del Ejército - Madrid). Existen en el Museo pinturas y esculturas de artistas de renombre, especialmente de los siglos XIX y XX. Entre los últimos, figura la personalidad de Diego de Giráldez, pintor representado en un buen número de Museos Militares (Madrid, Burgos, Barcelona, Toledo...). En particular, para el Museo del Ejército pintó, en 1996, la imagen de un “soldado de vigilancia”, un busto de espaldas, un soldado del siglos XX, de una época que se supone de paz, soldado anónimo, al que en un momento determinado se pone un nombre particular. El retrato de todos y cada uno de los que han participado en el Golfo, en Bosnia o han estado destinados en un Regimiento cualquiera. Esta obra, producto del trabajo de un buen pintor, delata en su sencillez y pulcritud de factura, no solo la mano de un artista de espíritu elevado, sino también la representación de la defensa por una Patria, el amor por sus tradiciones, y en suma, la búsqueda de la paz y la libertad, que tanto anhelamos y por las que seguimos luchando.
José Manuel Hidalgo Cuñarro (Director del Museo Municipal Quiñones de León – Vigo). Cuando hablamos de Giráldez tratamos de un artista que se remite únicamente a su psique, un artista que supera lo real alcanzando lo metafísico, con un mundo íntimo extremadamente rico. La obra de Diego Giráldez no tiene parangón. A lo largo de su vida se ha preocupado por la búsqueda de una personal estética que lo hace inconfundible.
Mª Luisa Ilarri Junquera (Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela y Doctorada en Crítica Textual por la Universidad Autónoma de Barcelona). La opción expresiva de Diego de Giráldez es la pintura figurativa, construida con un lenguaje original, de factura lisa y dibujo preciso, que estimula las vivencias de la realidad esencial y la reflexión sobre el misterio y los grandes temas de la existencia humana. Imbuido de una sensibilidad mística y franciscana, se preocupa por el hombre y su relación con el entorno, la naturaleza, los animales, las cosas. Crea un ámbito que se mueve entre lo físico, lo espiritual, lo real y lo onírico, con un acento evidente de nostalgias, temores y una poética onírica.
Tito Gómez Giráldez (crítico de arte). Este hombre del Norte, de la montaña, conoce el gusto de la felicidad y el de las lágrimas, conoce el clima que es a la par un tónico y un sedante, conoce también su naturaleza tan dura para el cuerpo como apetecible para el ánimo, conoce sus historias, conoce sus gentes,.... En algunos de sus cuadros se ven las íntimas necesidades humanas, buscadas desde las honduras de su alma, no desde el corazón que es inartístico, desde el arte que es la mejor técnica para llegar al alma. Este, traspasa valientemente la realidad, la vence con realidades, sin competir con la naturaleza, puesto que él mismo es naturaleza, pero la violenta con surrealidades y la acompaña con un aire de misterio, de abstracción, cósmico, metafísico corpóreo, poético, donde se “ve el silencio” y confunde al contemplador de lo aparente.
José Amiguetti Sánchez (Coronel Director del Museo de la Guardia Civil). Sus trabajos ofrecen una clara visión de un mundo natural y escénico, donde predominan las formas vivas, a modo de bodegones, y de las alegóricas representaciones un tanto místicas, un tanto grotescas, de seres vivos y naturaleza muerta, flotando en ese ambiente cálido y abstracto a la vez.
Leoncio Verdera Franco (Coronel - Director del Museo Militar Regional de A Coruña, Doctor en Historia). Las obras de Diego de Giráldez producen unas sensaciones que, sobrepasando lo pictórico, despiertan nuestro inconsciente y hacen que no nos podamos desprender finalmente de la imagen contemplada; son obras que siempre atraen aunque sin duda desconciertan. Su pintura, naturalista con tintes surrealistas y oníricos, se ofrece como única e irrepetible y siempre reconocible por las sensaciones impactantes que se transmiten desde sus cuadros.
Fernando Franco (Periodista). Cuando entras en su casa de invitado y todo allí parece pretérito, desde la báscula romana hasta el dosel de su cama, desde la cómoda con un siglo de vida y de caoba al tocadiscos Dual de aquellos 60 en que era adolescente. Y luego están sus coches sacados del pasado, comprador de viejas glorias ajeno a las últimas marcas y modelos del mercado. Diego de Giráldez es un hombre tranquilo y paseante, encastrado en el pueblo y nada amigo de pompas y boatos. Tranquilo pero no callado, ni inactivo ni atado porque parece haber hecho de la España toda su morada cargando con su obra, de museo en museo, de galería en galería como en un frenético “tour” de músicos rockeros. Nadie sabe cómo hace pero a veces parece imitar a Dios, presente en todas partes.
Antonio Almodóvar Azorín (Coronel - Museo del Aire Madrid). El museo del aire tiene en su colección una obra del conocido pintor Diego de Giráldez, de tema aeronáutico. Ahora bien, el aeroplano que representa no se corresponde con ninguno real de la historia de la aviación. Es una pintura de aviones en la que deja una interpretación y mensaje descifrados de manera distinta por críticos y admiradores. Pudimos admirar y observar detenidamente este cuadro en la nueva zona noble de la Sala de Conferencias, Biblioteca, Sala de Juntas y Despacho del Director, en donde se decidió su ubicación, camino recorrido por las visitas más importantes del Museo, cuando firman el libro de honor del mismo. Quizás se hayan visto sorprendidos por este extraño avión que parece volar y también estar parado, suspendido en un halo de misterio y dirigido hacia un fantasmal y desconocido infinito, que emociona y al mismo tiempo sobrecoge.
Manuel Osuna Ruíz (Director del Museo de Huelva). Hace años, cuando dirigía el Museo de Cuenca, entre en contacto con este pintor que terminó teniendo presencia fija con una de sus obras en el Museo. La obra es de primerisima calidad. Sus creaciones pueden ser admiradas en muchos museos como puede verse en su curriculum, y en estos momentos, también en un museo monográfico dedicado a su obra. Diego de Giráldez, como Saura y Palencia, al menos para un Museólogo, son un ejemplo a seguir
Joan Gómez Vinardell (Director del Museu d’Estampació de Premià). La obra de Diego de Giráldez. Un cuadro, en el fondo jugando con el claroscuro había una pluma de ave, acerqué mi vista y descubrí que no era real. Un dibujo, una pintura, un holograma, un efecto óptico... surgía del negro hacia la luz, una pluma de ave - ella era un mensaje- una llave que estaba abriendo una puerta y el paso al conocimiento de un pintor: Diego. Una obra que gira alrededor de la luz, una luz que circula del negro hacia el blanco, una luz profunda de tierra gallega, luz que me recuerda a Rosalía; “negra sombra que me asombra”.
José González Ortiz (Escritor, Crítico de arte, miembro de la AECA y AICA y Director del Museo Municipal Elisa Cendrero de Ciudad Real). LOS GALLOS MÍSTICOS DE LA NOCHE Surge un gallo entre el viento, y Diego de Giráldez lo atrapa con su pincel. Con él, crea un espacio plástico, un poema lírico, donde levitan las burbujas y se corporean los espíritus de las cosas que antes se desvanecían en la intermitencias de su memoria. El gallo invita a otros gallos, a las mazorcas de maíz, a los peces, a un perro, un Cristo..., para que todos conformen y generen un cosmos dentro del lienzo. ¡Quizás un cuento! en el que Diego narra su historia, el sueño que palpita nervioso en las puntas de sus dedos. Diego materializa en el aire los gallos que le arrullan en sus noches, a las palomas que se embriagan con el arco iris, a los seres queridos que pueblan los latidos de su corazón. La magia de sus pinturas siembran de sugerencias el paso breve de la vida, y adornan de colores e imágenes, el análisis, a veces frío y seco de la razón. (A la obra pictórica de Diego de Giráldez).
Coronel Gavira (Director del Museo Militar Regional de Sevilla). La obra pictórica de Diego de Giráldez, siendo figurativa, no deja de tener un estilo costumbrista en el que el autor da pinceladas surrealistas. Es por lo tanto, difícil encuadrarlo en un estilo concreto, aunque no imposible. Es cierto, que todo el que contempla su obra queda “enganchado” e impresionado por su realismo y veracidad. Trata de que haya una conexión entre la naturaleza y la humanidad. Resumiendo: es un artista completo, tanto en colorido, como en estructura de trazos y composición.
Gerardo Pérez Calero (Profesor Titular de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla y Académico de la Real de Bellas Artes). La pintura de Giráldez está concebida como una pura y desinteresada investigación, semejante a un científico o a un filósofo, como búsqueda de una verdad que no podía ser resuelta más que con esa meditación laboriosa en el terreno de la verdad que es para él pintar. Esta investigación es la clave de la esencia pictórica de éste maestro pontevedrés. Investigación física y de pensamiento, que gusta expresar el mundo real y el aparente. Giráldez es esencialmente hispánico, o ibérico, en la sencillez, el mutimo, el ascetismo e incluso el misticismo de muchas representaciones. Así veo, a Diego de Giráldez. Un místico y un ascético de este final de siglo que nos ha visto nacer. Atento a su entorno y fiel a sus profundas vivencias, las que esperamos se alarguen en el tiempo para goce de los que nos emocionamos con las creaciones magistrales de los artistas.
José Fernando Sánchez Ruyz (Escritor, Poeta y Director del Museo Alcázar de Ciudad Real). En Alcázar de San Juan, en la primavera de 1995. tuve la ocasión de visitar una excelente exposición de las obras, de Diego de Giráldez, que aún hoy son recordadas con interés por los aficionados a las artes plásticas y los artistas de la zona. La relación del hombre con su entorno se convierte en un estandarte de la obra de Diego de Giráldez, no en el sentido al que estamos cotidianamente habituados, sino en una relación profunda donde aparecen con importancia paralela a la intervención de la humanidad en su entorno natural, en un concepto abstracto, de interrelación hombre-medio, donde le humano se mide ante el mundo reconociendo su incapacidad de mejorarlo, sobre este eje central la obra de Diego de Giráldez desarrolla su simbología y una estética personal que consiguen identificar a sus pinturas y darles marca de autor. Magia, respeto, emoción, ecología y armonía están presentes en la obra de Diego de Giráldez, el pintor que desde hace veinticinco años nos enseña que la belleza de las cosas también puede presentarse sobre fondos tenebristas. Porque la belleza de la pintura reside en un ápice de reflejo del propio conocimiento de la vida, que el espectador se encuentra en todas las pinturas de Diego de Giráldez.
JOSÉ OTERO ABELEDO “LAXEIRO”
LAXEIRO
José Otero Abeledo, más conocido por su pseudónimo Laxeiro (Lalín, 1908 - Vigo, 21 de julio de 1996), fue un pintor español.
Nacido en Galicia, emigró a Cuba con sus padres, y allí trabajó en tareas artesanales que iban acercándole al arte, desde el grabado a la vidriería. Debido a una enfermedad volvió a España en 1931, viviendo en Galicia] una existencia bohemia y alegre. Su presencia en cafés y tabernas de Vigo es constante hasta los años cincuenta. Apenas recibió clases de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Vigo.
De nuevo se marcha a América, para residir bastantes años en Buenos Aires, donde realiza una amplísima obra. Regresa de nuevo a España y trabaja en Madrid y en Vigo, donde ha transcurrido la mayor parte de su dilatada existencia.
Entre sus galardones cabe destacar la Medalla de la Bienal de Pontevedra, la Medalla Castelao de la Junta de Galicia y la Medalla de Oro del Ayuntamiento de Vigo. Cuenta con museo propio en Vigo, una sala monográfica en el Museo de Castrelos de Vigo y amplia representación en todos los de Galicia, así como en numerosas colecciones privadas de España y América.
Su infancia rural la ha sublimado en 'su pintura, que se divide en tres etapas: la inicial, apegada a mundos de ensoñación, de barroquismo, siempre en paleta sobria de tierras y ocres; en la segunda, probablemente la más intensa y personal, alterna lo folclórico y lo religioso, desde una visión personal, vagamente relacionable con Rembrandt, probablemente su artista más admirado. La tercera etapa le acerca a modos postcubistas, de clara raíz picassiana, en la que esquematiza su dibujo, a base de figuras silueteadas, con línea de grafismo quebrado y colores planos e intensos, siempre con el negro como dominante.
José Otero Abeledo, más conocido por su pseudónimo Laxeiro (Lalín, 1908 - Vigo, 21 de julio de 1996), fue un pintor español.
Nacido en Galicia, emigró a Cuba con sus padres, y allí trabajó en tareas artesanales que iban acercándole al arte, desde el grabado a la vidriería. Debido a una enfermedad volvió a España en 1931, viviendo en Galicia] una existencia bohemia y alegre. Su presencia en cafés y tabernas de Vigo es constante hasta los años cincuenta. Apenas recibió clases de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Vigo.
De nuevo se marcha a América, para residir bastantes años en Buenos Aires, donde realiza una amplísima obra. Regresa de nuevo a España y trabaja en Madrid y en Vigo, donde ha transcurrido la mayor parte de su dilatada existencia.
Entre sus galardones cabe destacar la Medalla de la Bienal de Pontevedra, la Medalla Castelao de la Junta de Galicia y la Medalla de Oro del Ayuntamiento de Vigo. Cuenta con museo propio en Vigo, una sala monográfica en el Museo de Castrelos de Vigo y amplia representación en todos los de Galicia, así como en numerosas colecciones privadas de España y América.
Su infancia rural la ha sublimado en 'su pintura, que se divide en tres etapas: la inicial, apegada a mundos de ensoñación, de barroquismo, siempre en paleta sobria de tierras y ocres; en la segunda, probablemente la más intensa y personal, alterna lo folclórico y lo religioso, desde una visión personal, vagamente relacionable con Rembrandt, probablemente su artista más admirado. La tercera etapa le acerca a modos postcubistas, de clara raíz picassiana, en la que esquematiza su dibujo, a base de figuras silueteadas, con línea de grafismo quebrado y colores planos e intensos, siempre con el negro como dominante.
MANUEL COLMEIRO GUIMARÁS
MANUEL COLMEIRO GUIMARÁS
Manuel Colmeiro Guimarás nace en Silleda (Pontevedra) en 1901. Siendo muy pequeño, su familia se instala en Buenos Aires, en donde inició sus estudios, aunque en realidad carece de formación académica. Fueron sus compañeros el argentino Demetrio Urruchúa y los españoles Pompeyo Audivert y Plana Casas.
Realizó su primera exposición en Vigo en 1928 en los salones del Faro de Vigo. La Diputación provincial de Pontevedra le concedió pensión para estudiar en París, donde estableció su residencia durante muchos años. De regreso a España se recluyó en su casa de la aldea de San Fiz, cerca de Silleda, aunque su presencia en Vigo es frecuente. Hizo exposiciones en numerosas ciudades del mundo. De carácter antológico las tuvo en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, en París y en otras ciudades importantes.
El intimismo, el concepto lírico de los ambientes, un bucolismo siempre dominante caracterizan la obra de este pintor, identificado con la Escuela Española de París, de la que formó parte como miembro destacado, aunque al fin sea gallego, en cuanto su pincel ambienta, crea y personaliza.
Está representado en museos de todo el mundo, y cuenta con salas monográficas en el de Vigo. Rechaza el museo personal, aunque sí estaría dispuesto a colaborar con su obra en un gran museo de Galicia, a cuya creación prestaría todo su apoyo.
Su pintura parte de los modos post cezannescos, y en cierta manera queda siempre patente la influencia francesa de las consecuencias del impresionismo, aunque, donde quiera que haya residido, Colmeiro es siempre: ferias campestres, escenas del trabajo rural, faenas domésticas, entre las que destaca la elaboración del pan. Sus paisajes y bodegones llegan a la pura síntesis formal y están construidos directamente con el color.
Enemigo del protagonismo, renuncia a homenajes, jurados y cualquier otra forma de exhibición personal. Suele trabajar en varios cuadros al mismo tiempo, porque gusta de "calentar las teclas", en un proceso mental perfectamente graudado, casi orquestal, aunque su música, deliberadamente, es de cámara, sin ninguna grandilocuencia. Su dibujo es esquemático.
Fallece en Salvaterra do Miño (Pontevedra) en 1999.
Manuel Colmeiro Guimarás nace en Silleda (Pontevedra) en 1901. Siendo muy pequeño, su familia se instala en Buenos Aires, en donde inició sus estudios, aunque en realidad carece de formación académica. Fueron sus compañeros el argentino Demetrio Urruchúa y los españoles Pompeyo Audivert y Plana Casas.
Realizó su primera exposición en Vigo en 1928 en los salones del Faro de Vigo. La Diputación provincial de Pontevedra le concedió pensión para estudiar en París, donde estableció su residencia durante muchos años. De regreso a España se recluyó en su casa de la aldea de San Fiz, cerca de Silleda, aunque su presencia en Vigo es frecuente. Hizo exposiciones en numerosas ciudades del mundo. De carácter antológico las tuvo en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, en París y en otras ciudades importantes.
El intimismo, el concepto lírico de los ambientes, un bucolismo siempre dominante caracterizan la obra de este pintor, identificado con la Escuela Española de París, de la que formó parte como miembro destacado, aunque al fin sea gallego, en cuanto su pincel ambienta, crea y personaliza.
Está representado en museos de todo el mundo, y cuenta con salas monográficas en el de Vigo. Rechaza el museo personal, aunque sí estaría dispuesto a colaborar con su obra en un gran museo de Galicia, a cuya creación prestaría todo su apoyo.
Su pintura parte de los modos post cezannescos, y en cierta manera queda siempre patente la influencia francesa de las consecuencias del impresionismo, aunque, donde quiera que haya residido, Colmeiro es siempre: ferias campestres, escenas del trabajo rural, faenas domésticas, entre las que destaca la elaboración del pan. Sus paisajes y bodegones llegan a la pura síntesis formal y están construidos directamente con el color.
Enemigo del protagonismo, renuncia a homenajes, jurados y cualquier otra forma de exhibición personal. Suele trabajar en varios cuadros al mismo tiempo, porque gusta de "calentar las teclas", en un proceso mental perfectamente graudado, casi orquestal, aunque su música, deliberadamente, es de cámara, sin ninguna grandilocuencia. Su dibujo es esquemático.
Fallece en Salvaterra do Miño (Pontevedra) en 1999.
JORGE CASTILLO CASALDERREY
JORGE CASTILLO CASALDERREY
José Castillo Casalderrey, (Pontevedra; 1933), pintor español.
Pasa su infancia en Argentina, donde su padre, negociante y viajero, tuvo que radicarse por razones políticas y donde morirá en plena Guerra Civil Española.
Desde sus primeros años ya dibujaba incansablemente, realizó una serie de ilustraciones inspiradas en los relatos de "Corazón", de Edmundo de Amicis, libro en aquellos años de divulgación considerable.
Fue un irregular estudiante, inicia trabajos manuales y escribe relatos. Un accidente callejero le lleva a trabajar en una industria mecánica, donde aprende dibujo técnico. Comienza a conocer la pintura contemporánea y lee incansablemente.
A partir de 1950 se dedica intermitentemente a la pintura y traba amistad con gallegos notables residentes en Buenos Aires, como Laxeiro, Manuel Colmeiro Guimarás y Luis Seoane.
Permanece en la Argentina hasta 1956, año en que viene a España y cumple el servicio militar en Zaragoza, donde parovecha el tiempo libre para pintar. En 1958 traba amistad con Juana Mordó, entonces a cargo de la Galería Biosca. Se relaciona con artistas españoles de renombre. Extiende inicialmente su nombre a París y fija residencia en Barcelona, donde se casa en 1961 y enviuda dos años más tarde. Se instala en París y conoce a la italiana Marienza Binetti, quien durante años ejercerá una intensa influencia en el artista, y a la que retrata incansablemente. Su obra se abre caminos en toda Europa y en Nueva York en los años finales de la década de los sesenta. Su tríptico de grandes dimensiones titulado "Palomares", sobre el incidente de la bomba atómica perdida por los norteamericanos en aguas del bajo Mediterráneo, alcanza fama mundial.
En 1969 es invitado a residir y trabajar durante un año en Berlín, donde realiza numerosas pinturas, grabados y esculturas. En los años sesenta la fama de Castillo se consolida, y sus exposiciones se producen en las principales galerías del mundo, lo que da lugar a que escriban sobre Castillo los más importantes críticos. En 1977 aparece la primera monografía sobre el artista gallego, escrita por Werner Haftmaum. En 1982 se vincula a la célebre galería Marlborough, árbitro del arte contemporáneo en Estados Unidos.
Nuevas monografías en diversos países entre ellas la escrita por Carter Ratcliff. Sus esculturas se emplazan en lugares públicos de las ciudades más importantes del occidente europeo. En España se consagra definitivamente con la publicación de la citada monografía de Ratcliff por ediciones La Polígrafa. Adquieren obra suya importantes museos, como el Guggenheim de Nueva York, donde al artista fija su residencia y tiene un amplio estudio.
En su ciudad natal, Pontevedra, se le dedica una sala especial durante la celebración de la Bienal, en 1988. La citada galería neoyorkina y el Meadows Museum de Dallas, Texas, le dedican grandes exposiciones que se repiten en Barcelona y Santiago de Compostela durante el año 1990.
La obra de Jorge Castillo figura en museos de todo el mundo, desde Estados Unidos a Jerusalén. Compostela será sede de su museo permanente, por acuerdo del artista con la Junta de Galicia y el Ayuntamiento de Santiago.
Se aproxima al surrealismo, del que parten muchas de sus creaciones, aunque también está cerca, a veces, de un cierto hiperrealismo muy personal.
Hay una etapa puramente testimonial, auque subjetivizada, en sus cuadros de Nueva York, donde la perspectiva de las arquitecturas gigantes de esta urbe es disculpa para ejercicios plásticos inconfundibles.
Tanto como su pintura importan su escultura y su obra gráfica, probablemente el aspecto que lo ha divulgado más en ámbitos internacionales.
José Castillo Casalderrey, (Pontevedra; 1933), pintor español.
Pasa su infancia en Argentina, donde su padre, negociante y viajero, tuvo que radicarse por razones políticas y donde morirá en plena Guerra Civil Española.
Desde sus primeros años ya dibujaba incansablemente, realizó una serie de ilustraciones inspiradas en los relatos de "Corazón", de Edmundo de Amicis, libro en aquellos años de divulgación considerable.
Fue un irregular estudiante, inicia trabajos manuales y escribe relatos. Un accidente callejero le lleva a trabajar en una industria mecánica, donde aprende dibujo técnico. Comienza a conocer la pintura contemporánea y lee incansablemente.
A partir de 1950 se dedica intermitentemente a la pintura y traba amistad con gallegos notables residentes en Buenos Aires, como Laxeiro, Manuel Colmeiro Guimarás y Luis Seoane.
Permanece en la Argentina hasta 1956, año en que viene a España y cumple el servicio militar en Zaragoza, donde parovecha el tiempo libre para pintar. En 1958 traba amistad con Juana Mordó, entonces a cargo de la Galería Biosca. Se relaciona con artistas españoles de renombre. Extiende inicialmente su nombre a París y fija residencia en Barcelona, donde se casa en 1961 y enviuda dos años más tarde. Se instala en París y conoce a la italiana Marienza Binetti, quien durante años ejercerá una intensa influencia en el artista, y a la que retrata incansablemente. Su obra se abre caminos en toda Europa y en Nueva York en los años finales de la década de los sesenta. Su tríptico de grandes dimensiones titulado "Palomares", sobre el incidente de la bomba atómica perdida por los norteamericanos en aguas del bajo Mediterráneo, alcanza fama mundial.
En 1969 es invitado a residir y trabajar durante un año en Berlín, donde realiza numerosas pinturas, grabados y esculturas. En los años sesenta la fama de Castillo se consolida, y sus exposiciones se producen en las principales galerías del mundo, lo que da lugar a que escriban sobre Castillo los más importantes críticos. En 1977 aparece la primera monografía sobre el artista gallego, escrita por Werner Haftmaum. En 1982 se vincula a la célebre galería Marlborough, árbitro del arte contemporáneo en Estados Unidos.
Nuevas monografías en diversos países entre ellas la escrita por Carter Ratcliff. Sus esculturas se emplazan en lugares públicos de las ciudades más importantes del occidente europeo. En España se consagra definitivamente con la publicación de la citada monografía de Ratcliff por ediciones La Polígrafa. Adquieren obra suya importantes museos, como el Guggenheim de Nueva York, donde al artista fija su residencia y tiene un amplio estudio.
En su ciudad natal, Pontevedra, se le dedica una sala especial durante la celebración de la Bienal, en 1988. La citada galería neoyorkina y el Meadows Museum de Dallas, Texas, le dedican grandes exposiciones que se repiten en Barcelona y Santiago de Compostela durante el año 1990.
La obra de Jorge Castillo figura en museos de todo el mundo, desde Estados Unidos a Jerusalén. Compostela será sede de su museo permanente, por acuerdo del artista con la Junta de Galicia y el Ayuntamiento de Santiago.
Se aproxima al surrealismo, del que parten muchas de sus creaciones, aunque también está cerca, a veces, de un cierto hiperrealismo muy personal.
Hay una etapa puramente testimonial, auque subjetivizada, en sus cuadros de Nueva York, donde la perspectiva de las arquitecturas gigantes de esta urbe es disculpa para ejercicios plásticos inconfundibles.
Tanto como su pintura importan su escultura y su obra gráfica, probablemente el aspecto que lo ha divulgado más en ámbitos internacionales.
ÁNGEL SEVILLANO ESTREMERA
ÁNGEL SEVILLANO ESTREMERA
Ángel Sevillano Estremera nace en Vigo (Pontevedra) en 1942. Su padre, poeta y periodista, amigo de pintores, le habitúa, desde muy niño, a convivir con artistas, entre ellos Colmeiro, con quien mantendrá una amistad permanente.
Realiza los estudios superiores de Bellas Artes, desde 1962 a 1967, en San Carlos, Valencia, y San Fernando, Madrid, pensionado por la Diputación provincial de Pontevedra. Al concluir los estudios gana pensión de paisaje para El Paular. Se dedica a la enseñanza, como profesor de dibujo en Institutos de Enseñanza Media en Vigo, Santiago, Sanxenxo y Carril.
Durante cuatro años reside en Venezuela, país que recorre, así como otros de Sudamérica, lo que influye en su concepto del color y la forma. Realizó una amplia labor de ilustrador en el desaparecido diario «Arriba» y en otros medios.
Comienza a exponer muy joven, a principios de la década de los sesenta, en Vigo, y lo ha hecho en numerosas ciudades de España y Sudamérica. Ha viajado por Francia y el Norte de África. Poseen obras suyas los museos de Vigo, Sada, La Coruña y Pontevedra.
Sevillano cultivó inicialmente el paisaje, desde un expresionismo directo, en verdes y negros, para derivar hacia una composición de figuras muy personal, en la que la multitud juega un papel fundamental en escenas de la vida cotidiana. Una paleta caliente y lírica, y un temperamento poético, invade la pintura de este artista, que de la América hispana y autóctona nos trajo una tipología exótica, ambientada en fondos de oro y plata, como si de los iconos orientales aprovechara los ambientes para idealizarlos a su modo. A veces, vagamente influido por Chagall, nos da criaturas que levitan, semovientes que vuelan y pájaros que se humanizan, en ambientes donde todo es ingrávido y como si respondiera a una fábula primitiva recreada por Miguel Angel Asturias. Sus bodegones, de una etapa intermedia, tienen una gama neutra muy orquestada, en tierras, ocres y azules ocasionales, de sencilla y profunda emoción.
Ángel Sevillano Estremera nace en Vigo (Pontevedra) en 1942. Su padre, poeta y periodista, amigo de pintores, le habitúa, desde muy niño, a convivir con artistas, entre ellos Colmeiro, con quien mantendrá una amistad permanente.
Realiza los estudios superiores de Bellas Artes, desde 1962 a 1967, en San Carlos, Valencia, y San Fernando, Madrid, pensionado por la Diputación provincial de Pontevedra. Al concluir los estudios gana pensión de paisaje para El Paular. Se dedica a la enseñanza, como profesor de dibujo en Institutos de Enseñanza Media en Vigo, Santiago, Sanxenxo y Carril.
Durante cuatro años reside en Venezuela, país que recorre, así como otros de Sudamérica, lo que influye en su concepto del color y la forma. Realizó una amplia labor de ilustrador en el desaparecido diario «Arriba» y en otros medios.
Comienza a exponer muy joven, a principios de la década de los sesenta, en Vigo, y lo ha hecho en numerosas ciudades de España y Sudamérica. Ha viajado por Francia y el Norte de África. Poseen obras suyas los museos de Vigo, Sada, La Coruña y Pontevedra.
Sevillano cultivó inicialmente el paisaje, desde un expresionismo directo, en verdes y negros, para derivar hacia una composición de figuras muy personal, en la que la multitud juega un papel fundamental en escenas de la vida cotidiana. Una paleta caliente y lírica, y un temperamento poético, invade la pintura de este artista, que de la América hispana y autóctona nos trajo una tipología exótica, ambientada en fondos de oro y plata, como si de los iconos orientales aprovechara los ambientes para idealizarlos a su modo. A veces, vagamente influido por Chagall, nos da criaturas que levitan, semovientes que vuelan y pájaros que se humanizan, en ambientes donde todo es ingrávido y como si respondiera a una fábula primitiva recreada por Miguel Angel Asturias. Sus bodegones, de una etapa intermedia, tienen una gama neutra muy orquestada, en tierras, ocres y azules ocasionales, de sencilla y profunda emoción.
FRANCISCO LEIRO LOIS
FRANCISCO LEIRO LOIS
Francisco Leiro Lois, pintor y escultor español.
Nace en Cambados (Pontevedra, Galicia) en 1957. De familia de artesanos, se incia en el oficio de la mano de su padre, cantero. Conoce la madera y el hierro al mismo tiempo que el "granito del país".
Expone por vez primera en su villa natal, en 1975. El año siguiente acude a Madrid, a una exposición colectiva de gallegos en la tradicional sala Toisón de la calle Arenal. Acude a las Bienales de Pontevedra y no es premiado. Las muestras de ARCO, en Madrid, cuentan con él desde 1986.
La Galería Malbourough, templo mundial del arte contemporáneo, se interesa por el gallego y lo «ficha» cuando el artista, no ha cumplido aún los 30 años, caso único en el mundo y que en Galicia sólo tiene una compañía, la del también pontevedrés Jorge Castillo, si bien éste llega a tal distinción cuando cuenta medio siglo de existencia.
Francisco Leiro: El Astronauta (Valdemoro, Madrid, 2001).Su obra aparece en lugares públicos: Estación de Renfe, en Vigo; Institutos de Enseñanza Media de Carril, Pontevedra; Concello de Vigo. La ciudad atlántica le encarga una obra, que ya se conoce por «El Sireno». Acero inoxidable sobre dos altísimas columnas de granito pulido, verdes y negras. Otea el mar y ausculta la ciudad en su vieja Puerta del Sol.
Su obra está en museos de arte moderno de todo el mundo. Las grandes colecciones e instituciones públicas se la disputan.
El propio artista suele llamar a algunas de sus piezas, «cousas», porque en cierto modo son indefinibles. Todas las materias son válidas para sus formas, aunque sin duda es la madera, los viejos y añosos troncos de carballos y castiñeiros de Galicia, donde mejor se expresa. Para Leiro vale la expresión atribuida a Miguel Angel de que escultura es quitarle al bloque lo que le sobra. A hachazos, a cuchilladas, a dentelladas casi, trabaja la materia, para darnos su peculiar visión trágica o irónica de la vida. Mutilaciones, rostros de ahogado grito desgarrador, humanidades ciclópeas, ideaciones y conceptos humanizados.
Francisco Leiro Lois, pintor y escultor español.
Nace en Cambados (Pontevedra, Galicia) en 1957. De familia de artesanos, se incia en el oficio de la mano de su padre, cantero. Conoce la madera y el hierro al mismo tiempo que el "granito del país".
Expone por vez primera en su villa natal, en 1975. El año siguiente acude a Madrid, a una exposición colectiva de gallegos en la tradicional sala Toisón de la calle Arenal. Acude a las Bienales de Pontevedra y no es premiado. Las muestras de ARCO, en Madrid, cuentan con él desde 1986.
La Galería Malbourough, templo mundial del arte contemporáneo, se interesa por el gallego y lo «ficha» cuando el artista, no ha cumplido aún los 30 años, caso único en el mundo y que en Galicia sólo tiene una compañía, la del también pontevedrés Jorge Castillo, si bien éste llega a tal distinción cuando cuenta medio siglo de existencia.
Francisco Leiro: El Astronauta (Valdemoro, Madrid, 2001).Su obra aparece en lugares públicos: Estación de Renfe, en Vigo; Institutos de Enseñanza Media de Carril, Pontevedra; Concello de Vigo. La ciudad atlántica le encarga una obra, que ya se conoce por «El Sireno». Acero inoxidable sobre dos altísimas columnas de granito pulido, verdes y negras. Otea el mar y ausculta la ciudad en su vieja Puerta del Sol.
Su obra está en museos de arte moderno de todo el mundo. Las grandes colecciones e instituciones públicas se la disputan.
El propio artista suele llamar a algunas de sus piezas, «cousas», porque en cierto modo son indefinibles. Todas las materias son válidas para sus formas, aunque sin duda es la madera, los viejos y añosos troncos de carballos y castiñeiros de Galicia, donde mejor se expresa. Para Leiro vale la expresión atribuida a Miguel Angel de que escultura es quitarle al bloque lo que le sobra. A hachazos, a cuchilladas, a dentelladas casi, trabaja la materia, para darnos su peculiar visión trágica o irónica de la vida. Mutilaciones, rostros de ahogado grito desgarrador, humanidades ciclópeas, ideaciones y conceptos humanizados.
ARTURO SOUTO FEIJOO
ARTURO SOUTO FEIJOO
Arturo Souto Feijoo nace en Pontevedra, en julio de 1902, hijo del magistrado y pintor Alfredo Souto Cuero, que fue su primer maestro.
Los diferentes destinos de su padre le llevan a vivir en Oviedo, Zaragoza, Lugo y A Coruña, hasta que se establece en Sevilla, en 1920. Su padre le inclina por una carrera más positiva, y cursa estudios de aparejador. Todos los años pasan el verano en Galicia, y los ambientes rurales y marinos influirán decisivamente en la inicial visión plástica de Arturo. El artista busca ambientes cerrados para sus acuarelas, como son los cafés cantantes e incluso las casas de lenocinio, apasionado por la figura femenina y en concreto por el desnudo.
En 1922 se instala en Madrid e ingresa en San Fernando, donde coincide con Dalí y otros artistas de posterior renombre. Aficionado a las tertulias, convive con escritores e intelectuales y traba amistad con Valle Inclán.
Hace el servicio militar en Vigo y realiza su primera exposición en 1925, año en el que participa en el Manifiesto de Los Ibéricos, con un grupo de inconformistas con el adocenado arte oficial de la España de aquel tiempo, que no quiere saber que existen Picasso, Juan Gris, Julio González, Gargallo y otros. En el grupo están Alberto Sánchez, Rafael Alberti, Manuel Angeles Ortiz, Francisco Bores, el vigués José Frau. La exposición de este grupo, en el Palacio del Retiro, constituye un grito y una revolución.
La corta pensión paterna la amplía Arturo Souto decorando porcelanas, y consigue dinero para su primer viaje en París, en 1926]. El segundo, en 1928, becado por la Diputación de Pontevedra. Se entusiasma con las nuevas corrientes estéticas de la capital francesa. Trabaja intensamente y se interesa por Giorgio de Chirico, cuya influencia acusará.
Regresa a España, participa en colectivas importantes y realiza muestras en 1929 y en 1930. Todas las técnicas le son accesibles: pastel, gouauche, acuarela, óleo. Un esteticismo dandi y cierto decadentismo preside la obra de esta época. Por medio del médico y poeta Luis Pimentel, del grupo "Ronsel", el Círculo de las Artes de Lugo le encarga seis paneles para sus salones. Obras en las que se plasma toda la personalidad del gallego. Viene la república y Souto se identifica con ella, significándose políticamente, al firmar el Manifiesto dirigido a la opinión pública y a los poderes oficiales. Conoce bien a pintores vascos, con alguno de los cuales, como el malogrado Aurelio Arteta, se identifica temática y técnicamente.
Se suceden sus exposiciones, en Madrid, Bilbao, A Coruña, Vigo. Su obra salta fronteras y se muestra en Cophenague y Berlín. En 1934 obtiene el premio de Roma, donde permanece hasta 1936, en cuyo mes de julio, encontrándose en Madrid, le sorprende la revuelta militar que deriva en guerra civil.
Participa activamente en la propaganda republicana con dibujos y carteles. En 1937 asiste al congreso internacional de escritores que se celebra en Valencia y expone en la Internacional de París, en el pabellón diseñado por Sert donde está el Guernica de Picasso, a quien ha conocido un par de años antes. En 1938 expone en Bruselas y es elogiado por el pintor James Ensor.
Concluye la guerra, con la derrota republicana, y en 1939, desde Valencia, Souto parte para el exilio. Se detiene en La Habana, donde expone, y después va a Nueva York, Los Angeles, Filadelfia. En 1942, por mediación de su amigo el diplomático y poeta Torres Bodet, se traslada a México, donde inmediatamente celebra su primera exposición y lo hará muchas veces, identificándose parcialmente con modos autóctonos que parten de los grandes muralistas.
En 1962 cruza el Atlántico, desembarca en Vigo y celebra una exposición en la desaparecida sala Velázquez. La muestra es un fracaso. Sus antiguos amigos apenas le hacen caso. Profundamente defraudado, recoge la obra, reniega de esas amistades y expone en Madrid, Bilbao y Compostela. Permanece en España hasta principios de 1964. En marzo regresa a México. Pintando, lo que le apasionaba y hacía magistralmente, fallece el 3 de julio siguiente.
Su obra se ha extendido por el mundo, figura en Museos de España y de América. Con motivo de la Bienal de Pontevedra, de 1984, se celebra una gran exposición antológica de pintor, que se repite en Vigo, en 1988.
Souto tiene muy diferentes etapas como pintor. Se inicia en un modernismo decadentista, elegante y mundano. La sucede otra muy francesa, con influencias que Van de Bonnard a Toulouse-Lautrec. Salta a la italiana, que recuerda a Chirico, y se entusiasma con el arte japonés, del que da una visión muy personal, de colorismo exquisito y exultante. La etapa americana es mucho más neutra de color, de intención racista, hierática, influida por el muralismo indigenista.
En medio, siempre, un pintor de mancha nerviosa, barroquizante, muy moderno, capaz de captar los más variados ambientes, desde las fiestas populares al mundo del mar y de la mitología.
Arturo Souto Feijoo nace en Pontevedra, en julio de 1902, hijo del magistrado y pintor Alfredo Souto Cuero, que fue su primer maestro.
Los diferentes destinos de su padre le llevan a vivir en Oviedo, Zaragoza, Lugo y A Coruña, hasta que se establece en Sevilla, en 1920. Su padre le inclina por una carrera más positiva, y cursa estudios de aparejador. Todos los años pasan el verano en Galicia, y los ambientes rurales y marinos influirán decisivamente en la inicial visión plástica de Arturo. El artista busca ambientes cerrados para sus acuarelas, como son los cafés cantantes e incluso las casas de lenocinio, apasionado por la figura femenina y en concreto por el desnudo.
En 1922 se instala en Madrid e ingresa en San Fernando, donde coincide con Dalí y otros artistas de posterior renombre. Aficionado a las tertulias, convive con escritores e intelectuales y traba amistad con Valle Inclán.
Hace el servicio militar en Vigo y realiza su primera exposición en 1925, año en el que participa en el Manifiesto de Los Ibéricos, con un grupo de inconformistas con el adocenado arte oficial de la España de aquel tiempo, que no quiere saber que existen Picasso, Juan Gris, Julio González, Gargallo y otros. En el grupo están Alberto Sánchez, Rafael Alberti, Manuel Angeles Ortiz, Francisco Bores, el vigués José Frau. La exposición de este grupo, en el Palacio del Retiro, constituye un grito y una revolución.
La corta pensión paterna la amplía Arturo Souto decorando porcelanas, y consigue dinero para su primer viaje en París, en 1926]. El segundo, en 1928, becado por la Diputación de Pontevedra. Se entusiasma con las nuevas corrientes estéticas de la capital francesa. Trabaja intensamente y se interesa por Giorgio de Chirico, cuya influencia acusará.
Regresa a España, participa en colectivas importantes y realiza muestras en 1929 y en 1930. Todas las técnicas le son accesibles: pastel, gouauche, acuarela, óleo. Un esteticismo dandi y cierto decadentismo preside la obra de esta época. Por medio del médico y poeta Luis Pimentel, del grupo "Ronsel", el Círculo de las Artes de Lugo le encarga seis paneles para sus salones. Obras en las que se plasma toda la personalidad del gallego. Viene la república y Souto se identifica con ella, significándose políticamente, al firmar el Manifiesto dirigido a la opinión pública y a los poderes oficiales. Conoce bien a pintores vascos, con alguno de los cuales, como el malogrado Aurelio Arteta, se identifica temática y técnicamente.
Se suceden sus exposiciones, en Madrid, Bilbao, A Coruña, Vigo. Su obra salta fronteras y se muestra en Cophenague y Berlín. En 1934 obtiene el premio de Roma, donde permanece hasta 1936, en cuyo mes de julio, encontrándose en Madrid, le sorprende la revuelta militar que deriva en guerra civil.
Participa activamente en la propaganda republicana con dibujos y carteles. En 1937 asiste al congreso internacional de escritores que se celebra en Valencia y expone en la Internacional de París, en el pabellón diseñado por Sert donde está el Guernica de Picasso, a quien ha conocido un par de años antes. En 1938 expone en Bruselas y es elogiado por el pintor James Ensor.
Concluye la guerra, con la derrota republicana, y en 1939, desde Valencia, Souto parte para el exilio. Se detiene en La Habana, donde expone, y después va a Nueva York, Los Angeles, Filadelfia. En 1942, por mediación de su amigo el diplomático y poeta Torres Bodet, se traslada a México, donde inmediatamente celebra su primera exposición y lo hará muchas veces, identificándose parcialmente con modos autóctonos que parten de los grandes muralistas.
En 1962 cruza el Atlántico, desembarca en Vigo y celebra una exposición en la desaparecida sala Velázquez. La muestra es un fracaso. Sus antiguos amigos apenas le hacen caso. Profundamente defraudado, recoge la obra, reniega de esas amistades y expone en Madrid, Bilbao y Compostela. Permanece en España hasta principios de 1964. En marzo regresa a México. Pintando, lo que le apasionaba y hacía magistralmente, fallece el 3 de julio siguiente.
Su obra se ha extendido por el mundo, figura en Museos de España y de América. Con motivo de la Bienal de Pontevedra, de 1984, se celebra una gran exposición antológica de pintor, que se repite en Vigo, en 1988.
Souto tiene muy diferentes etapas como pintor. Se inicia en un modernismo decadentista, elegante y mundano. La sucede otra muy francesa, con influencias que Van de Bonnard a Toulouse-Lautrec. Salta a la italiana, que recuerda a Chirico, y se entusiasma con el arte japonés, del que da una visión muy personal, de colorismo exquisito y exultante. La etapa americana es mucho más neutra de color, de intención racista, hierática, influida por el muralismo indigenista.
En medio, siempre, un pintor de mancha nerviosa, barroquizante, muy moderno, capaz de captar los más variados ambientes, desde las fiestas populares al mundo del mar y de la mitología.
viernes 1 de febrero de 2008
EUGENIO GRANEL
EUGENIO GRANELL
Eugenio Granell nace en La Coruña en 1912. Estudió el bachillerato en Santiago de Compostela y se trasladó a Madrid a finales de la década de los veinte, para continuar su vocación musical. Falleció en 2001.
Acude a tertulias en el Madrid republicano y conoce a las principales figuras literarias, inclusive a Valle-Inclán.
En el periodo derechista de la República es detenido, pasa varios meses en la Cárcel Modelo de Madrid. Se integra en el POUM (Partido Obrero de Unificación Marxista). Durante la contienda, como militante republicano, es destinado a Valencia y Cataluña. Más tarde pasará al frente de Aragón.
La derrota republicana en la guerra civil le lleva al exilio. En Francia vive los campos de concentración, de algunos de los cuales consiguió fugarse. Conoce la invasión nazi. Consigue viajar a América en la diáspora republicana, con recuerdos de escritores como Orwell y Peret, que ha conocido.
Se unirá a las corrientes surrealistas, y llegará a exponer en Marx Ernst, Wifredo Lam y otros de ese movimiento, no las conocía antes de concluir la guerra sino por referencias del orensano Cándido Fernández Mazas. Se vincula a esos modos de expresión plástica cuando se encuentra en el Caribe, en Santo Domingo. Destaca tan pronto, que su primer gran cuadro lo adquiere el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Conoce a los grandes surrealistas franceses, incluido el «papa» André Breton.
La dictadura del general Rafael Leónidas Trujillo le invita a cambiar de isla, y marcha a Puerto Rico, donde establece contactos con intelectuales exiliados, como Juan Ramón Jiménez, Federico de Onis, Américo Castro]. Nuevo salto, a Estados Unidos; en concreto a Nueva York, donde es profesor algunos años, hasta jubilarse como emérito del Brooklin College, tras doctorarse.
Algunas de sus obras literarias se reeditan en España, como «Lo que sucedió...», que había obtenido el premio Don Quijote en 1967. Regresa con fama bien asentada de pintor, y sus exposiciones se suceden en España, con grandes elogios de la crítica. Exposiciones monumentales de su obra son las que se realizan en A Coruña y en el Centro Cultural de Caixavigo. Su obra está en museos de todo el mundo. Guarda escritos y testimonios de André Breton, Juan Ramón Jiménez, Jorge Guillén, Miró, Pablo Neruda.
La pintura es cromatismo, en carmines, verdes, azules, negros, está dicho en siluetas perfectamente delimitadas, y sobre fondos contrastantes. Algo, y no poco, queda de las expresiones de Alberto Sánchez, con Julio González, innovador de formas que ha conocido este siglo.
Eugenio Fernández Granell fallece en Madrid en octubre de 2001. La Xunta de Galicia le concede a título póstumo la Medalla de Oro de Galicia 2001 por su trayectoria en el mundo de las artes
Eugenio Granell nace en La Coruña en 1912. Estudió el bachillerato en Santiago de Compostela y se trasladó a Madrid a finales de la década de los veinte, para continuar su vocación musical. Falleció en 2001.
Acude a tertulias en el Madrid republicano y conoce a las principales figuras literarias, inclusive a Valle-Inclán.
En el periodo derechista de la República es detenido, pasa varios meses en la Cárcel Modelo de Madrid. Se integra en el POUM (Partido Obrero de Unificación Marxista). Durante la contienda, como militante republicano, es destinado a Valencia y Cataluña. Más tarde pasará al frente de Aragón.
La derrota republicana en la guerra civil le lleva al exilio. En Francia vive los campos de concentración, de algunos de los cuales consiguió fugarse. Conoce la invasión nazi. Consigue viajar a América en la diáspora republicana, con recuerdos de escritores como Orwell y Peret, que ha conocido.
Se unirá a las corrientes surrealistas, y llegará a exponer en Marx Ernst, Wifredo Lam y otros de ese movimiento, no las conocía antes de concluir la guerra sino por referencias del orensano Cándido Fernández Mazas. Se vincula a esos modos de expresión plástica cuando se encuentra en el Caribe, en Santo Domingo. Destaca tan pronto, que su primer gran cuadro lo adquiere el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Conoce a los grandes surrealistas franceses, incluido el «papa» André Breton.
La dictadura del general Rafael Leónidas Trujillo le invita a cambiar de isla, y marcha a Puerto Rico, donde establece contactos con intelectuales exiliados, como Juan Ramón Jiménez, Federico de Onis, Américo Castro]. Nuevo salto, a Estados Unidos; en concreto a Nueva York, donde es profesor algunos años, hasta jubilarse como emérito del Brooklin College, tras doctorarse.
Algunas de sus obras literarias se reeditan en España, como «Lo que sucedió...», que había obtenido el premio Don Quijote en 1967. Regresa con fama bien asentada de pintor, y sus exposiciones se suceden en España, con grandes elogios de la crítica. Exposiciones monumentales de su obra son las que se realizan en A Coruña y en el Centro Cultural de Caixavigo. Su obra está en museos de todo el mundo. Guarda escritos y testimonios de André Breton, Juan Ramón Jiménez, Jorge Guillén, Miró, Pablo Neruda.
La pintura es cromatismo, en carmines, verdes, azules, negros, está dicho en siluetas perfectamente delimitadas, y sobre fondos contrastantes. Algo, y no poco, queda de las expresiones de Alberto Sánchez, con Julio González, innovador de formas que ha conocido este siglo.
Eugenio Fernández Granell fallece en Madrid en octubre de 2001. La Xunta de Galicia le concede a título póstumo la Medalla de Oro de Galicia 2001 por su trayectoria en el mundo de las artes
DIEGO GÓMEZ DE GIRÁLDEZ ES UN PINTOR ESPAÑOL, NACIÓ EN 1956, EN A CAÑIZA (PONTEVEDRA).
Diego de Giráldez
Inconfundible la obra de este pintor, hiperrealista y sin embargo con frecuencia onírico. Hijo de un marino, vive su infancia en la villa natal, en un ámbito casi campesino. A los 8 años su familia se traslada a Vigo y se instala en la calle Real, de peculiar arquitectura decimonónica, entre la Colegiata neoclásica y el barrio marinero del Berbés. Diego queda huérfano de padre un año antes, y ya se interesa por el dibujo y la pintura. Su madre alienta esta vocación y lo lleva a Madrid para que conozca el Museo del Prado nuevamente, puesto que ya lo había visitado cuando vivía su progenitor. El niño devora libros de medicina, especialmente de anatomía. Y trabaja con pasteles, deseando dominar la técnica, que llega a ser en él pasión casi enfermiza.
Su primera exposición la realiza en Vigo, en 1975, con éxito sorprendente. Salta a Cataluña y allí se confirma su acogida. Repite incansablemente exposiciones en toda España, hasta el punto de que no debe quedar ciudad o villa importante donde no haya mostrado su obra. Viaja por Europa y pasa larguísimas jornadas en los museos. Llega a conocer a fondo a Velázquez, Zurbarán, Goya. Su obra es seleccionada para la muestra colectiva denominada «Maestros del realismo español de la vanguardia». Expone en el extranjero, sorprendiendo siempre la peculiar actitud plástica que adopta, con verismo impresionante en sus representaciones, en las que, sin embargo, hay una fantasía evidente y un inquietante misterio implícito.
De Suiza a Portugal su obra gana prestigio. La elogia el gran crítico, prematuramente muerto, Santiago Amón. La adquieren museos de España y del extranjero. En cierto modo, es único, irrepetible, su peculiar modo de utilizar el pastel mezclado con el óleo en barra. Giráldez es un realista diferente. Cuando representa un objeto, cualquier cachivache doméstico -un vaso, un huevo- su representación, como acontecía con Zurbarán, lo separa del mundo común para mayusculizarlo y ser únicamente él, El Huevo, El Vaso, el Excelentísimo Señor Huevo humilde y magnificado.
Sus cuadros religiosos representan un mundo diferente, táctil, obsesionante. Sus gallos muertos parecen vivir en una imaginaria taxidermia. La deliberada desproporción entre los objetos representados nos conduce a un surrealismo también peculiar. Desde la máxima exactitud referencial, la pintura de Diego de Giráldez es inquietante, capaz de conmover al espíritu menos sensible.
Ver más comentarios y parte de su obra en algunas direcciones donde figura Diego de Giraldez:
Diegor de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Inconfundible la obra de este pintor, hiperrealista y sin embargo con frecuencia onírico. Hijo de un marino, vive su infancia en la villa natal, en un ámbito casi campesino. A los 8 años su familia se traslada a Vigo y se instala en la calle Real, de peculiar arquitectura decimonónica, entre la Colegiata neoclásica y el barrio marinero del Berbés. Diego queda huérfano de padre un año antes, y ya se interesa por el dibujo y la pintura. Su madre alienta esta vocación y lo lleva a Madrid para que conozca el Museo del Prado nuevamente, puesto que ya lo había visitado cuando vivía su progenitor. El niño devora libros de medicina, especialmente de anatomía. Y trabaja con pasteles, deseando dominar la técnica, que llega a ser en él pasión casi enfermiza.
Su primera exposición la realiza en Vigo, en 1975, con éxito sorprendente. Salta a Cataluña y allí se confirma su acogida. Repite incansablemente exposiciones en toda España, hasta el punto de que no debe quedar ciudad o villa importante donde no haya mostrado su obra. Viaja por Europa y pasa larguísimas jornadas en los museos. Llega a conocer a fondo a Velázquez, Zurbarán, Goya. Su obra es seleccionada para la muestra colectiva denominada «Maestros del realismo español de la vanguardia». Expone en el extranjero, sorprendiendo siempre la peculiar actitud plástica que adopta, con verismo impresionante en sus representaciones, en las que, sin embargo, hay una fantasía evidente y un inquietante misterio implícito.
De Suiza a Portugal su obra gana prestigio. La elogia el gran crítico, prematuramente muerto, Santiago Amón. La adquieren museos de España y del extranjero. En cierto modo, es único, irrepetible, su peculiar modo de utilizar el pastel mezclado con el óleo en barra. Giráldez es un realista diferente. Cuando representa un objeto, cualquier cachivache doméstico -un vaso, un huevo- su representación, como acontecía con Zurbarán, lo separa del mundo común para mayusculizarlo y ser únicamente él, El Huevo, El Vaso, el Excelentísimo Señor Huevo humilde y magnificado.
Sus cuadros religiosos representan un mundo diferente, táctil, obsesionante. Sus gallos muertos parecen vivir en una imaginaria taxidermia. La deliberada desproporción entre los objetos representados nos conduce a un surrealismo también peculiar. Desde la máxima exactitud referencial, la pintura de Diego de Giráldez es inquietante, capaz de conmover al espíritu menos sensible.
Ver más comentarios y parte de su obra en algunas direcciones donde figura Diego de Giraldez:
Diegor de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
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Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
Diego de Giráldez
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